Trailer d'art Verena Feldbausch

#29 art talk – Mahbuba Maqsoodi

Verena — Wed, 29 Apr 2026 02:22:34 +0000

L’univers pictural de Mahbuba Maqsoodi, artiste afghano-allemande de renommée internationale

Mahbuba Maqsoodi est peintre, écrivaine et une voix entre les cultures, car elle ne cesse de jeter des ponts à travers son art. Née en Afghanistan, elle vit aujourd’hui en Allemagne.

Mahbuba Maqsoodi s’est fait connaître d’un large public grâce à un projet exceptionnel : la conception des vitraux de l’abbaye bénédictine de Tholey, en Sarre. C’est un lieu qui allie tradition, spiritualité et art contemporain. Parallèlement, Mahbuba Maqsoodi expose actuellement ses œuvres à la Galerie municipale de Neunkirchen, dans le cadre de l’exposition GLAUBHAFT (crédible), où l’on peut découvrir son œuvre artistique sous toutes ses facettes.

Nous discutons avec Mahbuba Maqsoodi de l’art entre religion et identité, de la lumière et de la couleur, des questionnements humains et des thèmes spirituels – ainsi que d’un parcours de vie marqué par des bouleversements et des nouveaux départs créatifs et artistiques.

.Shownotes:

Mahbuba Maqsoodi : https://maqsoodi.de
Abbaye bénédictine de Tholey : https://www.abtei-tholey.de/abtei/weltkunst-in-der-abtei.html
Galerie municipale de Neunkirchen : https://staedtische-galerie-neunkirchen.de/aktuell/
Réalisé par art trailer feldbausch : https://feldbausch.com/
Retrouvez tous les podcasts artistiques art talk SaarLorLux ici : https://feldbausch.com/blog/

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Bio – Mahbuba Maqsoodi : un pont entre Herat et Munich

Mahbuba Maqsoodi est une artiste contemporaine dont la reconnaissance internationale repose sur l’union magistrale entre les traditions afghanes et la modernité européenne. Son œuvre pluridisciplinaire s’étend de la peinture et du dessin à la conception d’espaces sacrés à travers l’art du vitrail.

Origines et formation Née en 1957 à Hérat, en Afghanistan, Mahbuba Maqsoodi y effectue ses premières études en pédagogie et en arts. Dans les années 1980, elle obtient une bourse pour étudier en Union soviétique, où elle soutient une thèse de doctorat en sciences de l’art à l’Académie des Arts de Leningrad (aujourd’hui Saint-Pétersbourg). En raison de l’instabilité politique dans son pays d’origine, elle demande l’asile politique en Allemagne en 1994 avec sa famille et s’établit à Munich.

Création artistique L’œuvre de Maqsoodi est imprégnée d’une réflexion profonde sur la condition humaine, la féminité et la quête identitaire entre différentes cultures.

L’art du vitrail : Un aspect saillant de sa carrière est son travail sur verre. Maqsoodi est considérée comme l’une des rares artistes ayant réussi à transposer la technique classique du vitrail dans un langage visuel moderne, à la fois abstrait et figuratif.
Style : Ses créations se distinguent par des lignes filigranes, des couleurs éclatantes et une profondeur narrative. Elles intègrent les influences de sa terre natale afghane tout en s’inscrivant pleinement dans le contexte de la modernité occidentale.

Projets majeurs La conception des vitraux de l’église abbatiale de Tholey, dans la Sarre, constitue un jalon essentiel de son parcours. Alors que les esquisses des trois grands vitraux du chœur ont été réalisées par l’artiste de renommée mondiale Gerhard Richter, Maqsoodi a conçu les 34 autres vitraux de l’abbaye.

“Les vitraux racontent des histoires de saints et des scènes bibliques, tissées dans un jeu de lumière et de couleurs qui transforme l’espace sacré.” — Mahbuba Maqsoodi

Distinctions et portée Pour son engagement culturel et son accomplissement artistique, Mahbuba Maqsoodi a reçu de nombreux honneurs, dont la Médaille d’État bavaroise pour services sociaux en 2023. Elle incarne un exemple remarquable de symbiose culturelle réussie, démontrant que l’art peut agir comme une langue universelle capable de transcender les frontières et les conflits politiques.

Aujourd’hui, elle continue de vivre et de créer à Munich, travaillant dans son atelier sur des commandes privées ainsi que sur de vastes projets publics.

Retrouvez l’intégralité de l’entretien mit Mahbuba Maqsoodi

Nous parlons d’art dans « art talk », le podcast artistique de la région SaarLorLux. Nous rencontrons des conservateurs et des artistes là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des lieux d’art exceptionnels dans notre région. Participez aux discussions en galerie, aux vernissages et aux finissages. Vous pouvez écouter « art talk » partout où l’on trouve des podcasts.

Bonjour et bienvenue à art talk SaarLorLux, le podcast consacré à l’art et à la culture dans notre Grande Région, dans lequel nous discutons avec des personnes passionnantes et créatives. Je m’appelle Verena Feldbausch et j’accueille aujourd’hui une artiste très spéciale. Une femme dont le parcours est tout aussi impressionnant que son art, Mahbuba Maqsoodi. Elle est peintre, autrice et une voix entre les cultures, car son art permet véritablement de jeter des ponts. Elle est née en Afghanistan et vit aujourd’hui en Allemagne. C’est grâce à un projet hors du commun que Mahbuba Maqsoodi s’est fait connaître d’un large public, notamment ici, dans notre Grande Région. La conception des vitraux de l’abbaye bénédictine de Tholey, ici en Sarre. C’est un lieu qui allie tradition, spiritualité et art contemporain. Par ailleurs, elle expose actuellement ses œuvres à la galerie municipale de Neunkirchen, dans le cadre de l’exposition « Glaubhaft », où vous pourrez découvrir l’œuvre artistique de Mahbuba Maqsoodi sous toutes ses facettes. Nous parlons aujourd’hui de l’art entre religion et identité, de la lumière et de la couleur, des questions humaines et des thèmes spirituels et sur un parcours de vie marqué par des bouleversements et des nouveaux départs créatifs et artistiques. Comme toujours, vous trouverez des images des œuvres dont nous parlons ici sur notre blog ; le lien vers celui-ci figure dans les notes de l’émission. Cet épisode d’art talk Saar de Lux est soutenu par le ministère de l’Éducation et de la Culture de la Sarre. Nous vous remercions chaleureusement pour votre soutien, qui permet de faire entendre des voix artistiques telles que celle de Mahbuba Maqsoodi et de renforcer le dialogue culturel dans notre région et au-delà. Je vous souhaite une bonne écoute.

Verena Feldbausch: Chère Mahbuba Maqsoodi, je suis très heureuse de vous accueillir ici aujourd’hui. Bienvenue !

Mahbuba Maqsoodi: Merci de m’avoir invitée !

Premières impressions

Verena Feldbausch: J’aime bien commencer en toute franchise. Comment allez-vous ? Au cœur de l’exposition et de vos projets.

Mahbuba Maqsoodi: Je me sens bien et tout à fait satisfaite.

Verena Feldbausch: Super !

Parcours de vie et débuts artistiques

Verena Feldbausch: Vous avez un parcours de vie hors du commun, de l’Afghanistan à l’Allemagne. Vous êtes née en Afghanistan en 1957 et y avez appris la peinture miniature persane auprès de votre futur mari. L’art vous est-il apparu clairement dès le début ou cela s’est-il développé avec le temps ? Comment avez-vous fait vos débuts dans le domaine artistique ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, comme vous l’avez mentionné, c’est un très long chemin. Et je pense que dès mes premiers pas dans la peinture miniature à Herat, sur ses études à l’Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, comme première rencontre consciente avec l’art et la culture européens, jusqu’aux expériences liées à l’art en Allemagne, toutes ces étapes ont marqué mon parcours et m’ont conduit à ce que je suis aujourd’hui ou à ce que je ressens aujourd’hui. Mais si, la voie reste ouverte.

Verena Feldbausch: Super !

Verena Feldbausch: En Afghanistan, l’accent a d’abord été mis sur la miniature persane. Puis, grâce à des bourses, vous et votre mari êtes partis à Saint-Pétersbourg, en ex-Union soviétique. C’est là que vous vous êtes familiarisé avec l’art européen et que vous avez perfectionné votre technique artistique. Vous avez donc essayé différentes techniques de dessin et de peinture. Et puis, vous y avez étudié la céramique artistique. Quels sont les souvenirs qui vous marquent encore particulièrement de cette époque ?

Mahbuba Maqsoodi: Quand je suis arrivée à Saint-Pétersbourg, comme vous l’avez mentionné, j’ai découvert quelque chose de tout à fait différent : la peinture miniature. Et c’est à Saint-Pétersbourg que j’ai découvert pour la première fois l’art européen. C’était un nouveau départ. J’ai vraiment dû rattraper beaucoup de choses que les autres, mes camarades, avaient déjà faites, j’ai dû l’apprendre par moi-même. Et pour moi, cela représente beaucoup de travail. Comme je suis très curieuse et que j’adore tout ce qui est nouveau, j’étais alors prêt à apprendre tout ce qu’il était possible d’apprendre. Et à l’Académie, ces portes étaient ouvertes presque 24 heures sur 24, oui. Et j’ai essayé, chaque jour, de saisir toutes les occasions qui se présentaient dans les amphithéâtres, en peignant, en dessinant, en cours d’histoire de l’art, dans les salles des musées. Rien qu’à l’Ermitage, on dit qu’il y a 24 kilomètres. Et ici comme là-bas, nous sommes passionnés par l’art, de l’Antiquité à nos jours. C’était un océan de possibilités. Et j’ai essayé de tout, absolument tout, mettre à profit. Et j’en suis reconnaissant, car lorsque je suis arrivé en Allemagne, je connaissais déjà, en fait, l’art et la culture européens dans de nombreux domaines. Eh bien, ici en Allemagne, j’ai découvert quelque chose à ce sujet et j’ai essayé d’approfondir le sujet.

Arrivée en Allemagne et nouvelles techniques

Verena Feldbausch: Comme ils ne pouvaient pas retourner en Afghanistan, ils sont donc venus en Allemagne et ont d’abord travaillé dans un style figuratif et abstrait, avant de découvrir finalement la peinture sur verre. On peut dire ça, non ? En quoi ce parcours a-t-il influencé sa vision artistique ?

Mahbuba Maqsoodi: Je pense que toutes les étapes que j’ai franchies dans ma vie m’ont façonnée. C’était conscient ou inconscient, intuitif. Quant au verre, j’y avais déjà été initié à l’Académie, dans le cadre du cours d’histoire de l’art. Je savais déjà quelle importance revêtait le verre dans l’architecture gothique au début du Moyen Âge et par la suite. Mon mari et moi, nous étions tous les deux artistes indépendants. Je dirais que je suis arrivé ici avec un sac à dos bien rempli. Tout à coup, nous nous sommes retrouvés dans une situation où personne n’avait besoin de nous, pas comme je l’avais imaginé, ni comme nous l’avions imaginé. Et c’est ainsi qu’a commencé ma quête, qui m’a permis de découvrir quelque chose de nouveau. Que je continue malgré tout à exercer mes activités artistiques. C’est ainsi que je me suis intéressé au verre. Le premier trait sur le verre a été pour moi une expérience presque effrayante, car je cherchais la surface. Parce que le verre laisse passer la lumière. Et voilà comment s’est déroulé ce début intéressant, pas facile, voire difficile.

Verena Feldbausch: La nouveauté aussi.

Mahbuba Maqsoodi: Le Nouveau, bien sûr. Exactement.

L’art comme nécessité

Verena Feldbausch: Quand avez-vous réalisé que l’art était pour vous plus qu’un moyen d’expression, voire une nécessité ?

Mahbuba Maqsoodi: Dès la première rencontre, comme une vague qui vient se briser sur un petit flacon de parfum, j’avais déjà cette impression à Herat, quand j’étais en première au lycée. C’était un hasard, bien sûr. Dès le début, beaucoup de choses m’apparaissaient sous forme de lignes déjà colorées. Non pas seulement comme une possibilité, mais comme une légère angoisse. Une nécessité intérieure à laquelle je peux à peine échapper, ou à laquelle je ne pouvais pas échapper. Et cela continue de me marquer.

Intuitif ou conceptuel ?

Verena Feldbausch: Travaillez-vous plutôt de manière intuitive ou conceptuelle ? Ou s’agit-il d’un mélange des deux ?

Mahbuba Maqsoodi: C’est une très belle question. Et je pense que la plupart des artistes travaillent plutôt de manière intuitive. Car pour moi, cela relève de l’intuition, d’une question de sentiment. Travailler avec l’art n’est pas un travail scientifique. Cette utilisation intuitive permet ainsi d’instaurer un climat de confiance. Ce qu’on appelle communément l’intuition, je suppose. Mais je pense qu’il s’agit en fait d’une perception intérieure totale, qui déclenche et oriente la première impulsion. Mais dans le domaine de l’art et de l’architecture, car il s’agit là d’un projet de grande envergure, ni sous forme d’images individuelles, ni sous forme de triptyque. Je pense donc que ce concept est également nécessaire. Oui, c’est un mélange d’art intuitif et d’art conceptuel. L’espace lui-même se met à parler, il influence et réclame notre attention. Je ne cherche pas seulement en lui une forme et une structure dans l’espace, mais quelque chose qui va au-delà. Cette harmonie subtile, cette atmosphère qui relie tout. Tout. Et donne à l’ensemble sa propre harmonie. Comme vous l’avez dit tout à l’heure, c’est parfois un mélange des deux.

Les vitraux de Tholey

Verena Feldbausch: L’une de ses œuvres les plus célèbres est constituée par les vitraux de l’abbaye bénédictine Saint-Maurice à Thuley. Un projet qui a suscité beaucoup d’intérêt. Comment cette commande a-t-elle vu le jour ? Ce n’est pas un projet comme les autres.

Mahbuba Maqsoodi: Oui, il s’agissait d’un concours artistique à l’échelle européenne. Et j’y ai été invitée.

Verena Feldbausch: Vous souvenez-vous encore du moment où l’on vous a posé cette question ? Qu’est-ce qui vous est passé par la tête à ce moment-là ?

Mahbuba Maqsoodi: Ce n’était pas ma première intervention dans un espace sacré. Oui. Avant cela, j’ai également réalisé quelques œuvres dans le style de la peinture du XIXe siècle. Avec mon mari, mais aussi toute seule. La différence, c’est que dans ce cas-là, j’ai travaillé dans ma propre langue et j’ai ainsi fait mes adieux à la peinture du passé. Oui. Mon objectif était de gagner.

Verena Feldbausch: Très bien.

Mahbuba Maqsoodi: Et je me souviens du jour où, mon tableau sous le bras, je me suis mise en route vers la concrétisation. Je me suis rendu à l’atelier de Van Treeck à Munich, pensant que ces œuvres feraient partie du site historique. J’étais heureux, mais aussi humble. Avec une grande responsabilité.

Verena Feldbausch: Je pense que oui.

Réaction des moines et de la communauté

Verena Feldbausch: Les vitraux ont une longue tradition. Son œuvre tire sa force de l’interaction entre la lumière et la couleur. Quelle était votre idée de départ pour ces fenêtres ?

Mahbuba Maqsoodi: Pour ces fenêtres à Tholey. L’idée était, comme partout où je travaille dans cet espace, de créer un lien entre mes œuvres et un faire partie intégrante de la pièce. Pour moi, c’est ça, l’harmonie. Et c’est bien là tout le sens de l’histoire. Et quand j’étais là-bas, tout au début, avant de commencer à dessiner, j’ai ressenti cette impression dans la pièce, celle qu’il fallait que je fasse en sorte que le spirituel puisse qui fait partie intégrante de la vie quotidienne. Car je ne considère pas que la religion et les lieux sacrés doivent rester à l’écart des gens. Parce que je pense que lorsque ce genre de chose se produit, le message perd tout son sens. J’ai essayé de comprendre, en ce sens, ce que cette histoire signifiait. Quel est le thème abordé ici et comment puis-je le mettre en perspective avec notre époque ? Exemple. Le thème d’Adam et Ève. C’est un thème ancestral dans les trois religions monothéistes. Et voici l’une de ces œuvres. Je pense que je ne pouvais plus interpréter ces thèmes comme avant, car j’étais convaincu que Dieu a créé l’homme et la femme sur un pied d’égalité. Et le reste est l’œuvre de l’humanité. Donc, à droits égaux, responsabilités égales. C’est ainsi que l’ensemble du cycle a vu le jour par la suite.

Verena Feldbausch: Ah oui, très bien. C’est très intéressant, en effet. Oui.

Lumière et émotion

Verena Feldbausch: Quel rôle joue la lumière pour vous dans ce contexte ? Donc, pas seulement sur le plan technique, mais aussi sur le plan émotionnel ?

Mahbuba Maqsoodi: Je pense que la lumière est un élément fondamental de l’existence. Après tout, on ne peut pas s’en passer. Et c’est aussi un processus qui accompagne en permanence la création. Car c’est grâce à la lumière que peut naître quelque chose d’unique dans l’expression de l’œuvre d’art, dans la musique, dans la peinture. Ce qui signifie que c’est très individuel. Et c’est grâce à cette singularité, à la manière dont on joue avec la lumière, que l’on parvient également à créer une dimension émotionnelle. Et cela suscite naturellement une perception émotionnelle de l’image dans la perception du spectateur. Oui. Et j’espère bien sûr que mes œuvres toucheront les gens dans ce sens-là.

Aspects religieux et spirituels

Verena Feldbausch: Y a-t-il eu des aspects religieux ou spirituels qui vous ont particulièrement touchée dans cette travail ?

Mahbuba Maqsoodi: En fait, tout ce que je fais dans le domaine artistique, que ce soit dans le domaine de l’art et de l’architecture ou des images individuelles. La spiritualité occupe une place centrale dans mon travail. Et lorsque les œuvres sont créées pour un espace sacré, ces espaces sacrés, pas tous, mais la plupart des gens partagent cette conception de la spiritualité. Et cela influence en quelque sorte encore davantage ce que j’exprime en ce sens. Et quel que soit le sujet.

Expériences dans les espaces sacrés

Verena Feldbausch: J’ai encore une petite question. Vous dites bien que ce n’est pas le premier édifice religieux, c’est-à-dire les fenêtres du premier édifice religieux, que vous avez conçue. Pourriez-vous nous raconter un peu comment tout cela a commencé et comment vous en êtes venu à concevoir des vitraux pour les églises ?

Mahbuba Maqsoodi: C’est vraiment une excellente question, tout à fait pertinente. Comme je l’ai dit, j’ai cherché ma voie, puis je me suis tourné vers le verre, et ensuite j’ai travaillé avec une entreprise à Munich qui possède également de nombreuses années d’expérience dans les domaines de l’art et de l’architecture. C’est ainsi qu’est née cette collaboration, dans l’esprit du style architectural du XIXe siècle, parce que nous, je dis toujours « nous », mon mari et moi, avons fait nos études à Saint-Pétersbourg. Et cette peinture du XIXe siècle appartient à une époque révolue en Europe, mais en Amérique, on en parle là-bas. On trouve donc aussi bien de l’art moderne que de la peinture du XIXe siècle. C’est ainsi que nous avons décroché des commandes, je parle ici vraiment de commandes dans le style de la peinture du XIXe siècle. Et plusieurs projets ont vu le jour, comme à Nashville, dans le Tennessee, au Texas, et deux autres du même genre. Des chapitres dans la ville d’Albany, c’est-à-dire à New York, des maisons privées, etc. Comme je l’ai déjà dit, le projet à Tholey n’était pas ma première expérience. Mais cette fois-ci, c’était ma propre langue, que j’avais mise au point pendant des années.

Verena Feldbausch: Oui, d’accord. Super, ça nous a permis de clarifier les choses. Exactement.

Réaction des moines et de la communauté

Verena Feldbausch: Comment les moines et/ou la communauté ont-ils réagi à vos projets ? Y a-t-il eu des discussions ou la confiance s’est-elle installée d’emblée ?

Mahbuba Maqsoodi: Lorsque la décision du jury a été rendue publique, il n’y a eu aucune discussion entre moi et la Convention. Une confiance profonde, très profonde s’est alors installée.

Verena Feldbausch: Ah, super.

Mahbuba Maqsoodi: Et cela s’est clairement reflété au sein de la commune après l’inauguration.

Verena Feldbausch: Très bien. Cela a donc été bien accueilli.

Mahbuba Maqsoodi: Oui, enfin, après l’inauguration.

Verena Feldbausch: Très bien.

Mahbuba Maqsoodi: C’est ce que je souligne.

Verena Feldbausch: Très bien. Très bien, oui, oui.

Collaboration avec Gerhard Richter

Verena Feldbausch: L’abbaye de Tholey possède également des vitraux réalisés par le célèbre artiste Gerhard Richter. Qu’est-ce que cela fait de concevoir les vitraux d’une abbaye en collaboration avec un artiste aussi exceptionnel ? Donc côte à côte. Ils n’ont pas co-conçu. Ce projet vous a-t-il également touché personnellement ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, je pense que chaque projet a quelque chose de personnel. Même chaque discussion sur l’art et chaque lecture. Par exemple, hier, ici, dans cette magnifique salle. Pour la première fois, après plusieurs lectures dans différents contextes, j’ai lu dans une pièce, là où sont accrochés mes tableaux. C’était encore une fois quelque chose de complètement nouveau, une nouvelle perception. Et c’était exactement la même chose pour le projet à Tholey. Mais je suis convaincu que chaque personne et chaque artiste, quelle que soit sa notoriété, joue son propre rôle et occupe, ou peut occuper, une place unique dans le monde. Quant à cette expérience, elle a dépassé ma compréhension humaine à bien des égards. Pour moi, le résultat s’est traduit par une harmonie dans laquelle toutes les images de la pièce se complètent mutuellement.

Verena Feldbausch: Oui, très bien.

Pont culturel

Verena Feldbausch: Peut-on dire que ce travail constitue également un pont culturel entre vos origines et l’espace ecclésial européen ?

Mahbuba Maqsoodi: Je pense que oui. Nous avons évoqué jusqu’à présent le fait que de nombreuses étapes de ma vie m’ont marqué. Et toutes ces étapes, de l’Afghanistan à l’Union soviétique, puis jusqu’ici. Malgré toutes ces différences, j’ai toujours trouvé un point commun. Et c’est aussi ce que je peux exprimer à travers mes œuvres. Oui, nous sommes différents, mais nous avons quelque chose en commun. Et je pense que l’art n’a pas pu et ne peut pas sauver le monde. Ce n’est pas non plus le rôle de l’art, mais celui des artistes d’exprimer quelque chose. Et quand, à travers mes œuvres, que ce soit dans des lieux sacrés ou, comme ici, dans cette exposition, les gens lâchent un peu prise sur leurs positions bien arrêtées, ne serait-ce que d’un millimètre, c’est déjà merveilleux.

Verena Feldbausch: Oui, c’est très bien décrit. Merci.

L’exposition « Glaubhaft » à Neunkirchen

Verena Feldbausch: Nous arrivons maintenant à l’exposition de la Galerie municipale de Neunkirchen, où nous réalisons d’ailleurs cette interview. Parallèlement à ce grand projet sacré, vous exposez actuellement vos œuvres à la Galerie municipale de Neunkirchen dans le cadre de l’exposition « Glaubhaft ». On y trouve également un certain nombre de dessins et d’esquisses représentant les vitraux de l’église de Tholey. Qu’est-ce qui attend les visiteurs dans votre exposition ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, c’est vrai, comme je travaille dans le domaine public, je suis surtout connue pour mes œuvres artistiques et architecturales. Et maintenant, passons à cette exposition. Les visiteurs pourraient bien apercevoir soudain quelque chose qui n’a en réalité rien à voir avec cela. C’est une page. Mon objectif dans cette exposition. Deuxièmement, les œuvres qui finissent par être transposées sur verre ont déjà fait l’objet d’un travail intensif, que beaucoup ignorent. Il s’agit de plusieurs croquis préparatoires, de peintures qui peuvent ensuite être transposées sur du tissu, du verre ou un autre support. C’est ce que je voulais montrer, car à proprement parler, il s’agit déjà d’œuvres autonomes et achevées qui sont transposées dans un autre matériau.

Verena Feldbausch: Oui, c’est vrai. On voit donc ici, sur la galerie, des croquis, sans doute au crayon. Oui. Et là aussi, on voit de l’acrylique, encore une fois des croquis ou des détails, en fait, n’est-ce pas ?

Mahbuba Maqsoodi: En fait, parmi le cycle de Tholey, je ne présente ici qu’une seule œuvre, « Le Bien et le Mal », celle que l’on appelle « La Chute de Satan ». Vous voyez ci-contre ces différents formats, tels qu’ils ont été, pour ainsi dire, transposés dans le verre à Tholey. Oui. Mais j’ai décomposé l’ensemble de la fenêtre, qui comptait 40 images, et je les ai présentées dans une nouvelle composition à côté. Ce que je voulais dire, c’est que mes œuvres peuvent aussi fonctionner indépendamment de l’espace. Chaque pièce est comme une image.

Verena Feldbausch: Oui, exactement. Oui, c’est très intéressant. Il faut vraiment voir ça.

Mahbuba Maqsoodi: Et maintenant, vous pouvez imaginer que, rien que pour ce travail, je l’ai élue 63 dessins d’étude. Il y en a 40 ici, et nous en avons 29 à Tholey. Je vous parle donc de plus de 350 dessins d’étude et de photos, des photos, encore des photos. Il est donc possible de montrer d’autres présentations sous forme d’images.

Verena Feldbausch: Oui.

Fil conducteur de l’exposition

Verena Feldbausch: Y a-t-il un fil conducteur ou un thème central qui se retrouve dans les œuvres que nous présentons ici à Neunkirchen ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui. Je suis une artiste qui ne pratique pas l’art décoratif, car je porte en moi, par choix ou non, consciemment ou inconsciemment, bien des choses. Et ma source d’inspiration, ce sont les interactions quotidiennes avec les gens, avec la nature, avec ses soucis, ses joies, etc. Et c’est ainsi que je l’exprime dans mes œuvres. C’est pourquoi les personnes constituent véritablement le fil conducteur qui transparaît dans toutes ces œuvres. Je voudrais ainsi dire que nous, les êtres humains, faisons partie d’un tout. Mais du fait que les êtres humains possèdent une capacité créatrice particulière, en conséquence en ont la responsabilité. Petit ou grand. Au sein de la famille, dans la société ou dans l’actualité mondiale. Ce sont donc les personnes qui occupent une place centrale dans mon travail. Oui. L’être humain est au cœur de nos préoccupations.

Verena Feldbausch: Oui.

Identité, renouveau et appartenance

Verena Feldbausch: Vos œuvres traitent souvent d’identité, de renouveau et d’appartenance. Comment ces thèmes se reflètent-ils concrètement dans l’exposition ?

Mahbuba Maqsoodi: Grâce à toutes les expériences que j’ai pu vivre. L’Afghanistan, un pays qui, en partie peut-être, reste ancré dans des mentalités archaïques. Mais d’un autre côté, on y trouve là un reflet de la façon moderne d’appréhender le monde. Puis la Russie ou l’Union soviétique. Un autre système. Des perceptions totalement différentes de celles que nous, les humains, avons du monde extérieur. Mais j’y ai vécu environ 14 ans et j’ai découvert cette société sous tous ses aspects, ou du moins sous de nombreux aspects. Alors je viendrai ici. En fin de compte, comme je l’ai déjà dit, je vois tout comme un ensemble complexe. Vu d’en haut, la Terre est magnifique et on ne voit pas ses frontières. Peut-être les différences. Et c’est ainsi que je perçois également ces différences, que nous considérons comme un enrichissement, comme une richesse pour nous. Et j’y cherche aussi vraiment mon identité. Dans ce que nous, êtres humains, avons en commun et qui fait de nous ce que nous sommes. Et ces différences sont tout simplement magnifiques. Je suis peintre. Comme ce serait ennuyeux si tout le monde était pareil.

Verena Feldbausch: C’est vrai. Vous avez tout à fait raison.

Nouvelles techniques et motifs

Verena Feldbausch: Utilisez-vous ici de nouvelles techniques et de nouveaux motifs ?

Mahbuba Maqsoodi: J’en cherche toujours de nouveaux. Cette nouvelle situation donne sans cesse lieu à des nouveautés. Même si je travaille beaucoup avec les couleurs et que, en fait, je vois tout en couleurs. Je pense que parfois, de nouvelles techniques font leur apparition. Par exemple, ma façon de travailler. Si le tissu ne passe pas à travers mon verre, mais la lumière est très importante. Dans ce cas-là, par exemple, je prends le miroir. Il y a donc sans cesse de nouvelles techniques qui apparaissent. Et j’espère que ma manière d’aborder le verre incitera mes collègues artistes à découvrir eux aussi ce matériau pour leur art.

Verena Feldbausch: Oui, comme nouveau support, exactement. Comme support alternatif.

Travail libre vs. commande

Verena Feldbausch: En quoi votre travail artistique libre diffère-t-il d’une œuvre de commande, comme les vitraux de l’église de Tholey, par exemple ?

Mahbuba Maqsoodi: Eh bien, je ne vois pas de distinction. Car, comme je l’ai dit, je n’aborde pas non plus les récits dits bibliques de la manière dont on les aborde habituellement dans l’iconographie chrétienne. Je m’en détache complètement. Oui, voici ce que vous pouvez voir à Tholey, voici ce que vous pouvez voir à Cham, et ainsi de suite. Oui, la seule contrainte pour moi dans le cadre de cette mission, ce sont ces contraintes techniques. Par exemple, la taille de la fenêtre. C’est comme ça. Je dois donc rester dans les limites du format. Et puis, bien sûr, l’espace, l’atmosphère de la pièce, qui influence également la façon dont je perçois mon concept en termes de couleur. Cela représente environ deux restrictions. En ce qui concerne l’interprétation, j’ai là, tout comme pour les images individuelles, une liberté totale.

Œuvre particulière dans l’exposition

Verena Feldbausch: Y a-t-il une œuvre de l’exposition qui vous tient particulièrement à cœur ?

Mahbuba Maqsoodi: Difficile à dire, moi aussi. En y regardant de plus près, je pense que cette image, qui n’est d’ailleurs pas très grande, signifie : « Chacun suit son chemin. »

Verena Feldbausch: On y fait un petit tour ?

Mahbuba Maqsoodi: On peut y aller. Oui.

Verena Feldbausch: Quelle importance revêt cette œuvre pour vous ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, c’était une nouvelle étape. La genèse de ces figures abstraites, tantôt figuratives, tantôt non figuratives. Et cette idée que chacun suit son propre chemin me préoccupe. J’ai dit tout à l’heure : trois cultures, trois positions différentes sur le plan politique, sur le plan du système et sur le plan religieux. Mais j’ai constaté à maintes reprises que, lorsqu’ils sont ensemble, les gens vont tous dans la même direction. Rares sont ceux qui se disent : « Oh, je dois prendre les choses en main et assumer mes responsabilités. » C’est ce que je constate réellement en tant que spectatrice.

Verena Feldbausch: Oui. Le tableau s’intitule « Le Chemin » et date de 2012. Oui.

Mahbuba Maqsoodi: Exactement. En 2008, j’ai réalisé une petite toile, et la première chose que j’ai ensuite essayée, c’était de peindre sur du verre.

Verena Feldbausch: Très bien.

Écriture et peinture

Verena Feldbausch: Elle n’est pas seulement artiste plasticienne, mais aussi autrice et militante pour les droits des femmes. En 2017, vous avez publié votre autobiographie intitulée « La goutte ignore tout de la mer ». Comment l’écriture et la peinture se complètent-elles selon vous ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, ça a été une nouvelle expérience pour moi aussi. Mais comme je l’ai dit, je vois tout en couleurs. L’idée m’est venue de ne pas peindre, mais d’écrire d’abord, sous forme de petites images, ce que j’ai dû vivre. En ce sens que, par mes mots, je laisse aux lectrices et aux lecteurs le soin de se représenter la scène. C’est à vous de peindre.

Verena Feldbausch: Intéressant.

Mahbuba Maqsoodi: Je reçois beaucoup de retours, et vous pouvez imaginer que ces retours, cette perception que j’ai des gens, se reflètent à leur tour dans ma peinture. L’un complète donc l’autre. Oui, cela m’influence beaucoup.

Verena Feldbausch: Oui, c’est vrai. En fait, quand on lit quelque chose, des images se forment dans notre esprit. C’est intéressant que vous reveniez là-dessus.

Verena Feldbausch: Très bien.

Histoires personnelles dans l’art

Verena Feldbausch: Vos œuvres racontent très souvent des histoires personnelles. Dans quelle mesure y a-t-il une part de vous-même là-dedans ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, nous avons tous une histoire personnelle. Et cette histoire personnelle s’inspire de faits réels. Avec confiance, avec amour, avec espoir. Même face à la perte. Ce sont des situations que je ne suis pas le seul à vivre ou à avoir vécues. Nous tous. Et qu’on le veuille ou non, cela se reflète dans nos activités quotidiennes. Mais en tant que peintre, bien sûr, aussi dans ses tableaux. Oui, c’est en quelque sorte normal pour moi. Oui. Et c’est ainsi, bien sûr, que se crée le lien entre l’image et le spectateur. Car si c’est le cas, si je pouvais exprimer cette idée, alors celle-ci pourrait aussi une relation se crée. Et voilà, l’image s’achève. Oui. Je ne dis pas que je termine le tableau, mais que la fin de la peinture prend forme dans la perception de la personne qui se trouve devant l’image.

Rôle des origines aujourd’hui

Verena Feldbausch: Quel rôle vos origines jouent-elles encore aujourd’hui dans l’art ?

Mahbuba Maqsoodi: Oui, beaucoup de choses. Je pense que, dans mon milieu d’origine, nous avions beaucoup de pensées de ce genre, qui m’accompagnent encore aujourd’hui. Oui. Exemple. Se traiter mutuellement avec respect. Dans l’éducation, ou plutôt au sein de la famille, je dirais la franchise. Être curieux de savoir ce que font les autres. C’est ainsi que j’ai été élevé. Et peut-être que cela ne vaut pas pour tous ceux qui sont nés en Afghanistan, mais au moins pour qui font partie de moi et qui continuent d’être présents dans mon univers. Oui. Mais je tiens tout de même à dire que les artistes sont libres et que j’ai depuis longtemps déjà les limites ont été dépassées.

Contexte familial

Verena Feldbausch: Encore une petite question concernant vos origines. Comme je l’ai déjà dit, vous êtes née en Afghanistan et votre famille compte sept filles. Votre père et votre mère ont donc sept filles. Pourriez-vous nous en dire un peu plus à ce sujet ? Parce que je pense que c’était quand même une situation particulière.

Mahbuba Maqsoodi: Tout à fait. Mais à chaque fois que je prononce cette phrase lors de la lecture, que je dis que je fais partie d’une famille. Je suis née dans une famille où nous étions sept sœurs. Je vois, oh, donc ici non plus, ce n’est pas très visible. C’était le cas en Afghanistan, et c’est toujours le cas aujourd’hui. Ce qui est bien, c’est que dans notre famille, ça n’a jamais été un sujet de discussion, surtout de la part de mon père. Ma mère peut-être, j’ai entendu dire à plusieurs reprises qu’elle avait aussi d’autres souhaits. Mais pourquoi mon père ? Malheureusement, je n’ai pas eu l’occasion d’en parler avec lui de son vivant. Ou bien n’ai-je pas perçu la situation de cette manière, ou ne m’y suis-je pas intéressé de si près ? Je pense que c’était quelqu’un de vraiment, vraiment croyant. En tant que musulman, il croyait en Dieu. Et si l’on croit cela, que l’on soit homme ou femme, tous sont en quelque sorte un don de Dieu. Que certains aient moins de droits ou plus de droits, ce sont là des événements qui, au fil de l’histoire, a été créé principalement par des hommes. C’est pourquoi, dans aucune religion monothéiste, la femme n’occupe la même place qu’un homme. Mon père l’a interprété différemment et n’a laissé aucune place à cela au sein de la famille, en discuter. Ce n’était pas un problème. Et quand on est si convaincu que les autres, en dehors de la famille, au village ou en ville, on ne lui a jamais posé ce genre de question, car il en était tellement convaincu. Et c’est exactement ce qu’il dégageait. C’est ainsi que j’ai été élevé. Parce qu’ils ont dit tout à l’heure que je pourrais peut-être aussi être une militante, alors que je ne me considère vraiment pas comme telle, tel qu’on le perçoit en tant que militante ou féministe. Je me rends vraiment compte que le monde est composé des deux sexes et tous deux ont la responsabilité commune de façonner leur vie, tout en ayant des caractères différents, également en tant que genre. Mais cela ne signifie pas pour autant que les droits sont restreints. Et c’est ainsi que je vois les choses. Et il en va de même en Afghanistan. Et je pense qu’en Europe, nous n’avons pas non plus réussi à faire en sorte que les droits des femmes soient à peu près équivalents à ceux des hommes, si les hommes n’avaient pas participé. Oui. Imaginez les années 60 et 70. C’est exactement la même chose en Afghanistan. On parle toujours des femmes. Je demande : où sont les hommes ? Oui. Parce que ce sont eux, en réalité, les coupables. Il faut donc aussi aborder ce sujet avec les hommes et faire en sorte qu’ils prennent conscience de leur rôle. Et bien sûr, les femmes aussi, pour qu’elles ne se considèrent pas toujours comme des personnes subordonnées, mais qu’elles gèrent cette situation en toute conscience. C’est ce que je souhaite. Et je pense que ce thème se pose même dans les lieux sacrés, dans la mesure du possible. En tant qu’hommes et femmes égaux, conscients de leurs droits et de leurs responsabilités. Oui.

Projets actuels et futurs

Verena Feldbausch: Sur quoi travaillez-vous actuellement et quels sont vos prochains projets ?

Mahbuba Maqsoodi: Je travaille actuellement à la préparation d’une exposition collective qui aura lieu en septembre à Cologne. Ça marche aussi de l’autre côté de la frontière. On reste de ce côté-ci ou pas ? Oui, c’est une réflexion très approfondie qui est proposée dans cette exposition. J’y présenterai une installation, dans une salle. Et puis, l’année prochaine, une exposition sera organisée au Musée du verre moderne de Linnich. Une exposition individuelle. Je suis moi aussi en train de réfléchir à ce que je pourrais encore présenter à partir de ce que j’ai. Et puis, il y a des discussions en cours, il se pourrait bien qu’une exposition voie le jour à Chiang Chin, en Chine. Et en ce qui concerne les projets, oui, c’est un projet formidable, actuellement en cours de réalisation pour le couvent des sœurs franciscaines de Reuthe. Ah oui. Et cet espace s’appelle « Espaces de silence » ; il sera ouvert à tous, indépendamment de la croyance, de la nationalité, etc. J’ai intitulé cette œuvre « Lignes de vie ». Je souhaite ainsi établir un lien entre l’histoire de ce monastère, fondé il y a plusieurs siècles, et le présent, mais aussi l’avenir. Tout le monde participe avec enthousiasme et l’inauguration aura lieu l’année prochaine.

Verena Feldbausch: Super, très beau projet.

Message de l’art

Verena Feldbausch: Que souhaitez-vous que les gens retiennent de votre art, tant ici, dans le cadre de l’exposition de Neunkirchen, que de manière plus générale, lorsqu’ils contemplent vos œuvres ?

Mahbuba Maqsoodi: Si mon travail peut susciter une réflexion, cela me rend heureuse, et c’est d’ailleurs ce que je souhaite.

Conclusion

Verena Feldbausch: Merci beaucoup, chère Mahbuba Maqsoodi, pour cette agréable conversation.

Mahbuba Maqsoodi: Merci.

Verena Feldbausch: Si vous souhaitez en savoir plus sur l’art de Mahbuba Maqsoodi, je vous recommande vivement de visiter l’exposition à la Galerie municipale de Neunkirchen et, bien sûr, de faire un tour à l’abbaye bénédictine de Tholey pour admirer ces impressionnants vitraux en vrai. Comme d’habitude, vous trouverez dans les notes de l’émission le lien vers mon blog, où vous pourrez voir des photos des œuvres dont nous avons parlé, ainsi que, bien sûr, des liens vers les lieux où vous pourrez admirer les œuvres de Mahbuba Maqsoodi. C’était « art talk SaarLorLux ». Si cet épisode vous a plu, abonnez-vous au podcast et n’hésitez pas à le partager. Merci beaucoup de m’avoir écoutée et à bientôt, Verena Feldbausch.

Tu as aimé art talk ? Alors donne-nous 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur ce podcast dans les notes de l’émission et sur notre blog. Rejoignez-nous à nouveau pour parler d’art dans « art talk », le podcast artistique de la région SaarLorLux.

– FIN –

Der Beitrag #29 art talk – Mahbuba Maqsoodi erschien zuerst auf Trailer d'art Verena Feldbausch.

#28 art talk – la sculptrice Sigrún Ólafsdóttir

Verena — Fri, 31 Oct 2025 03:59:23 +0000

Portrait de la sculptrice Sigrún Ólafsdóttir – une conversation sur ses racines islandaises, son travail avec le bois, le caoutchouc, l’acier et ses projets actuels.

Sigrún Ólafsdóttir (1963) a étudié la sculpture dans sa ville natale de Reykjavík, en Islande, puis a poursuivi ses études en arts plastiques et sculpture auprès de Wolfgang Nestler à la Hochschule der Bildenden Künste Saar (École supérieure des beaux-arts) de Sarrebruck. Les principaux moyens d’expression de l’artiste sont le dessin et la sculpture.

Son thème central est la relation entre deux forces qui se conditionnent mutuellement, par exemple le mouvement et le repos, la statique et la dynamique, la lourdeur et la légèreté. Dans ses sculptures, le matériau – acier, aluminium, caoutchouc latex ou bois – joue un rôle central.

Ses œuvres sont exposées à la Galerie moderne de Sarrebruck dans le cadre de l’exposition « Gegenwärtige Bewegung » (Mouvement contemporain), qui se tiendra du 29 novembre 2025 au 12 avril 2026. L’artiste, qui vit à Sarrebruck depuis les années 1990, a été récompensée en 2022 pour son œuvre exceptionnelle par le prix Albert Weisgerber pour les arts plastiques de la ville de St. Ingbert. Pour cette présentation spéciale en coopération avec la ville de St. Ingbert, la conservatrice invitée Andrea Fischer de la Fondation Albert Weisgerber a sélectionné avec l’artiste des œuvres couvrant plusieurs décennies.

Shownotes:

L’artiste: www.sigrun-olafsdottir.de
L’exposition: https://www.modernegalerie.org/de/ausstellungen…
Le prix: https://www.wssi.de/sigrun-olafsdottir-erhaelt-den-albert-weisgerber-preis-der-stadt-st-ingbert/

Foto Credits:

1: Das Porträt von Werner Richner.
4: Tänzer von Tom Gundelwein.
5: Duo: Erwin Altmeier
Alle anderen: Sigrún Ólafsdóttir

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Lire toute notre interview avec Sigrún Ólafsdóttir

Introduction au nouvel épisode d’art talk

Verena Feldbausch: Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les commissaires d’exposition et les artistes là où ils exposent. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participez aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Verena Feldbausch: Bienvenue dans ce nouvel épisode de l’art talk SaarLorLux, le podcast sur l’art et les personnes créatives de notre région. Je m’appelle Verena Feldbausch et aujourd’hui, je me réjouis tout particulièrement d’un entretien avec la sculptrice Sigrún Ólafsdóttir.

Présentation de Sigrún Ólafsdóttir

Verena Feldbausch: Sigrún a étudié la sculpture dans sa ville natale de Reikjavik en Islande et a poursuivi ses études d’art libre et de sculpture auprès de Wolfgang Nestler à la Hochschule der Bildenden Künste Saar de Sarrebruck. Les principaux médias de l’artiste sont le dessin et la sculpture. Son thème central est la relation entre deux forces qui se conditionnent mutuellement, par exemple, le mouvement et le repos, la statique et la dynamique, la lourdeur et la légèreté. Pour les sculptures, le matériau, acier, aluminium, latex, caoutchouc ou bois, joue un rôle central. Nous parlons aujourd’hui de son parcours artistique, des sources d’inspiration et ce que cela signifie de vivre et de travailler en tant que sculpteur entre deux cultures.

Verena Feldbausch: Chère Sigrún, je suis heureuse de te rencontrer aujourd’hui dans ton atelier. Si tu devais te décrire en quelques mots en tant qu’artiste, comment le ferais-tu ?

Sigrún Ólafsdóttir: C’est difficile à dire, parce que je n’ai jamais rien fait d’autre. Et c’était toujours ma niche d’enfant, où j’avais ainsi ma tranquillité et ce que je ne savais pas, ce qui, à l’époque, signifiait méditer, être seul avec Dieu et le monde. Pour moi, c’était du bricolage et je n’ai jamais cessé de le faire.

Verena Feldbausch: Oui, c’est déjà une belle déclaration.

Influence de l’origine islandaise

Verena Feldbausch: Tu as grandi en Islande, un pays au paysage et à la culture très particuliers. Comment cet environnement a-t-il influencé ta sensibilité artistique ?

Sigrún Ólafsdóttir: Alors, il y a des gens qui disent que mon art est très nordique. Je ne sais pas ce que cela signifie, parce que mon art ou mon œuvre est simplement mon œuvre, ce que je dois faire. Et du mouvement intérieur naît une manifestation extérieure. Mais je pense que si vous grandissez avec des extrêmes comme ceux du Nord, nous avons extrêmement de lumière et extrêmement d’obscurité. Et nous portons cela aussi en nous. Et je pense que c’est la source principale.

Sigrún Ólafsdóttir: Ce n’est que plus tard, et c’est ce qui est gratifiant quand on peut vieillir, de voir ce qui est, avec le recul, ce que c’est en fait, ce dont je me suis occupé. Et c’était toujours une lutte pour l’équilibre.

Verena Feldbausch: Exactement, c’est ton sujet en fait.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui, c’est existentiel. C’est simple, pourquoi dois-je lutter pour chaque travail afin qu’il tienne debout. Parce que je suis en fait un être très spontané. Je pourrais aussi faire – hop – avec de grands gestes, par exemple. Mais j’en suis toujours revenue à mettre en équilibre ce que je perçois dans le monde et ce que je perçois aussi dans mon monde.

Sigrún Ólafsdóttir: Et puis j’ai compris, oui, justement dans cette occupation, où je ne suis maintenant que l’outil pour ce qui veut être fait. Oui, la plus belle chose que je fais dans la vie. Et aussi par nécessité intérieure. Cela m’a simplement sauvé la vie quand j’étais enfant, par exemple. Alors que pour d’autres, c’était les livres ou le sport. J’ai certes fait du sport, ce qui m’a aussi fait beaucoup, beaucoup de bien. Mais c’est simplement ce qui m’a aidé sur le chemin pour trouver ce point d’équilibre. C’est pourquoi j’ai souvent dit, quand les gens disent, que font-ils dans la vie ? Je suis funambule.

Verena Feldbausch: Belle image, oui. C’est une question d’équilibre, exactement.

Chemin vers la sculpture

Verena Feldbausch: Qu’est-ce qui t’a amené à la sculpture au départ ? Y a-t-il eu un moment où tu as su que c’était mon média et que je voulais m’y intéresser de plus près ?

Sigrún Ólafsdóttir: C’était la tridimensionnalité. J’ai aussi dessiné des maisons, des pièces, toutes sortes de choses, avant de commencer à faire des croquis avec du matériel. J’ai eu la chance, dans une ville, qui était alors un village en Islande, de pouvoir obtenir des chutes de matériaux à l’infini de la part des ateliers. Bois, il y avait aussi un atelier de caoutchouc, un atelier de cuir. J’étais plus attiré par la plastique, de tous les côtés. Bien sûr, j’ai aussi beaucoup dessiné, mais c’était la fascination de la polyvalence au sens propre du terme. Un sujet a toujours plusieurs côtés, il n’en a pas qu’un. En bas, en haut, de tous les côtés, c’était le grand pôle d’attraction.

Vie et travail à Sarrebruck

Verena Feldbausch: Tu vis et travailles désormais à Sarrebruck. Qu’est-ce qui t’a amenée ici et comment cette vie ici influence-t-elle ton travail ?

Sigrún Ólafsdóttir: Au départ, je suis venue pour ne rester que trois ans ou quatre ans.

Verena Feldbausch: Pour étudier ?

Sigrún Ólafsdóttir: Oui, pour les études. Tout simplement parce que j’en avais l’occasion, parce qu’on ne pouvait pas obtenir de diplôme en Islande à l’époque et que je voulais profiter de l’occasion pour partir à l’étranger. Et la raison pour laquelle j’ai choisi Sarrebruck, c’est que nous avions toujours des professeurs invités dans le département de sculpture en Islande et qu’ils venaient d’Allemagne. Et l’un d’entre eux, Volker Nestler, a obtenu ici une chaire, c’est-à-dire un poste à la HBK, et il nous a dit que si nous voulions aller à l’étranger, nous devions aussi y jeter un coup d’œil. Parce que ce ne serait pas forcément mieux d’être dans les grandes villes. Et la raison principale était que mon fils avait deux ans à l’époque et que je savais qu’il était plus facile d’être seule avec un enfant dans une petite commune que dans une grande ville. C’est la raison pour laquelle j’ai regardé ici et j’ai trouvé cela bien, clair, et j’ai décidé d’étudier ici et d’obtenir mon diplôme.

Verena Feldbausch: À l’époque, ce n’était pas possible en Islande que tu obtiennes un diplôme ?

Sigrún Ólafsdóttir: Non, c’était un master. On pouvait obtenir un pré-diplôme ou batchelor. De la même manière que l’on reçoit le BAföG, on reçoit aussi en Islande des prêts étudiants si l’on ne peut pas terminer ses études en Islande.

Verena Feldbausch: Ah oui. Ok, c’est intéressant, oui.

Processus de travail et choix des matériaux

Verena Feldbausch: La préparation d’une sculpture est en effet laborieuse. Combien de temps dure ce processus de préparation ? Comment procèdes-tu artistiquement ? Est-ce que tu fais des dessins préparatoires ? Je sais que tu construis des maquettes. Comment cela se passe-t-il ?

Sigrún Ólafsdóttir: La plupart du temps, cela commence par une esquisse grossière sur une feuille de papier. Ensuite, je commence à faire des croquis directement dans le matériel, pour au moins exclure ce qui ne va pas. Puis de les développer pas à pas. Souvent, cela commence par beaucoup de choses et il s’agit alors pour moi de mettre les choses au point et d’éliminer tout ce qui n’est pas nécessaire.

Verena Feldbausch: Peux-tu dire combien de temps dure un tel processus de travail ?

Sigrún Ólafsdóttir: Très différent. J’ai peut-être reçu deux œuvres en cadeau dans ma vie, qui m’ont ainsi échappé ou glissé des mains. Mais le reste n’est que de la lutte. Certains sont encore là aussi et n’ont pas fini. Mais parfois, ils me regardent, après cinq ans, je sais alors exactement que c’est la partie finale. Maintenant, je sais comment il faut faire.

Verena Feldbausch: C’est bien.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui. Cela varie. C’est évidemment très différent si je fais des œuvres pour l’extérieur. Par exemple, en ce moment, cet art dans la construction en Islande. Il faut que ce soit antisismique. Cela doit résister au vent. Ensuite, il y a le travail avec un ingénieur en structure. C’est aussi ce que je fais depuis plus de 30 ans.

Verena Feldbausch: Exactement. Nous en arrivons à la matérialité. Tes œuvres sont donc réalisées en acier, en aluminium, en latex, en caoutchouc ou en bois. Comment décides-tu quel matériau convient à une idée ?

Sigrún Ólafsdóttir: Cela dépend de l’œuvre elle-même. Alors bien sûr, je suis matérialiste, parce que je travaille avec du matériel. Mais le matériau en soi, comme chez le sculpteur sur pierre ou le sculpteur sur acier, n’a jamais été mon médium, mais simplement le matériau qui est à l’origine de l’idée. Par exemple, si je veux faire quelque chose de fragile, je le fais avec mon bois. Parce qu’on dirait que c’est plus fragile, même si ce n’est pas le cas. En d’autres termes, l’idée cherche le matériau dont elle a besoin pour s’épanouir. Tout comme celle où j’ai commencé à utiliser le caoutchouc, cette série de travaux, la détente ou l’expansion avec le noyau solide et le liquide. Puis j’ai pensé : qu’est-ce qui peut soutenir cette idée ?

Verena Feldbausch: Et voici encore une remarque sur un point. Comme pour chaque podcast, nous mettons des photos des travaux discutés sur notre blog. Et pour savoir comment vous êtes arrivés sur le blog, consultez les shownotes. Et maintenant, retour au podcast.

Sigrún Ólafsdóttir: Et puis je suis revenue, y compris sur mon enfance, où nous avions du caoutchouc, et j’ai pensé que oui, ce serait passionnant. Tout simplement l’haptique. Cela aussi a presque quelque chose à voir avec la peau humaine. C’est aussi passionnant. C’est souvent le cas dans les expositions, où les gardiens de l’exposition disent : Les gens veulent toucher la plastique. Et cela invite à le faire. Je trouve cela passionnant. Tout simplement comme la peau humaine.

Verena Feldbausch: Mais j’ai aussi très souvent cette impulsion lorsque je vais à une exposition de sculptures, que j’ai envie de les toucher. Bon, mais ce n’est pas toujours autorisé.

Physicalité dans la sculpture

Verena Feldbausch: La sculpture est en effet très exigeante sur le plan physique. Quel rôle joue pour toi l’aspect physique dans le processus créatif ?

Sigrún Ólafsdóttir: Pour l’instant, là où j’en suis, je ne peux évidemment que construire des modèles, quelque chose de légère physiquement. Mais j’ai fait un travail physique très dur dans le passé. Mais maintenant, c’est l’industrie qui s’en charge. Je travaille donc avec un bon serrurier et il se charge ensuite de la réalisation soit en aluminium, soit en acier. Ensuite, je fournis les dessins, les modèles, ce qui est ensuite vérifié par l’ingénieur de structure.

Verena Feldbausch: Et les modèles sont généralement en bois, non ?

Sigrún Ólafsdóttir: En général, je fais mes modèles en bois. J’ai mon matériau préféré depuis le début. C’est le contreplaqué aéronautique de Finlande, du bouleau, avec lequel on construisait autrefois les planeurs. Un matériau magnifique.

Verena Feldbausch: Ces modèles que je vois ici sont souvent noirs. Tu vas les peindre, non ?

Sigrún Ólafsdóttir: Exactement. Comme je l’ai dit, donc mes travaux n’ont pas besoin de couleur. Et pourtant, ils contiennent toutes les couleurs. Parce qu’entre le blanc dans la lumière, blanc lumineux, et le noir, il y a toutes les couleurs. Le spectateur peut donc choisir sa propre couleur.

Verena Feldbausch: Oui, c’est tout le spectre des couleurs.

Sigrún Ólafsdóttir: Tout le spectre.

Verena Feldbausch: Entre le noir et le blanc.

Œuvres marquantes et inspiration

Verena Feldbausch: Y a-t-il une œuvre, ou peut-être plusieurs, qui t’ont particulièrement fait grandir ? Peut-être parce que cela t’a mis au défi techniquement ou même émotionnellement ?

Sigrún Ólafsdóttir: Je ne sais pas. C’est un processus continu. C’est comme ça que ça a grandi. Il m’arrive aussi de revenir à d’anciennes idées que je ne pouvais pas apprécier à leur juste valeur à l’époque, qui ont grandi avec l’expérience actuelle. Et cette combinaison est intéressante. Parce que je pense que même si nous avons la chance d’être centenaires, c’est pour cela que je dis qu’aucune œuvre n’est vieille. Et qu’est-ce que l’œuvre de ma vie ? Qu’est-ce qu’une nouvelle œuvre ? Elle naît de l’expérience. Et cette activité est comme une recherche. Cette curiosité et cette recherche perpétuelle. Essayer encore et encore. Ne jamais cesser d’être curieux.

Verena Feldbausch: C’est aussi une belle devise de vie.

Verena Feldbausch: Passons aux thèmes et à l’inspiration. Tes sculptures plastiques traitent donc des contraires. Autour du noir et du blanc, du masculin et du féminin, du dur et du doux, de l’étendue et de la proximité. Qu’est-ce qui t’intéresse dans ces contrastes ?

Sigrún Ólafsdóttir: Mon point d’équilibre intérieur. Je le sais maintenant.

Verena Feldbausch: On le sait après des années de recherche.

Sigrún Ólafsdóttir: Je ne le savais pas il y a 30 ans. Pourquoi ai-je fait ça tout le temps ? Et exactement comme ça.

Verena Feldbausch: Et comment trouves-tu l’équilibre entre ces contraires ?

Sigrún Ólafsdóttir: En faisant cela. Comme une méditation, pas en s’asseyant deux fois par jour, mais toute la journée. C’est un peu comme les musiciens qui doivent s’asseoir et répéter leurs notes pour pouvoir jouer les œuvres les plus extraordinaires. Il s’agit simplement d’essayer, d’essayer, d’essayer. Jeter, continuer à essayer, s’entraîner. Jusqu’à ce que ce soit vrai un jour. Et c’est ce que je veux dire par cette méditation. Le fait de s’arrêter, malgré toutes les possibilités, de jeter les choses contre le mur et de dire comme je le faisais avant. Je ne suis pas doué. Pourquoi ai-je fait huit ans d’études d’art ? Si rien n’en sort. Et c’est la différence maintenant. Et simplement avec plus de patience et de compréhension de l’ensemble. C’est simplement de la pratique, de la persévérance, de la détermination. Et si quelque chose ne va pas et commence à m’énerver, m’asseoir et dire, ok, maintenant il est temps de rentrer à la maison et demain je regarderai ça. Je me demande si c’est aussi grave que je le pense. C’est la différence.

Verena Feldbausch: Que tu ne jettes plus tout contre le mur, mais que tu dises simplement, d’accord. Une pause s’impose peut-être.

Sigrún Ólafsdóttir: Exactement.

Dynamique et mouvement dans les sculptures

Verena Feldbausch: Et tes sculptures ne sont souvent pas statiques, mais justement en mouvement. Par exemple avec le danseur. Cette plastique bouge, elle est dynamique. Pourquoi est-ce important pour toi ?

Sigrún Ólafsdóttir: Parce que sans mouvement, la vie et tout stagnent. Tous mes travaux ne sont pas comme ça, mais là, on parle du danseur. Je les vois aussi comme des corps. J’ai toujours fait comme ça un contre un, moi et mon vis-à-vis, qui a aussi quelque chose d’humain, c’est peut-être trop dire, mais c’est aussi un individu. C’est pourquoi je n’ai jamais été favorable aux socles. J’étais si possible pour quelque chose qui tient debout tout seul sur le sol, sans avoir besoin d’aide. Et à un moment donné, c’est arrivé au danseur. Et je savais qu’il fallait un côté très léger et un côté très lourd. Et cela devait être réglé. Les deux avec la hauteur et la forme de l’aile et ce segment hémisphérique qui doit être suffisamment stable, mais qui est quand même assez léger pour tourner quand il y a du vent.

Sigrún Ólafsdóttir: Et là, j’ai parlé à mon ingénieur en structure pour savoir comment je pouvais faire. Et c’est là qu’il a dit que je ne pouvais pas faire ça. Parce que je dois avoir une forme solide. Un point fixe. Alors, comme je l’ai dit, l’éternelle expérience a recommencé. Et c’est comme ça, j’ai fait différents types de danseurs. Et chacun n’est fait que pour lui-même. Je ne peux pas le faire deux fois. Et c’est si près, comme les poids et la façon dont cette coquille hémisphérique est sondée, est une chose unique. Où il faut constamment essayer. Avec le mouvement de l’aile, avec l’inclinaison de l’aile. En combinaison avec le diamètre, ce qui est en bas. Et qu’il peut quand même bouger. Et c’est facile, c’est très humain. Il est facile de tomber debout malgré toutes les possibilités. En fait, c’est un miracle que nous soyons en vie. Combien de fois avons-nous eu la possibilité de tomber une fois pour toutes et de ne plus nous relever ? Et ils sont tous équilibrés de telle sorte qu’ils peuvent être utilisés même en cas d’extrême, oui bien sûr pas en cas de fin du monde, mais au plus fort du vent, ils sont équilibrés pour ne pas s’envoler.

Sigrún Ólafsdóttir: Mais ce qui est passionnant, c’est qu’avant, ils n’avaient pas cette couronne de rotation avec roulement à billes pour qu’ils restent au même endroit. Parce que s’ils n’avaient pas ça, ce maintien avec des roulements à billes, qu’il puisse bouger, puis ils ont migré avec le vent. Et bien sûr, ce n’était pas bon quand ils traversaient la rue et se promenaient en quelque sorte dans la ville. L’idée a donc évolué pour qu’ils restent simplement en place, mais qui peuvent quand même se tourner et se déplacer.

Verena Feldbausch: Oui… Exactement.

Verena Feldbausch: Et comme nous l’avons déjà dit, ton travail est souvent axé sur l’instant présent, si les deux opposés sont de force égale. Donc quand ils sont en équilibre. Je cite Cornelieke Laagerwart : Il s’agit de la pause entre l’inspiration et l’expiration, entre le flux et le reflux, entre la fuite et l’attraction. Lorsque la balle lancée en l’air est suspendue pendant un instant. Comment tu trouves ce moment ?

Sigrún Ólafsdóttir: Il viendra me voir quand je serai prête. Et souvent, je dois l’attendre longtemps. Je ne peux pas le forcer.

Verena Feldbausch: C’est ce que tu as dit aussi, avec le fait de poser, de reposer le travail et de le regarder à nouveau. Et puis, cela peut aussi prendre des années.

Sigrún Ólafsdóttir: Je pense que c’est pour cela que la plupart des artistes font ça. Nous pouvons appeler cela une récompense, mais tu luttes depuis si longtemps, tu es assis depuis si longtemps, à pratiquer, à pratiquer des notes. Comme les musiciens, ils doivent rester assis longtemps. Et tout à coup, ça arrive. Et c’est le moment où je dis que ce n’est pas moi qui le fais, mais que cela se produit. Où l’on est simplement l’instrument de ce qui est prêt à se produire.

Verena Feldbausch: Permettre cela.

Sigrún Ólafsdóttir: Laisser faire et être ouvert à cela. Il s’agit aussi de cette ouverture à ce moment. Et je ne peux pas forcer ce moment. C’est essentiel. C’est là, je crois, que j’ai compris assez tôt que je ne pouvais pas m’imaginer faire autre chose que ça. Vivre de tels moments, où tout s’accorde et où tout s’équilibre. Le reste, c’est de la pratique, bien sûr. Cela commence souvent très facilement par une idée. Puis vient le procès et on se dit : Qu’est-ce que c’est que ça ? Et puis simplement, comme je l’ai dit, cette patience, cette compréhension de ce qui veut naître, ne pas y renoncer.

Influence de la culture islandaise

Verena Feldbausch: Tes origines islandaises jouent-elles aussi un rôle dans le contenu de tes sculptures ou de tes plastiques ? Je pense donc aux mythes des esprits de la nature, des elfes et des trolls, des symboles et du paysage très particulier de l’Islande.

Sigrún Ólafsdóttir: Certainement. Avec certitude. Donc rien que ces extrêmes. C’est tout simplement un peuple fou. Avec des éléments naturels déjantés. Clair, sombre, tremblements de terre, éruptions volcaniques. Nous sommes d’autant plus conscients que nous ne pouvons compter que sur une croûte très fine comme la peau d’une pomme, quand on a une pomme géante, tout à l’intérieur est un noyau incandescent. Et il suffit d’un tout petit accident pour que tout s’efface. Parce que chez nous, on peut en faire l’expérience. Et j’ai aussi grandi dans un endroit comme ça en Islande, où soit on voyait des tremblements de terre en vagues, et on pensait que dans la prairie on était soudain sur la mer, soit on regardait par la fenêtre de la cuisine un volcan qui crachait. Pour nous, c’est naturel, car nous ne connaissons rien d’autre. Nous avons aussi ce respect pour ces forces de la nature. Et cela a certainement un rapport avec ces contrastes et ces côtés clairs et sombres en moi. Je pense et je sens maintenant que c’est l’ADN des Islandais et de tous ceux qui vivent si loin dans le nord.

Approche de la mort et spiritualité

Verena Feldbausch: Est-ce que l’on aborde la mort différemment en Islande ?

Sigrún Ólafsdóttir: Tu sais, c’est comme ça. Nous avons en fait le meilleur des deux grâce au paganisme et aussi au christianisme. Quand ils étaient en route, les chrétiens. Puis notre chef païen s’est mis sous la fourrure jour et nuit. Et a dit à son peuple : nous prenons le christianisme comme ça. Sinon, ils vont tous nous massacrer. Mais ils ne viennent que deux fois par an pour nous contrôler. Et nous avons là le plus beau des deux.

Sigrún Ólafsdóttir: Chaque grand-père va avec un enfant, même s’il dit, c’est quoi cette superstition, il n’y a pas d’elfes et de trolls, et il le dit à son petit-enfant. Je dis que mon grand-père était tout pour moi. J’ai eu de la chance. Mes parents étaient si jeunes, ils avaient 20 et 23 ans et ne se connaissaient même pas quand j’ai été conçu. Ma mère trouvait en quelque sorte qu’il était temps d’essayer d’avoir des relations sexuelles, parce que ses amies l’avaient toutes fait. Et elle est tombée enceinte la première fois. Elle n’y a pas pensé. Et ils ne se connaissaient pas, mes parents. Et oui, on vit simplement différemment avec cela. C’est simple… nous sommes aussi parfois enviés. Je dis aussi, tu sais, ceux qui sont partis comme mon grand-père. C’était mon père de substitution. J’étais le premier petit-enfant et je suis né le jour de son anniversaire. Et il l’a attendu longtemps, parce que ma grand-mère et mon grand-père avaient perdu leurs trois premiers enfants à la naissance. Et ma mère et ma tante ont vécu. Cela signifie qu’il aimait les enfants et qu’il attendait les enfants. Et la relation entre mes parents était très difficile. Et j’ai toujours eu ma niche chez grand-mère et grand-père. Et je pensais que Dieu allait mourir quand j’avais 14 ans et que mon grand-père était en train de mourir. Et puis il a dit, Sigrún déjà, tu sais que je ne te quitterai jamais. Même si tu ne me vois plus. Je serai toujours avec toi. Et il te suffit de m’appeler pour que je vienne. Et je te le jure.

Verena Feldbausch: Oui, très bien.

Sigrún Ólafsdóttir: Et cela a toujours été le cas. Nous ne sommes pas dans la peur de Dieu ou dans la crainte de Dieu. Nous sommes croyants, mais pas pratiquants. C’est la différence. Nous croyons, mais ce n’est pas comme le Dieu qui punit. On va toujours à l’église pour Noël et tout le reste, parce que c’est tout simplement pour la belle musique. Les pasteurs le font aussi court, parce qu’ils savent que les gens viennent pour la belle musique de Noël et pour l’ensemble. Pour l’ambiance, comme ça. Oui, et mon arrière-grand-père était le plus célèbre des pasteurs, qu’il y avait en Islande. Plusieurs volumes ont été écrits à son sujet. Parce que lui, il était assistant social. Il a lui-même eu onze enfants. Ils ont tous vécu. Il y a eu beaucoup de décès d’enfants. Il a chevauché de ferme en ferme. Il est allé à la campagne pour enseigner la propreté aux gens. Et tu sais, l’humain était important. Et même s’il était à la campagne et que les paysans venaient à l’église le dimanche, alors il faisait aussi des sermons courts, parce que les gens étaient venus là pour renifler et embrasser. Et tu sais, les jeunes préféraient la main dans la main et se bécoter un peu quelque part dans la prairie. Tu sais, c’était une question d’humanité. Et c’est là, je crois, la différence. Nous avons donc du paganisme et du christianisme ce qu’il y a de plus beau.

Sigrún Ólafsdóttir: Et Siggi, mon fils, il a aussi perdu son père à 49 ans. Et il a dit que papa était avec moi tous les jours quand j’avais besoin de conseils. Il était aussi artiste, musicien. Et tu sais, souvent dans son domaine maintenant à Kulturgut Ost, alors il a besoin du conseil. Papa, comment ferais-tu ? Et là, les Allemands disent parfois, tu sais, est-ce que vous, les Islandais, vous êtes tous fous ? Non. Je dis, tu sais, ceux qui partent, ils ne sont pas allés plus loin que ça, qu’ils sont avec nous tous les jours. Mais on ne va pas dans les cimetières, ils n’y sont pas. Bien. Ils sont en nous, avec nous.

Vide et espace dans la sculpture

Verena Feldbausch: Comment gères-tu le thème de l’enseignement et de l’espace ? Donc, dans la sculpture, il y a ce qui n’est pas là, souvent aussi important que ce qui est là.

Sigrún Ólafsdóttir: Exactement, c’est comme ces pauses entre les respirations. C’est aussi lié à cela. Et je vois mes travaux, la plupart de mes sculptures, je vois aussi comme des dessins. Et pour moi, c’est important qu’on puisse entrer et sortir. Pour moi, c’était aussi important, par exemple, quand je travaillais en ville, la sculpture Duo, c’est en même temps parce que ça aurait dû, même si ce n’est pas devenu le cas, ça devait être une place, ce qui n’a pas été le cas, parce que nous avons obtenu d’autres informations sur le lieu.

Verena Feldbausch: C’est l’endroit où ta sculpture se trouve maintenant, ici à Sarrebruck.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui, là où se trouve le Café Bar Celona.

Verena Feldbausch: Exactement, sur la Sarre.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui. Et il y avait plus de place prévu. Et ils ont maintenant plus de sièges que ce qu’on nous avait dit. Il était important pour moi de faire quelque chose où l’on puisse entrer et sortir, pour les enfants, où c’est aussi un endroit où l’on peut jouer. Et c’est ce qui me fait le plus plaisir, où je vais les voir de temps en temps, les enfants s’accrochent à l’élastique, ils grimpent et les skaters y font aussi des tours. On voit à quelques endroits de la sculpture où c’est très lisse, et c’est là que les patineurs ont essayé aussi, d’intégrer cela aussi dans la société, parmi les gens. Que ce n’est pas seulement une sorte de statue sacrée, mais, et c’est ce que j’ai essayé de faire maintenant dans les sculptures qui sont à l’extérieur, qu’on peut y entrer et en sortir.

Verena Feldbausch: Et qu’ils résistent aussi au niveau du matériel.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui. Aussi fragile que possible. Et encore une fois, debout, malgré toute possibilité de chute.

Stabilité et instabilité

Verena Feldbausch: Oui, exactement. Et c’est aussi ce qui est intéressant dans tes sculptures. Ils sont élégants et en même temps, on a un tel sentiment de menace. Alors on se demande comment ça tient, ce qui pend du plafond ou ce qui vibre à l’extérieur ? Est-ce que cela ne tombe pas quelque part ? Alors peux-tu nous redire quelque chose sur la relation entre stabilité et instabilité ?

Sigrún Ólafsdóttir: Cela me ramène à moi-même. C’est exactement comme en nous. Parfois la colère est incandescente, parfois c’est le calme stoïque. Et c’est aussi le cas dans les œuvres. Sans que ce soit mon intention.

Verena Feldbausch: Je trouve que tes sculptures sont souvent super élégantes. Tu as de très belles sculptures, aussi celles qui sont suspendues au plafond. Ou quand je suis à côté du danseur, je me demande s’il ne va pas tomber sur moi ou quelque chose comme ça ? Il peut être une telle menace, c’est peut-être trop dire, une peur simplement de cet équilibre ?

Sigrún Ólafsdóttir: Parce que c’est la partie qui est voulue. C’est une question de vigilance. Beaucoup de mes travaux, si on n’y fait pas attention, on peut se blesser. Comme pour tout. Mais c’est voulu. La vigilance n’a jamais été aussi nécessaire. Parce que c’est l’insouciance et l’ignorance qui nous ont simplement amenés là où nous sommes aujourd’hui. L’indifférence. Ce manque de sens de l’union, de l’entraide, de la cohésion. Mais dans le cas que tu as demandé, non, il ne tombe pas parce que justement il a été testé plusieurs fois et ce n’est pas un hasard. Au contraire, ce qui semble menaçant est stable en soi, même s’il en a l’air. C’est un rappel de ce qui peut arriver. Et c’est encore une fois ces deux côtés en moi que je connais très bien. Parce que je connais mon côté lumineux, je connais aussi mon côté sombre. Elles ne sont pas sans. Et tout comme il est important pour moi de trouver un équilibre, les mêmes règles s’appliquent à mes œuvres. Et c’est encore une fois de la force intérieure que vient l’apparence extérieure.

Influences artistiques

Verena Feldbausch: Y a-t-il des artistes qui t’ont particulièrement marquée ou accompagnée ?

Sigrún Ólafsdóttir: J’ai plusieurs favoris. Louise Bourgeois l’a toujours été. Eva Hesse. Je pourrais en citer beaucoup. Il y avait aussi les Britanniques dans les années 80, comme Richard Deacon, Tony Cragg et puis (Barry) Flanagan et plusieurs d’autres. J’ai vu une exposition incroyablement belle à San Francisco. C’était en 87, parce que je sais que j’étais très enceinte à ce moment-là, je voulais profiter de l’occasion avant qu’un enfant n’arrive et ne prenne du temps. Oui, aussi par exemple les choses de Goya au Prado. Je pourrais passer des heures à… C’est tout simplement en travers de l’histoire. Oui, et on reçoit des influences de toute façon. Et dans la plupart des artistes, cette influence ou cette expérience est d’une manière ou d’une autre réinterprétée ou ressaisie et amenée dans le monde.

Verena Feldbausch: Exactement, et c’est ce qui est intéressant dans l’art.

Scène artistique à SaarLorLux

Verena Feldbausch: Comment vis-tu la scène artistique dans notre région, c’est-à-dire SaarLorLux, en particulier pour les sculptrices ?

Sigrún Ólafsdóttir: C’est rare.

Verena Feldbausch: Oui, je dois maintenant aussi réfléchir à quelles sculptrices il y a dans les environs proches ?

Sigrún Ólafsdóttir: Moi aussi. Il y en a qui font les deux, c’est-à-dire qui sont dans ce, comment dire, avec l’art sonore ou quelque chose comme ça, mais ce n’est pas beaucoup. Oui, comme pour les concours, je suis souvent la seule femme présente. Ou peut-être deux, trois et sept hommes… c’est ce que ça dit en fait.

Verena Feldbausch: Oui, la scène artistique n’est pas très ouverte aux sculptrices ou quelle en est la raison ?

Sigrún Ólafsdóttir: C’est plus compliqué, tu as besoin de plus d’espace, c’est lourd, c’est incroyablement peu pratique. Qu’est-ce que je faisais ici ? Comme mon fils l’a dit, où il m’a aidé, ici, lors du dernier déménagement. Maman, pourquoi n’as-tu pas choisi quelque chose de pratique, comme devenir bibliothécaire ? Chérie, je n’ai pas d’humour pour l’instant. Oui, oui. Non, c’est clair, c’est beaucoup plus facile avec deux dimensions. Stocker cela aussi.

Verena Feldbausch: C’est vrai, oui.

Travaux bidimensionnels

Verena Feldbausch: Exactement, et c’est là que nous arrivons quand même à tes travaux bidimensionnels. Parce que nous n’avons pas encore parlé de ça, des dessins et des peintures. Je trouve, donc souvent, comme je l’ai dit, que les sculptures sont souvent très, très filigranes. Et puis, dans les dessins, j’ai déjà vu des tubes noirs comme ça. Et oui, ils sont en fait assez massifs, oui. Comment développes-tu tes dessins ?

Sigrún Ólafsdóttir: J’avais besoin de temps pour apprécier mes dessins à leur juste valeur. C’était souvent une pause bienvenue pour faire quelque chose sur la toile. Donc j’ai toujours dessiné sur papier, mais à un moment donné, comme j’ai tendance à faire de grandes choses. Bien sûr, cela se touche entre la peinture et le dessin. Mais où il était tout simplement trop grand pour être encadré ou pour trouver du papier, quand il passe les dimensions de deux à trois mètres ou plus, puis j’ai fait moi-même mon support, un peu comme du papier à la cuve avec un fond de craie. Et conscient aussi, quand j’étais là, avec de grands gestes et des noirs puis des blancs, juste devant moi, travailler spontanément. Et j’ai dit, oui, cela offre aussi l’inverse, qu’un dessin peut être lourd et imposant, même si elle a en elle certains mouvements et une certaine légèreté, contrairement à la sculpture, alors qu’il a toujours été en fait le pôle opposé. Donc les sculptures étaient lourdes et les dessins étaient légers.

Sigrún Ólafsdóttir: Et bien sûr, j’ai aussi fait des dessins très simples et légers, mais ils étaient souvent aussi le prélude à des mouvements dans mes sculptures. Et puis les autres par exemple, ces dessins à l’encre et au gesso, qui sont presque comme des aquarelles plusieurs couches, les unes sur les autres, sur cette transparence. Ensuite, c’est plutôt le mouvement qui m’intéressait.

Verena Feldbausch: Tu présentes maintenant aussi un assez grand dessin dans ton exposition à la galerie moderne.

Sigrún Ólafsdóttir: C’est aussi un grand dessin à l’encre et au gesso. Donc, deux. Un format est 160 ou 180 par trois mètres et un 140, 140. Nous l’avons bien sûr choisi ensemble, moi et la conservatrice.

Projets publics et expositions

Verena Feldbausch: Tu as remporté le premier prix d’un concours à Raikjavik pour l’aménagement d’une place publique. C’est là que sera placée la sculpture Reziprok, en acier Corten. Et tu es en train d’accomplir cette mission. Oui, où en es-tu ?

Sigrún Ólafsdóttir: Nous en sommes au point où il ne nous manque plus que la date fixe en Islande pour le montage. C’est difficile en hiver, peu de lumière, des tempêtes de neige. Mais nous allons bientôt commencer à construire ici. Il est en construction ici, chez mon serrurier. Transporté par-dessus. Et puis il vient aussi l’installer. Et je compte sur le fait que nous voulions que cela soit prêt à la fin de l’été, mais il y avait des choses dans le contrat que nous devions préciser. Des choses purement pratiques, et c’est ainsi, je suppose, que cela sera mis en place au printemps en Islande.

Verena Feldbausch: Et où va-t-il exactement ?

Sigrún Ólafsdóttir: Il est situé dans le centre-ville de Reykjavik dans un nouveau complexe immobilier. Cela donne une cour intérieure comme ça, qui est quand même ouverte, mais il y a un endroit pour le marché et le café, les hôtels, toutes sortes d’activités, où plusieurs milliers de personnes passent par jour. Et c’est là, à l’intérieur de ce complexe de construction, qui est ouvert et accessible à tous les gens, qu’il entre.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Superbe endroit, certainement. Et très coûteux. Alors c’est, en termes de dimensions, c’est grand comment ?

Sigrún Ólafsdóttir: 10, 12 mètres de large, 10, 12 mètres de haut. Dans cette dimension. Oh, oui. Un grand geste.

Verena Feldbausch: Cela signifie qu’il sera probablement inauguré l’année prochaine.

Sigrún Ólafsdóttir: En fait, nous attendons des nouvelles d’Islande, parce qu’ils organisent cela sur place avec les grues et les habitations entières dont nous avons besoin pour les travaux de soudure et tout le reste. Parce que c’est évidemment une construction énorme. Oui, oui. Je travaille avec un serrurier depuis plus de 30 ans. Nous nous connaissons très bien maintenant. C’est très précieux. Il connaît ma façon de faire et moi la sienne. Et bien sûr, tout cela a grandi et mûri ensemble pendant cette période.

Verena Feldbausch: C’est beau… Je te souhaite une bonne réussite.

Sigrún Ólafsdóttir: Merci.

Verena Feldbausch: Oui, je suis très curieuse.

Sigrún Ólafsdóttir: Moi aussi.

Prix Albert-Weisgerber et exposition

Verena Feldbausch: Venons-en maintenant au prix Albert-Weisgerber 2023. Tu l’as gagné. Toutes nos félicitations pour cette distinction.

Sigrún Ólafsdóttir: Je te remercie.

Verena Feldbausch: Et à cette occasion, tes œuvres seront présentées à partir du 29 novembre dans une exposition individuelle à la Moderne Galerie de Sarrebruck. Quel message ou quelle émotion souhaites-tu que les visiteurs emportent avec eux lorsqu’ils se trouvent devant tes sculptures ou tes dessins ?

Sigrún Ólafsdóttir: Le toucher. C’est aussi ce que je souhaite toujours quand je vais à des expositions ou quand je vais quelque part, peu importe ce que c’est, que j’aille à l’opéra ou autre, c’est d’être touché par quelque chose.

Verena Feldbausch: C’est vrai que l’art te touche.

Verena Feldbausch: L’exposition s’intitule Mouvement contemporain. Le titre fait-il aussi allusion au mouvement politique et social actuel ?

Sigrún Ólafsdóttir: D’une certaine manière. J’avais un autre titre, mais nous en avions aussi longuement parlé, les curateurs et moi, ce serait peut-être trop dire. Mais qu’en fait, dans mes œuvres, il s’agit toujours du mouvement. Bouger, être mobile, progresser, évoluer, ne rien laisser stagner. Puis nous avons trouvé que cela convenait à la fois à mes œuvres et, bien sûr, au présent. Très approprié.

Perspectives futures et nouveaux matériaux

Verena Feldbausch: Est-ce qu’il y a encore du matériel, par exemple, que tu aimerais encore essayer ?

Sigrún Ólafsdóttir: Oui. Il y a les matériaux industriels que je n’ai pas encore essayés, parce que je m’intéresse aussi au développement dans la recherche de matériaux. Ce que j’ai sur le bout de la langue, mais qui n’est pas encore concret. Si possible aussi quelque chose de respectueux de l’environnement et peut-être qu’un jour cela ressemblera à ça à la fin. Quelque chose qui, dans une résolution ou un déclenchement parfait… dans cette direction, ce serait bien. Comme un nuage qui se disperse. Mais je n’ai pas encore essayé, mais j’ai déjà une idée de nouvelles expériences grâce à la curiosité.

Verena Feldbausch: Très bien. Nous attendons avec impatience de voir ce que tu vas nous montrer.

Sigrún Ólafsdóttir: Oui, j’ai hâte de voir ça aussi, parce que je ne sais jamais. Et c’est peut-être ce qui est le plus excitant dans tout cela.

Conclusion et perspectives

Verena Feldbausch: Merci beaucoup, chère Sigrún, pour cet entretien inspirant et pour cet aperçu de ton travail.

Sigrún Ólafsdóttir: Merci beaucoup, chère Verena.

Verena Feldbausch: Si vous êtes curieux et que vous souhaitez voir les sculptures de Sigrún Ólafsdóttir, vous trouvez des informations sur les expositions et les travaux actuels dans l’espace public dans les Shownotes. C’était l’art talk SaarLorLux, le podcast sur l’art et les personnes créatives de notre région. Je m’appelle Verena Feldbausch et je vous remercie de m’avoir écoutée. J’attends avec impatience le prochain épisode de l’art talk SaarLorLux. A bientôt. Avez-vous aimé les discussions sur l’art ? Alors laissez cinq étoiles et recommandez-nous à vos amis. Vous trouverez plus d’informations sur le podcast dans les Show Notes et sur notre blog. Soyez de nouveau de la partie lorsque le mot d’ordre sera : Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.

Der Beitrag #28 art talk – la sculptrice Sigrún Ólafsdóttir erschien zuerst auf Trailer d'art Verena Feldbausch.

#27 art talk – nous présentons le ‘Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert’ (2)

Verena — Thu, 07 Aug 2025 00:40:53 +0000

Entretien avec la fondatrice Hannelore Seiffert – 2e partie

Dans la deuxième partie de notre podcast artistique art talk SaarLorLux consacré au « Musée d’art céramique – Fondation Hannelore Seiffert », la fondatrice Hannelore Seiffert nous raconte des anecdotes passionnantes sur ses rencontres avec des artistes céramistes contemporains et sur ce qu’elle a vécu au cours de ses 25 années d’activité de collectionneuse dans le monde de l’art céramique.

Photo Credits:

Cover Foto : © Tom Gundelwein: Paula Bastiaansen, ‘Schneewolke’, Porzellanspirale, 28 x 40 x 20 cm
Verena Feldbausch: 1,3,4,5,7,9, 10,11
Tom Gundelwein: 2
Liane Wilhelmus: 6
JM Schlorke: 8
Pia Treiber: 11

Liens complémentaires :

#27 art talk – nous présentons le ‘Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert’ (1)

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Lisez la 2e partie de notre interview avec la fondatrice Hannelore Seiffert

Verena Feldbausch: Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les conservateurs et les artistes là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participe aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts. Bonjour et bienvenue à la deuxième partie de l’art talk sur le musée d’art céramique de la fondation Hannelore Seiffert à Neunkirchen. Aujourd’hui, vous entendrez la fondatrice en personne vous raconter des histoires intéressantes sur son activité de collectionneuse des 25 dernières années. Je vous souhaite une bonne écoute, votre Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Bonjour chère Madame Seiffert et bienvenue sur art talk. Y a-t-il une œuvre de votre collection qui vous tient particulièrement à cœur ?

Hannelore Seiffert: Regardez autour de vous.

Verena Feldbausch: Pas seulement une.

Hannelore Seiffert: Oui, mais il y a déjà quelques points forts. Des pièces par exemple d’une amie très chère, de l’excellente artiste de renommée mondiale, Maria Geszler, qui, après tout, a aussi sa propre salle ici. Maria Geszler-Garzuly est hongroise et est donc vraiment devenue une artiste de renommée mondiale, et ce grâce à cela, qu’elle a introduit la sérigraphie dans la céramique et qu’elle l’utilise de manière totalement non conventionnelle. C’est donc de toute façon une artiste très, très libre et non conventionnelle, comme vous pouvez le constater. Et elle vient d’une famille de musiciens et est elle-même très musicienne. Son père était compositeur, il a composé son propre requiem. Et quand il est décédé, c’est la veuve de Bela Bartok qui a joué la partition de piano dans la cathédrale de Budapest. Ce sont toutes des partitions originales qui étaient en leur possession.

Et elle a elle-même commencé le violoncelle. Mais elle a eu des difficultés avec ses mains et a dit : “Eh bien, je fais de la céramique”. C’était pas mal non plus. Et ce travail m’a tellement plu parce qu’il reflète une histoire personnelle. Son fils était surdoué et écrivait des livres, et il est décédé très jeune. Cela l’a bien sûr profondément affectée. Et cette œuvre s’appelle “Le cœur de pierre”. Je lui ai demandé : “Qu’est-ce que c’est que ça, là-haut ? Qu’est-ce que tu veux dire ? Parce que tous les détails ont une signification particulière pour elle. Et là, elle a dit : “C’est la maison qu’il aurait pu avoir”. Cela disparaît maintenant. Ce sont des choses comme ça… mais pour moi aussi, ça m’a fasciné visuellement, elle m’a fasciné tout de suite, quand je l’ai vue. Je n’ai appris l’histoire qu’après. Ce qui est particulier chez elle, c’est justement la sérigraphie. On reconnaît ses œuvres au premier coup d’œil. La musique joue donc aussi un rôle très important dans sa vie. Sa fille est à Leipzig, au célèbre orchestre du Gewandhaus. Elle a également, je crois, une chaire de professeur. J’ai 60 pièces d’elle. Avant toute chose, donc maintenant des instruments de musique, j’en ai plein le coin. Mais nous voulions surtout, pour la première fois, mettre l’accent sur les œuvres figuratives.

Verena Feldbausch: Oh super, oui, très bien.

Hannelore Seiffert: Il y a des souvenirs très personnels qui y sont liés. Ou alors des histoires que j’ai ensuite ajoutées à certains travaux, c’est-à-dire que j’ai imaginé comment cela aurait pu se produire. Alors j’ai une pièce préférée. Vraiment, c’est un travail simple et sobre en fait. Il est pourtant excellemment faite. Il vient de Corée du Sud. C’est du séladon et ensuite poncé avec une meuleuse diamantée. Et c’est d’une douceur indescriptible. Je dois toujours passer par là. Et à chaque fois que je suis ici, je lui fais une petite caresse.

Verena Feldbausch: Oui, s’il vous plaît.

Hannelore Seiffert: Parce que c’est ce que je faisais à la maison, tous les jours.

Verena Feldbausch: Ce vase à couvercle bleu clair est de Mme Si Sok Kang. Et vous trouverez une photo de ce vase à couvercle sur notre blog.

Hannelore Seiffert: Et c’était une si belle histoire. Je suis alors entrée dans une galerie et, de loin, j’ai vu cette vase. Ah, qu’est-ce que c’est ? Je suis y allé. Et il y avait un couple. Et j’ai toujours, toujours des points rouges avec moi. J’y suis allé et j’ai jeté un coup d’œil. Et comme je l’avais fait, ça m’a pris. Et ils se parlaient encore comme ça. Et c’est là que j’ai pris mon point rouge et que je l’ai mis dessus. Et ils ont dit, oui, comment c’est vendu ? Oh, on aurait voulu l’acheter. J’ai dit, je suis désolée. Et c’est à ce moment-là que la galeriste est arrivée. Nous nous connaissons. Et elle m’a accueilli comme ça. Et donc, ah, Mme Seiffert. Et c’est là que j’ai dit, oui, j’ai déjà parlé à votre employée. Et le plus beau, c’est que ces deux-là sont déjà venus ici et se sont tenus là. Je les ai vus, je n’étais pas sûre, mais je les ai parlé. Et là, j’ai dit, est-ce que vous n’étiez pas aussi intéressés à l’époque ? Et c’est là qu’ils ont dit oui. “Mais nous n’aurions pas pu lui offrir cet environnement.” Mais ils étaient aussi tout excités quand ils m’ont vu et qu’ils ont trouvé la pièce ici. Ils ont donc manifestement aussi étudié la céramique de manière approfondie. Et oui, ce sont des histoires qui passent inaperçues. On ne dirait pas spontanément “c’est cet œuvre ou rien”.

Projets futurs et expositions

Verena Feldbausch: Avez-vous un rêve pour un futur projet ? Une exposition, une publication ou une rencontre ?

Hannelore Seiffert: Donc exposition, oui, élargissement. Comme je l’ai dit, il y a encore beaucoup d’œuvres d’art. Ensuite, j’ai déjà reçu de nombreuses demandes de la part d’artistes vraiment exceptionnels, s’ils peuvent faire un don. Et je sais que ce serait évidemment un gain. Ils sont donc en partie très chers. Ils y renonceraient pour être dans ce musée, parce que le musée a désormais lui aussi une très bonne réputation. International par l’Académie internationale de céramique. Tous les membres sont toujours informés et il y a eu des rapports importants à ce sujet. Et j’ai reçu des questions et des visites du monde entier. Donc d’Australie, du Japon, d’Inde, de Chine, de Turquie. Et puis, bien sûr, de l’autre côté, les États-Unis, le Mexique et tout ça. Les gens sont vraiment intéressés et sont alors tout à fait fascinés aussi, parce que la collection se limite à une période relativement courte. Cela fait environ 25 ans, les 25 dernières années. Et on va vraiment en profondeur et dont la qualité n’est pas à négliger.

Souvenirs des guerriers de terre cuite

Verena Feldbausch: Nous poursuivons avec la céramique de Margret Weise appelée “Double figure”.

Hannelore Seiffert: Ceci est aussi un souvenir à AIC, par exemple, c’est faite par une céramiste allemande. Mais quand j’ai été admis à l’AIC, c’était à Xi’an, dans la ville des guerriers de terre cuite. C’était sept ou huit personnes qui venaient d’être admises là-bas. Nous sommes restés trois semaines en Chine, avant même d’arriver à Pékin. Et c’est là qu’a eu lieu l’inauguration officielle. Et à la fin, ils ont entré un grand tableau et il y avait des carrés individuels faits avec de l’argile humide à l’intérieur. Et chacun de nous, parmi les nouveaux, a dû laisser une empreinte de main et écrire le nom et la date avec le doigt. Et puis ils ont dit que c’est l’argile dont sont faits les guerriers en terre cuite. Et ça va être cuit et ça va rester là.

Verena Feldbausch: C’est génial.

Hannelore Seiffert: Cela m’a donc amusée. Et puis je me suis dit : “C’est vrai, on voit l’importance que la céramique a pour ce pays.

Verena Feldbausch: Exactement.

Hannelore Seiffert: Donc je ne pourrais pas m’imaginer quelque chose comme ça ici en Allemagne. Et les guerriers en terre cuite, bien sûr, c’est aussi une histoire extraordinaire, trouver ceux-là. Et dans le pays, il y a un développement et une tradition céramiques très anciens. Et cela se voit aussi dans les travaux actuels.

Artistes à suivre

Verena Feldbausch: Quels sont les artistes que nous devons absolument garder à l’œil ?

Hannelore Seiffert: En fait, je dirais tous, ce qu’on voit ici. Certains ne sont plus en vie, mais il y en a certainement toujours de nouveaux, que je n’ai plus vraiment à l’œil maintenant. J’ai donc vraiment mis fin à mon activité de collection, pour des raisons de place, d’âge. Si on s’y intéresse un peu, on voit alors déjà quels travaux sont particulièrement intéressants. Ce sont par exemple, là derrière, nous avons des travaux en filigrane, mais qui sont relativement grandes, et qui donc exigent le plus haut niveau d’artisanat. Mais c’est très individuel. Je ne peux donc pas vraiment citer de noms.

Histoires derrière les œuvres

Verena Feldbausch: Y a-t-il une histoire particulière derrière une œuvre spécifique de votre collection dont vous aimeriez nous parler ?

Hannelore Seiffert: Je vais dire une chose très générale, je pourrais presque raconter une histoire particulière pour chaque pièce ici, parce que je connais personnellement la grande majorité des artistes, parce que j’en ai vu beaucoup plus de leurs œuvres, et que j’ai rencontrés plus souvent. On a alors une toute autre relation avec eux. Et puis aussi sur les pièces, comment je les ai achetés. Par exemple, je regarde ici vers la tête, qui figure aussi en grand sur l’affiche du musée. J’ai rencontré l’artiste à Dublin, lors d’un congrès.

Verena Feldbausch: Une petite remarque: l’artiste dont il est question ici s’appelle Sergei Isupov. Originaire de Russie, il vit aujourd’hui en Estonie et dans le Massachusetts. Et l’œuvre s’appelle “Lecture in Art”. Et maintenant, revenons à Hannelore Seiffert.

Hannelore Seiffert: Il y a une belle photo où nous rions tous les deux, vraiment heureux. Ses travaux sont donc très, très chers. Il avait lui-même une exposition et m’a donc fait un prix. J’ai été très honorée. Je n’aurais probablement pas pu me le permettre à ce moment-là. Juste un exemple. J’ai vu à New York, dans une galerie, comme ça, en passant, deux petites figurines de lui, c’est-à-dire un couple qui va de pair, pour 15 000 dollars. C’était il y a longtemps, 15 ans déjà en tout cas. Cela donne une idée de la fourchette de prix. Il y a déjà beaucoup de pièces de valeur ici. Et je ne pouvais que me le permettre, parce que j’ai fait un héritage. Mon grand-père m’a légué un terrain. Et ce sont devenus des terrains à bâtir. Et ils sont tous là maintenant.

Verena Feldbausch: Très bien. Superbe réalisation.

Impact de l’art céramique sur la vie

Verena Feldbausch: Comment votre vie avec l’art a-t-elle changé votre quotidien ? Et comment l’art de la céramique a-t-il changé votre regard sur le monde ?

Hannelore Seiffert: Oui, donc si vous regardez autour de vous, cela a dû être un grand changement, même si j’ai toujours été passionnée d’art. J’irais donc beaucoup aux expositions, de peinture, etc. Au moins une par mois et aussi dans un plus grand rayon. Donc pas seulement en Allemagne. Mais ensuite, ça se concentre d’un seul coup. On fait alors le tri et on devient de plus en plus affairé. Et je recevais de plus en plus d’invitations. Et puis j’ai fait des recherches sur les artistes, si je ne les connaissais pas encore, j’ai d’abord regardé sur Internet ou dans des livres. J’ai plus de 300 livres en céramique. Puis on s’approfondit. Et cela prend bien sûr une bonne partie du temps de vie. Avec enthousiasme. C’est donc totalement volontaire. Oui, c’était la première partie de la question.

Verena Feldbausch: Et comment l’art de la céramique a-t-il changé votre regard sur le monde ?

Hannelore Seiffert: Tout dépend de la façon dont on voit les choses. Quand je pense au passé en général, j’ai tout de même pris un peu de distance avec les sujets d’actualité. Je ne veux pas dire que la politique ne m’intéressait plus. Il faut toujours s’y intéresser. Mais ce n’était plus au premier plan. Et donc, c’est vraiment comme ça, quand je vais quelque part, je cherche toujours, inconsciemment, des céramiques ou des musées ou des galeries ou quelque chose comme ça. Et ce matériau ou cette direction, c’est simplement passé au premier plan dans ma vie. Avant, je lisais beaucoup. Maintenant, je n’en ai plus beaucoup l’occasion. Et ce sont des choses qui me font de la peine. Et où je me dis que la journée, si elle était un peu plus longue, ne serait pas mal non plus. Mais qui sait ce que je ferais encore avec la céramique ?

Verena Feldbausch: C’est vrai.

Plus d’histoires et visites guidées

Verena Feldbausch: On passe encore à trois positions ? Peut-être des positions différentes où vous voulez encore raconter une histoire ? Vous dites que vous pourriez bien sûr raconter une histoire pour chaque morceau.

Hannelore Seiffert: Absolument, oui.

Verena Feldbausch: Peut-être que la prochaine fois que vous ferez une visite guidée, il faudra simplement passer.

Hannelore Seiffert: Je fais toujours de la visite guidée le deuxième dimanche de chaque mois. Soit une visite guidée par mois. Je suis alors prête à être très détaillée. Vous le remarquez aussi quand on me tire le bouchon. Il y a beaucoup de choses qui ressortent. Et comme je l’ai dit, vraiment pour moi, c’est ma vie. Donc dans le sens de la mémoire vécue. Il y a tellement d’images qui me viennent à l’esprit. Et je continue à téléphoner à beaucoup de céramistes dans le monde entier. Je viens de parler au téléphone avec quelqu’un de New York hier. Donc, dans la semaine, il y a certainement quatre ou cinq appels téléphoniques ou mails avec des céramistes étrangers. Après, je suis toujours très heureuse et stimulée et je me dis que c’est un beau matériau. Ou c’est une belle chose. Et même si je viens ici, vous voyez bien que c’est une grande pièce et qu’elle semble totalement pleine. C’est le cas. Mais ensuite je me dis, mon Dieu, tout cela a été chez moi. Et maintenant, c’est toujours plein à craquer chez moi.

Verena Feldbausch: Oui, c’est fou. On ne peut plus l’imaginer.

Hannelore Seiffert: Oui, c’était comme ça.

Verena Feldbausch: C’était une excellente décision.

Hannelore Seiffert: Et là, je ne remercierai jamais assez Mme Nix-Hauck pour cette décision. Le fait que nous ayons pu le réaliser de manière aussi fantastique.

Verena Feldbausch: Très bien.

Hannelore Seiffert: Et nous voulons ajouter encore cette année les 170 pièces restantes, disons à peu près. J’en ai encore acheté récemment. Oui, il fallait le faire. Et une super étudiante à Sarrebruck. Et elle a eu une si belle exposition. J’étais là avec la direction du musée et j’ai dit que j’achetais ça pour l’exposition. Parce que ce n’était pas encore enregistré.

Verena Feldbausch: Je suis aussi allée récemment à la galerie HBK. Vous étiez aussi à l’exposition des jeunes étudiantes et étudiants ?

Hannelore Seiffert: Oui.

Verena Feldbausch: Qui ont montré des œuvres tout simplement magnifiques.

Hannelore Seiffert: Oui, et c’est là que je l’ai donc acheté.

Verena Feldbausch: Vous avez trouvé cet œuvre là. Oui, j’ai adoré ça aussi. Cette œuvre est de Pia Treiber et fait partie de la série Tache d’huile. Ce groupe d’œuvres présente des projets de plis en céramique avec un émail très particulier, qui donne l’impression de surfaces plongées dans le pétrole. Comme toujours, nous mettons des photos des œuvres discutées sur le blog.

Verena Feldbausch: Oui, on peut vraiment vous écouter sans fin.

Hannelore Seiffert: Oui, je peux vous raconter des histoires pour chaque pièce.

Verena Feldbausch: C’est pourquoi il faut venir ici plus souvent.

Conclusion et perspectives

Verena Feldbausch: Madame Seiffert, merci beaucoup pour vos aperçus intéressants, votre passion et votre générosité, de partager votre collection d’art avec d’autres. Si tu souhaites maintenant en savoir plus sur la collection de Hannelore Seiffert ou sur le musée d’art de la céramique à Neunkirchen, alors tu trouveras tous les liens dans nos shownotes. Merci d’avoir écouté et à bientôt pour le prochain épisode de l’art talk SaarLorLux. Votre Verena Feldbausch. Tu as aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les shownotes et sur notre blog. Sois de nouveau de la partie lorsque on dit : Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.

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#27 art talk – nous présentons le ‘Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert’ (1)

Verena — Thu, 24 Jul 2025 03:00:19 +0000

Entretien avec la fondatrice Hannelore Seiffert

Nous allons parler d’une forme d’art qui a longtemps été sous-estimée, à savoir l’art céramique. Depuis les années 1990-2000, l’art céramique contemporain est de plus en plus reconnu, même s’il se bat encore aujourd’hui contre des préjugés et n’est pas toujours traité sur un pied d’égalité avec la peinture ou les installations, par exemple. Notre interlocutrice est Hannelore Seiffert – elle est collectionneuse, supportrice et experte de l’art céramique contemporain international. En 2023, elle a fait don d’une partie importante de sa collection au « Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert » à Neunkirchen en Saare.

Foto Credits:

– JM Schlorke: 1,2,3,4, 6,7,10,11,12,13,14
– Tom Gundelwein: 5,8,
– Liane Wilhemus: 9

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Liens complémentaires :

– Keramikzentrum Höhr-Grenzhausen ( en allemand seulement) : https://natur-kultur-keramik.de/keramik/
– Internationale Keramik-Akademie: AIC-ICA: https://www.aic-iac.org/en/
– Keramikkunst in Shenzhen: https://www.ourchinastory.com/en/13195

Lire l’entretien complet avec Hannelore Seiffert

Introduction au Podcast sur l’Art

Verena Feldbausch: Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les commissaires d’exposition et les artistes là où ils exposent. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participe aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts. Bonjour et bienvenue dans ce nouvel épisode de art talk SaarLorLux. Aujourd’hui, nous allons parler d’une forme d’art qui a longtemps été sous-estimée, à savoir l’art de la céramique. L’art de la céramique est de plus en plus reconnu dans le monde de l’art contemporain depuis les années 1990 et 2000, même si, aujourd’hui encore, elle se bat contre les préjugés et n’est pas toujours traitée sur un pied d’égalité, comme par exemple la peinture ou l’installation. Notre invitée d’aujourd’hui est Hannelore Seiffert. Elle est collectionneuse, supportrice et experte en art céramique international. Et en 2023, elle a fait don d’une partie importante de sa collection au Keramik Kunst Museum Neunkirchen. Et comme il y a beaucoup à dire sur l’art contemporain de la céramique, j’ai divisé l’épisode en deux parties. Maintenant, je vous souhaite une bonne écoute de la première partie. Votre Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Madame Seiffert, je suis heureux que vous ayez le temps de me parler aujourd’hui. Comment votre amour pour la céramique a-t-il commencé ?

Hannelore Seiffert: Oui, je dirais très classique. J’étais déjà à un stade un peu avancé de ma vie, puis j’ai vu une exposition. Et là, je me suis dit que c’était pas mal non plus, la céramique, tu vas essayer. J’ai demandé à l’artiste, qui se trouvait là par hasard. Et là elle m’a dit, oui, vous pouvez venir à Dillingen, toutes les semaines, je fais des cours. Je l’ai fait, puis j’ai commencé, classiquement, avec l’écuelle du pouce et ainsi de suite. Et puis, bien sûr, je me suis davantage intéressé à la matière. J’ai acheté des livres, je suis allé sur des marchés au début. Et puis ça s’est approfondi. Plus je connaissais des noms ou des choses comme ça, plus j’allais aux expositions. Et ici, nous avons en effet un centre de céramique, Höhr-Grenzhausen est à proximité, où se trouve un excellent musée. Et oui, je me suis de plus en plus habituée et j’ai toujours acheté spontanément, quand je trouvais d’une manière ou d’une autre une pièce qui me plaisait particulièrement ou que je me disais que je voudrais l’avoir et la regarder tout le temps.

Fascination pour la Céramique Contemporaine Unique

Verena Feldbausch: Qu’est-ce qui vous a particulièrement fascinée dans la céramique contemporaine unique ? Donc par opposition à la céramique ancienne ou aux objets design ?

Hannelore Seiffert: J’ai toujours été intéressée par l’art, en fait dès mon plus jeune âge, mais aussi toujours ou presque uniquement pour les contemporains. C’est donc là que je préférais y aller. Et c’est comme ça que ça s’est passé. L’éducation, on la reçoit en cours. Et pour la céramique, je n’avais aucune idée de ce qu’il y avait avant. Dans le sens d’extraordinaire. On savait qu’il y avait une époque où l’on faisait des harnais baroques et tout ça. Mais j’ai toujours trouvé que c’était, parce que je l’avais fait moi-même, plus intéressant ce qui se passe à mon époque. Comment les gens travaillent, ce qu’ils font, pourquoi ils le font. Et surtout, ce qui m’a d’abord fasciné, c’est la diversité absolue des matériaux et des expressions. Et le travail avec la céramique est très, très diversifié. Bien plus variées que ce que l’on sait, ce que l’on fait habituellement ou ce que l’on imagine. Et oui, j’ai trouvé ça intéressant.

De la Fascination à une Collection Consciente

Verena Feldbausch: Quand la fascination s’est-elle transformée en activité consciente de collectionneur ? Donc, à un moment donné, avez-vous dit : “Maintenant, je fais une collection sérieuse ?

Hannelore Seiffert: C’est difficile à dire. Il y a donc un point où j’ai été admis ou sollicité par la Société internationale de céramique. AIC-ICA, une organisation très particulière qui n’existe en fait dans l’art que pour la céramique. À savoir, là où les meilleurs artistes céramistes, les meilleurs au monde, sont liés. Indépendamment de l’origine. D’Afrique, de Chine, du Japon, d’Amérique, d’Europe de toute façon. Et le bruit s’était répandu ici, du moins en Allemagne et dans les autres pays européens, qu’il y en avait une qui achetait toujours. Et donc mon nom était de toute façon déjà un peu connu là-bas. Et je suis naturellement tombé sur ces œuvres de plus en plus haut de gamme, j’y ai prêté attention et je m’y suis rendu. Et oui, et puis ils ont dit à l’AIC que ce serait bien qu’elle soit avec nous. Pour moi, j’étais tout à fait fascinée et c’était donc un grand honneur d’être demandée. Et il y a environ 900 céramistes dans cette organisation mondiale. Et encore une centaine de personnes qui en font partie. Des directeurs de musée et aussi des écrivains, c’est-à-dire des gens qui écrivent sur le sujet, etc. Et quelques collectionneurs. L’année dernière, il y en avait neuf dans le monde. Et j’étais la seule Allemande à être admise à l’AIC.

Verena Feldbausch: Que veut dire AIC ?

Hannelore Seiffert: AIC-ICA est l’abréviation française d’Académie internationale de la céramique.

La Céramique comme Médium Artistique

Verena Feldbausch: Merci. Exactement, nous allons maintenant aborder le thème de la céramique en tant que forme d’art internationale. Parlons de la matière, c’est-à-dire de l’argile, de la terre, du feu. Qu’est-ce qui rend la céramique si particulière pour vous en tant que médium artistique ?

Hannelore Seiffert: En tant que médium artistique, c’est avant tout la diversité, la capacité d’expression, qui est aussi conditionnée par le matériau. Cela va de la porcelaine la plus fine à l’argile vraiment grossière, qui contient encore des impuretés et dont la surface peut être très rugueuse. Et dans cette diversité, il se passe tellement de choses. Et je peux maintenant vraiment le confirmer par ma propre expérience. Quand on a un morceau comme ça dans la main et qu’on n’a pas de commande ou quoi que ce soit, on commence à le malaxer comme ça. Et c’est là qu’on trouve l’inspiration. Et là, il se passe vraiment des choses dont on n’avait pas idée, qu’on avait dans les mains, dans la tête ou autre. Je trouve donc cela très excitant. Et bien sûr, pour les pièces que vous voyez ici, ce sont toutes des pièces absolument exquises d’excellents artistes, de très nombreux membres au sein de l’AIC. Et bien sûr, ils savent exactement comment gérer les matériaux. Mais malgré tout cela. J’ai donc des morceaux très fins et des morceaux très épais.

Scène Internationale de la Céramique et Différences Régionales

Verena Feldbausch: Votre collection comprend donc des œuvres de différents pays. Japon, États-Unis, Europe. Comment percevez-vous la scène internationale de la céramique contemporaine ? Y a-t-il des différences régionales ?

Hannelore Seiffert: Absolument. Tout d’abord, il existe des différences régionales dans la mesure où, par exemple, en Afrique, l’art populaire prédomine encore. Bien qu’il soit aussi interprété de manière très moderne, c’est-à-dire par certains. Ensuite, en Chine, c’est un tout autre rapport à la céramique. La céramique y joue un rôle très important. Et des procédés spéciaux, par exemple le céladon ou des matériaux spéciaux. Il existe une porcelaine qui a des reflets presque bleus lorsqu’elle est cuite. Et en Europe, c’est plus varié, mais quand même. Donc ce n’est pas comme si je regardais un morceau et que je pouvais dire que cela pourrait venir de tel ou tel pays. Mais on voit que, oui, ça a l’air européen. Une autre chose qui me frappe toujours, c’est que la Corée du Sud, par exemple, mais aussi toutes les pièces d’Extrême-Orient que j’ai, sont d’une qualité remarquable en termes d’élaboration. Et les pièces ont parfois l’air simples, dépouillées. Mais ensuite, quand on y regarde de plus près, ils ont un tel raffinement et un tel savoir-faire artisanal qu’on se dit que ce n’est pas possible de faire ça avec les mains.

Céramique Unique vs Objets Utilitaires

Verena Feldbausch: Pour beaucoup de gens, la céramique est synonyme de fonctionnalité. Une tasse, un vase. Mais la céramique unique, c’est de l’art. Qu’est-ce qui différencie une œuvre d’art en argile d’un objet utilitaire ?

Hannelore Seiffert: Oui, eh bien, tout d’abord, les œuvres d’art ne sont tout simplement pas pratiques à utiliser. Mais dans mon ménage, j’ai calculé que j’utilise au moins 80 pièces, qui sont donc en argile et qui ont vraiment une expression très particulière, mais qui sont faites pour ce que j’en fais. Les boîtes et les assiettes ou la vaisselle aussi. J’ai beaucoup de vases qui sortent de l’ordinaire, qui me plaisent tout simplement et qu’on ne peut pas acheter comme ça. Ils sont peu différents.

Donation au Keramik Kunst Museum Neunkirchen

Hannelore Seiffert: C’est une belle question. C’est d’abord Madame Nicole Nix-Hauck, la directrice du musée d’art céramique, qui m’a incitée à faire ce choix. Nous nous connaissons depuis longtemps et j’ai déjà exposé deux fois mes céramiques ici, dans la galerie. La première exposition était vraiment très, très fréquentée et la deuxième a ensuite été en grande partie victime de Corona. Mais elle connaissait mes objets et elle venait souvent chez moi. Et un jour, elle m’a dit avec désinvolture : “As-tu déjà réfléchi à ce que tu vas faire de tes céramiques ? Tu t’imagines mettre ça dans un musée ou en faire don ?” Alors je me suis dit : “C’est impossible.” Le lendemain matin, j’ai dormi dessus une fois. C’est ça. Car j’avais déjà donné des pièces dans certains musées, donc cinq ou six pièces. J’ai déjà eu des expositions avec ma collection dans d’autres musées, à plus petite échelle bien sûr. Et puis j’ai toujours laissé des morceaux là-bas. Et au bout de six ou huit semaines, ils étaient au dépôt. Et c’est là qu’ils se tiennent maintenant, au cas où l’artiste de cette pièce aurait peut-être lui-même une exposition un jour. Elles sont montrées à nouveau, mais c’est tout. Et je trouve que cela ne mérite tout simplement pas ce savoir-faire, cet amour, ce dévouement et cette compétence. Si elles sont faites, elles devraient pouvoir être vues. Et c’était pour moi, alors je me suis dit, bien sûr, c’est ça. Et je vis en Sarre depuis 50 ans. Dont une grande période à Neunkirchen. Donc ici la maison est très bien, le musée et en haut les galeries et ainsi de suite. Alors je me suis dit, oui, je n’habite pas très loin. Ici, je peux toujours regarder ce que font mes chéris, comment ils vont. Faire un brin de causette. Et là je dis oui, c’est l’idée. Et puis, la conception s’est avérée grandiose.

Verena Feldbausch: Oui. L’étape suivante a été qu’une de vos amies a également fait un autre don généreux.

Hannelore Seiffert: Ce n’était pas une amie. Je ne connaissais pas cette dame avant. Et elle a donné une somme énorme, donc pour moi. Cela représentait 100 000 euros.

Verena Feldbausch: C’est fou.

Hannelore Seiffert: Et cela a bien sûr permis de donner une toute autre dimension à la présentation.

Verena Feldbausch: Donc, la première étape a été, vous avez dit, je suis prête à donner une partie de ma collection. Et la deuxième partie a été qu’une généreuse donatrice s’est encore trouvée, qui a rendu possible l’espace d’exposition. Parce qu’il y a, je crois, 300 mètres carrés ici, non ?

Hannelore Seiffert: Oui, un peu plus de 300 mètres carrés. Et j’ai toujours dit que je n’aimais pas les vitrines. Chez moi aussi, les choses sont ouvertes à la maison. Et je sais que c’est important, de parfois s’approcher de très près. Les mains dans le dos, bien sûr. Et peut regarder les choses de plus près. Et avec les vitrines, on a toujours une certaine distance. Cette donatrice extrêmement généreuse, elle a sans doute été trouvée par M. Linnebacher, qui a également dirigé une grande partie de la transformation ici.

Sélection des Œuvres et Présentation

Verena Feldbausch: Quelles œuvres avez-vous choisies et selon quels critères ?

Hannelore Seiffert: Donc nous avons fait comme ça. Des gens du musée, c’est-à-dire Mme Nix-Hauck et quelqu’un d’autre, ont fait le tour de la maison et ont dit nous aimerions avoir ça et ça et ça et ça. Et j’avais initialement pensé à un nombre compris entre 100 et 200. Et puis ils ont tout de suite écrit des petits chiffres, donc 3, 42 et tout. Et d’un seul coup, nous nous sommes retrouvés avec plus de 400 morceaux. Et j’ai trouvé ça un peu beaucoup. Je me suis dit : “Oh, il ne reste plus rien”. Je dois dire qu’à l’époque, j’avais environ 1200 pièces dans ma maison. Ce n’était donc pas si dangereux.

Verena Feldbausch: Et vous avez vraiment fait don des 400 pièces au musée ?

Hannelore Seiffert: Oui, alors cet espace a été transformé. Il s’agissait en effet de locaux utilisés de manière tout à fait différente. Un éclairage a été créé, puis ces magnifiques meubles, sur lesquels les céramiques peuvent être présentées, dans toutes les variations possibles. On s’est mis à bouger et tout, jusqu’à on pensait, ah, ça pourrait être comme ça. Et sur les murs, donc super. Et puis on a commencé par amener 200 pièces ici. Et il y a, je crois, 260 pièces ici en ce moment. Et Mme Nix-Hauck a conçu la présentation avec Mme Dr Wilhelmus. Avant, chez moi, vous pouvez imaginer, vu le nombre de choses, et même si j’avais réaménagé ma maison deux fois, il y avait toujours beaucoup, beaucoup, beaucoup de choses. J’étais donc habitué à ce que les morceaux soient assez proches les uns des autres. Et je sais très bien, en particulier de la part de Mme Nix-Hauck, qu’elle y attache une très grande importance, que chaque pièce dispose d’un espace individuel où elle peut être considérée pour elle-même. Et je devais partir, je me disais toujours : “Ah, qu’est-ce que je pourrais encore ajouter ici ?” Oui, mais ensuite, bien sûr, j’ai trouvé cela encore plus beau. C’est, alors quand on voit la présentation, c’est génial. Cela a ensuite été un peu structuré au niveau du contenu, des visages, des travaux figuratifs et ainsi de suite.

Collaboration avec le Musée et Catalogues

Verena Feldbausch: Oui, exactement, c’est en fait ma prochaine question. Comment s’est passée la collaboration avec le musée ? Vous avez donc déjà un peu expliqué cela. Existe-t-il un catalogue de la donation et les pièces exposées sont-elles aussi régulièrement remplacées ? Parce que vous dites que maintenant 260 sont à peu près présentés, mais vous en avez donné plus de 400. Quelle est l’approche ?

Hannelore Seiffert: Oui, c’est donc ainsi, ma condition intérieure était que rien ne devait être mis en dépôt. Et nous avons cette pièce ici de 300 mètres carrés, qui est donc maintenant occupée par environ 260 pièces. Et c’est merveilleux. On voit chaque pièce. Il reste environ 170 pièces chez moi. Mais maintenant, nous avons décidé que, quoi qu’il arrive, le reste viendrait aussi ici. Il y a éventuellement des possibilités d’agrandir l’espace, d’ajouter quelque chose. Et nous allons donc le faire dans le cadre d’une action plus importante, c’est-à-dire qu’une plus grande partie, au moins 150 pièces, seront remplacées ici. C’est un grand changement. Et cela sera annoncé spécialement. Et le musée devrait fermer ici pendant au moins une ou deux semaines, je pense, pour les travaux.

Verena Feldbausch: Et un catalogue est-il prévu ?

Hannelore Seiffert: Nous avions déjà des catalogues pour la première exposition et pour la deuxième, qui n’a pas été aussi fréquentée, car c’était juste au début de l’année 2020, lorsque Corona est arrivée. Il s’agit de deux catalogues qui sont remarquablement bien photographiés et qui sont à disposition. La plus grande partie des pièces se trouve donc ici, dans ces livres.

Verena Feldbausch: Exactement, il s’agissait de deux catalogues des expositions qui avaient déjà eu lieu à la Stadtgalerie de Neunkirchen.

Tendances dans l’Art de la Céramique

Verena Feldbausch: Dans quelle direction l’art de la céramique évolue-t-il actuellement ? Voyez-vous de nouvelles tendances, peut-être aussi sociales ou politiques ?

Hannelore Seiffert: Donc, depuis trois ans, je me tape toujours sur les doigts quand je vais quelque part. Je ne vais plus beaucoup aux expositions non plus, c’est beaucoup trop dangereux. Mais je reçois beaucoup de matériel écrit et la Neue-Keramik et ainsi de suite, des revues de céramique. Et je vois une tendance à une abstraction encore plus grande d’une part, à un autre coloris, également à un coloris encore plus varié. Et ces morceaux plus contemplatifs, je ne les ai pas beaucoup perçus. Je remarque donc vraiment que des formes très abstraites et sauvages sont désormais visibles dans des couleurs inhabituelles.

Verena Feldbausch: Y a-t-il eu des évolutions sociales ou politiques que vous observez ?

Hannelore Seiffert: Je ne peux pas dire que c’est en réaction à quelque chose. C’est d’ailleurs différent sur tous les continents. Alors justement en Chine, ils invitent beaucoup de monde. Il y a par exemple une ville, Jingdezhen, qui accueille chaque année un grand nombre d’invités venus du monde entier. Ils y travaillent et y laissent aussi les choses et y exposent. Et là, la céramique a une toute autre importance. On y attache aussi une grande importance aux matériaux classiques, aux couleurs classiques, au céladon ou autre. Et si les gens s’y rendent, ici, d’Allemagne, ils sont à nouveau nombreux à être invités, ils peuvent travailler à la fois dans leur propre style et reproduire ou transposer naturellement dans leurs possibilités, mais faire quelque chose dans ce style. Et je trouve cela très excitant, très, très stimulant.

Conclusion et Perspectives

Verena Feldbausch: Vous en avez déjà appris beaucoup sur la collectionneuse Hannelore Seiffert et sur la manière dont elle est arrivée à l’art de la céramique contemporaine. Et dans le prochain épisode, nous discuterons de pièces très concrètes de sa collection. Et comme toujours, vous trouverez des photos des œuvres dont j’ai parlé sur mon blog. Et le lien pour y accéder, c’est dans les Show Notes. Je suis ravie de continuer à parler avec Hannelore Seiffert qui nous racontera comment elle a trouvé ses pièces préférées. Cet épisode a pu être produit grâce au soutien du Ministère de l’éducation et de la culture de la Sarre. Je tiens à les remercier chaleureusement. Et je vous remercie de m’avoir écouté et j’attends avec impatience la deuxième partie de notre entretien avec Hannelore Seiffert. D’ici là, votre Verena Feldbausch. As-tu aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les Show Notes et sur notre blog. Sois de nouveau de la partie lorsqu’on dit : Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.

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#26 art talk – Véronique Verdet à propos de son exposition « Fouloscopie »

Verena — Tue, 24 Jun 2025 03:00:34 +0000

Véronique Verdet

Nous parlons avec l’artiste française Véronique Verdet de son exposition actuelle Fouloscopie, qui est actuellement présentée au musée de Sankt Wendel.

Véronique Verdet est née à Cannes en 1967. Elle a étudié les arts plastiques et audiovisuels à la Hochschule der Bildenden Künste Saar. De 2004 à 2006, elle a été maître élève de Christina Kubisch et s’est spécialisée dans les projets audio-visuels. Elle vit et travaille à Sarrebruck. Elle crée des installations, des œuvres sonores et vidéo et elle dessine aussi de manière très classique sur papier. Vous découvrirez dans ce podcast les thèmes qu’elle aborde, les perspectives qu’elle nous montre à travers son art, la manière dont sa famille d’artistes l’a marquée et ses projets d’avenir.

Photo Credits:

1,2,3,5,6,9,11,12,16 Lukas Ratius
7,8,10,13,14 Verena Feldbausch
15S venja Sämann
4 Joseph Bonnenberger
Cover Bild: © Véronique Verdet

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Portrait d’artiste Véronique Verdet

Véronique Verdet est une artiste plasticienne française qui vit et travaille à Sarrebruck. De 2000 à 2004, elle a étudié à l’Académie des beaux-arts de la Sarre (SaarHBe) en mettant l’accent sur la sculpture et l’art audiovisuel et a terminé ses études avec distinction. Par la suite, elle a été étudiante en maîtrise de Prof de 2004 à 2006. Christina Kubisch. Depuis 2015, elle est membre du Saarländischer Künstlerbund

Pratique artistique

Les œuvres de Verdet se caractérisent par une approche interdisciplinaire dans laquelle elle combine divers médias tels que la sculpture, le dessin, la vidéo et l’installation. Un thème central dans son travail est l’examen de l’individu dans les masses ainsi que la perception de l’appartenance et de l’isolement. Dans son installation « Emportée par la foule » (2023), elle a montré 2 500 figurines miniatures qui ont formé un flot de personnes et visualisent ainsi les contextes sociaux et la dynamique des groupes.

Un autre exemple est l’installation spatiale «periphery / border-quality» (2016), qui traitait du sujet de la frontière et de sa perception. Elle a combiné des dessins et des éléments solides pour remédier à l’instabilité et à la complexité des expériences limites.

Expositions et projets

Verdet a présenté son travail dans diverses expositions et projets. En 2023, par exemple, elle a participé au projet «Kollektiv Bremm», qui traitait de la zone frontalière entre l’Allemagne et la France. Dans le cadre de ce projet, elle se consacre à la commémoration des prisonniers du camp de la Gestapo et traite de l’histoire et de la signification de ce lieu.

En 2022, elle est co-initiatrice de l’Hyper S’permemière dans la galerie européenne de Sarrebruck, un espace d’art temporaire dans lequel des œuvres de 23 artistes sont proposées. Ce marché d’art inhabituel permet aux visiteurs d’acheter directement des œuvres d’art, favorisant ainsi le dialogue entre les artistes et le public.

De mai à juillet 2025, Véronique Verdet montrera son art dans l’exposition individuelle « Fouloscopie » au Museum St. Wendel. Ici aussi, les sujets de foule, d’isolement, de quantité et d’individu, de mouvements, de rencontres et de divisions se répandent.

Conclusion

Véronique Verdet est une artiste polyvalente qui utilise son travail pour reprendre des thèmes sociaux et les réfléchit dans différents médias et formats. Par sa pratique interdisciplinaire et son engagement dans divers projets, elle contribue activement à la scène artistique en Sarre et au-delà.

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Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les curateurs et les artistes là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participez aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’exposition et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts. Bonjour et bienvenue dans ce nouvel épisode de art talk. Aujourd’hui, nous rencontrons l’artiste française Véronique Verdet, avec qui nous avons discuté de son exposition actuelle “Fouloscopie” dans le musée de St. Wendel. Je suis très contente de me plonger dans l’univers très particulier de l’art de Véronique Verdet. Comme toujours, vous trouverez les illustrations des travaux discutés sur mon blog. Je vous souhaite une bonne écoute. Votre Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Chère Véronique, bonjour et bienvenue dans art talk.

Véronique Verdet: Bonjour.

Motivation artistique et choix des thèmes

Verena Feldbausch: Qu’est-ce qui te pousse à être active sur le plan artistique ? Comment trouves-tu tes thèmes ?

Véronique Verdet: Oh, c’est une question très large. En fait, mon sujet est depuis quelques années déjà les masses. La foule, le mouvement, l’individualité, l’isolement, bref, tout ce qui nous concerne, nous les êtres humains. C’est, je dirais, mon thème principal depuis dix ans. Je ne peux pas vraiment te dire comment j’en suis arrivée là. Je crois que c’était une réflexion générale sur la société. Moins de la littérature ou quelque chose comme ça, mais plus, je pense, plus de la politique en fait, de l’actualité quotidienne.

Le processus créatif de “Fouloscopie”

Verena Feldbausch: Quel est donc ton processus créatif lorsque tu travailles sur une exposition comme celle-ci, “Fouloscopie” ?

Véronique Verdet: C’est justement pour cette exposition qu’il a été clair très tôt que j’aurais beaucoup d’espace à disposition, il était important pour moi de former une entité. J’aurais donc aussi eu la possibilité, justement parce que j’ai tant de place, de montrer différentes œuvres ou de différentes époques ou quelque chose comme ça. Mais il était important pour moi de former une entité. Et je voulais donc d’une part ce travail principal, c’est donc ce rouleau, ce dessin, qui fait dix mètres de long. Et oui, ce qui me préoccupe est vraiment visible à l’intérieur. C’est donc l’individualité, dans laquelle chaque point est indépendant. Ce sont simplement des milliards ou des millions ou je ne sais pas combien de points. Et ils se forment ensemble, ils se rejoignent, ils se déplacent, ils bougent. Oui, c’est donc par là que j’ai commencé pour St. Wendel. Parce que c’était clair pour moi, je voulais montrer quelque chose de grand de ce cycle de dessins à l’encre de Chine. Donc ce rouleau, il montre vraiment ce qui est important pour moi. Cette organique, on peut dire, parce que le rouleau évolue, ou ce dessin, le dessin évolue toujours un peu comme les êtres vivants. Donc ça coule. Et ici, j’ai effectivement formé un peu plus de motifs que d’habitude. J’ai donc souvent laissé faire, pour ainsi dire. Mais ici aussi, il était important pour moi de former davantage des motifs. On peut le voir, si on s’approche très près, on voit les constructions, des sphères plus étroites, plus denses ou des masses plus denses. Ou certaines forment même des motifs comme des fleurs.

Verena Feldbausch: Ce dessin, exactement. C’était le point de départ, parce que j’ai d’abord pensé à un paysage. Il s’appelle “Fouloscopie”, ce dessin. Et c’est là que nous en venons au titre de l’exposition à parler. “Fouloscopie”. “Fouloscopie” signifie la foule de gens. Pourquoi as-tu choisi ce titre ?

Véronique Verdet: “Fouloscopie”, c’est là aussi que je suis tombée dessus il y a quelques années, sur ce terme, après avoir écouté une émission sur France Culture, avec l’inventeur de ce terme. Il s’appelle Musaïd. C’est un scientifique, un sociologue, etc. Et il étudie en particulier les phénomènes de masse. Comment les masses se comportent-elles par exemple dans des situations de danger, quels mouvements se produisent ou comment les groupes se comportent-ils entre eux, les uns avec les autres. Et à ce moment-là, je m’intéressais déjà depuis un certain temps à ce genre de sujets. Et je lui ai alors écrit pour lui demander si je pouvais utiliser ce mot pour un nouveau cycle. Je ne savais pas à l’époque que j’y travaillerais encore des dizaines d’années plus tard. Et il était très, très gentil. Donc il est français, mais à l’époque il travaillait à l’Institut Max Planck à Berlin. Et oui, il m’a donc officiellement autorisé à utiliser ce mot pour mon travail. Et ça, ça me convient parfaitement, parce que c’est vraiment une étude de la foule. Les gens, la masse, les foules. Et je varie cela, comme on peut le voir ici avec les figures en 3D qui représentent pour ainsi dire les quantités.

Liens sociaux et perspectives individuelles

Verena Feldbausch: Et exactement. Dans ta pratique artistique, tu places l’être humain au centre. Quels sont les liens que tu veux mettre en évidence dans la société ?

Véronique Verdet: Beaucoup de choses. D’une part, il y a cette solidarité. Nous sommes tous pareils au premier regard. C’est toujours très important pour moi. Mais seulement à première vue. Comme pour les points, c’est ici pareil, j’ai modelé ces figures, elles sont aussi homogènes à première vue. Mais si je regarde de plus près, chacune d’entre elles se distingue. Nous avons donc ici à la fois des individus et des groupes. Et pourtant, certains se séparent ou se rencontrent. C’est pour moi un symbole de l’être humain. Donc parfois ensemble, parfois pas, au premier coup d’œil pareils, mais seulement au premier coup. C’est comme pour les points en fait.

Verena Feldbausch: Le titre pour ton installation ici à St. Wendel est-il aussi “Fouloscopie” ou est-ce un autre titre ?

Véronique Verdet: Non, le travail ici avec les personnages s’appelle “Emporté par la foule”.

Verena Feldbausch: Une petite remarque : “Emporté par la foule” signifie “Von der Menge mitgerissen”.

L’installation “Emporté par la foule”

Véronique Verdet: Ce travail comprend également une chanson que j’ai chantée. C’était la première fois que j’osais utiliser ma voix. C’était un très grand pari pour moi. Mais Sankt Wendel n’est pas la première fois que je montre ce travail. Je les ai donc montrés pour la première fois à la Kunsthalle de Memmingen il y a deux ans. Mais un peu différemment. Le podium était alors beaucoup plus grand et sans ce haut-parleur génial. Je ne l’avais pas encore à l’époque. Exactement. Et là, à l’origine, je ne sais pas si c’est intéressant, mais c’était ma candidature pour la SaarArt sur le thème de l’isolation. Et cela n’a pas été pris.

Verena Feldbausch: Tu as créé ce travail in situ à St. Wendel, parce qu’il est un peu différent de celui de Memmingen, comme tu l’as dit. Donc ça fait aussi 2 500 figurines, non ?

Véronique Verdet: Il y en a même plus ici. J’avais en fait la même situation à Memmingen, c’est-à-dire un long podium blanc et des personnages. Voilà, mais à Memmingen, j’avais constaté qu’il me manquait des personnages nettement plus petits. Puis j’en ai ajouté 100 et je les ai positionnés très différemment. Donc là, j’ai vraiment essayé de faire des groupes un peu plus restreints ou de faire plus de ces groupes restreints. Et puis, il y a aussi ce mouvement. Ce que j’aime dans ce travail, c’est que tu peux te raconter plein d’histoires. Donc ça dépend de l’endroit où je regarde. Et puis bien sûr, ce qui est toujours très intéressant, c’est le jeu de lumière qui se développe au cours de la journée. Et soudain nous avons aussi des ombres noires sur cette surface blanche. Alors ici à St. Wendel, cette pièce est en noir et blanc. Alors là, je ne voulais vraiment pas de couleur. Le rouleau est bien sûr en noir et blanc, la photo est en noir et blanc. Et ici, nous avons justement les figures blanches et de temps en temps ces ombres sombres, selon l’incidence de la lumière. C’est pratiquement très neutre. Tout le reste, tu peux t’imaginer toi-même… Ou je veux que les visiteuses se fassent leurs propres images.

Verena Feldbausch: Oui, c’est vraiment au visiteur de voir ce qu’il y voit.

Véronique Verdet: Oui, c’est toujours important.

Les figurines et l’intervention sonore

Verena Feldbausch: Revenons très brièvement sur les 2600 figures. Ils n’ont pas de visage et semblent homogènes à première vue. Mais en y regardant de plus près, ils sont très différents. Donc pas seulement en termes de taille, mais ils présentent aussi d’autres différences. Comment les personnages ont-ils été créés ? Tu les as faits toi-même et en quoi sont-ils faits ?

Véronique Verdet: Oui, je les ai faits moi-même et ils sont faits d’une pâte à modeler qui sèche à l’air. Ce qui est très pratique, car cela se passe rapidement. Donc ils sont petits aussi, donc ils ne pèsent pas lourd. Et la masse est suffisamment modelable pour présenter de toutes petites différences. Donc certains sont légèrement penchés, d’autres inclinés. Et c’est un matériau qui, d’un point de vue purement pratique, est facile à avoir sous la main. Oui. Donc et ça sèche vite, donc on peut continuer à travailler rapidement. Mais ils sont bien sûr tous collés ici, parce qu’ils sont justement relativement légers, ce serait trop risqué.

Verena Feldbausch: Et la couleur de départ est aussi blanche à partir du matériau ?

Véronique Verdet: Oui, exactement.

Verena Feldbausch: Dans cette pièce aussi, il y a cette intervention sonore, oui. On entend une chanson dans le haut-parleur et tu la chantes toi-même. Et quelle est cette chanson ?

Véronique Verdet: C’est une très belle chanson d’Édith Piaf. La chanson s’appelle “La Foule”.

Verena Feldbausch: “La Foule”, oui. Nous en écoutons ici un petit extrait. [Édith Piaf : La Foule chantée par Véronique Verdet]

Véronique Verdet: Le texte véhicule justement ce que je voulais véhiculer. Ce sentiment d’être seul au milieu d’une foule. Se retrouver tout seul. Et au fil de la chanson, leurs sentiments changent aussi. Au début, elle est… la masse est… ils rient et font la fête. Et soudain, elle se sent abandonnée et seule. C’est justement ce paradoxe ou cette situation contradictoire qui se produit tout à fait dans la masse. Parfois, tu te sens parfaitement à l’aise. Et tout à coup, tu réalises : Oh là là, qu’est-ce que je fais ici ? Ou soudain : La masse peut être à la fois menaçante, mais aussi être perçue comme bienveillante. Et c’est toujours ce qui fait la chanson, qu’il y a justement ces différents aspects en fait, une chanson très triste. À la fin, elle perd son mari.

La photographie et les contrastes émotionnels

Verena Feldbausch: Et comme quatrième objet dans cette pièce, on peut encore voir cette photo, la photo en noir et blanc d’une personne qui hurle. Pourquoi cela fait-il aussi partie de cette installation ?

Véronique Verdet: Oui, c’est quelqu’un qui ne cache vraiment pas son émotion. C’est vraiment un… C’est ce que je voulais aussi pour contraster ces personnages sans visage. Mais j’ai presque tout le visage ici. Et il a vraiment crié. C’est donc un travail très ancien. 20 ans. Et j’avais fait toute une série de portraits criants. Et il était le meilleur. Parce qu’il a vraiment crié. Alors les autres ont fait semblant. Et il a vraiment… Et au début, j’étais moi-même, je m’en souviens très bien, totalement effrayée par cela. Et puis j’ai fait comme ça… Parce que je ne m’attendais pas à ça. Je pensais qu’il ferait comme les autres, qu’il se boucherait les oreilles et ouvrirait la bouche. Mais il a vraiment crié. Et j’ai trouvé ça très… Simplement encore un sentiment très fort dans cet espace pourtant très harmonieux… Et c’est là que nous avons vraiment un sentiment non faussé.

Diversité des médias artistiques

Verena Feldbausch: Tu utilises plusieurs médias dans ton art. Donc la photo, la vidéo, le son et aussi, de manière plus classique, l’encre sur papier. Pourquoi cette diversité est-elle importante pour toi ?

Véronique Verdet: Oh, parce qu’elle me donne justement toutes ces possibilités. Et j’aime essayer. Je rejette aussi beaucoup de choses. Mais je n’aimerais vraiment pas, pas seulement sur le papier ou seulement modeler ou… J’ai vraiment envie de m’offrir ça, pour ainsi dire. Certaines personnes lancent… On m’a donc déjà reproché d’utiliser trop de médias différents. Mais je retiens cela. Parce que c’est très important pour moi, par exemple… Je ne suis pas très douée pour les couleurs, je trouve. Et une petite vidéo comme celle que nous montrons dans le couloir ici, ce ne sont que des couleurs. Et c’est ce que j’aime dans l’art, c’est que tu peux… Oui, tu as toutes les possibilités et le… Je m’ennuierais si ce n’était pas le cas.

Verena Feldbausch: Tu exploites toutes les possibilités.

Véronique Verdet: Oui.

La deuxième salle : vidéo et sculptures

Verena Feldbausch: J’aimerais passer à la deuxième salle. Tu veux qu’on y aille ?

Véronique Verdet: Oui.

Verena Feldbausch: Bien. Donc ici, dans la deuxième salle, nous voyons d’abord cette œuvre vidéo qui occupe tout le mur. Le titre est : “Le noir et le blanc”. On voit donc des boules noires et blanches qui tourbillonnent ainsi dans tous les sens et qui volent presque. De quoi sont faites ces balles et comment ont-elles été déplacées ?

Véronique Verdet: Ha, les boules sont aussi en pâte à modeler, mais d’une autre sorte que celle utilisée pour les personnages. Elle est encore plus légère. Elle est vraiment légère comme une plume. Et ces milliers de boules, je les ai bien sûr faites moi-même. Et ils ont été déplacés sur un… J’avais une très grande table, blanche, et un cameraman, et je les ai déplacés avec un sèche-cheveux. Et c’est là que nous… Ici, c’est très simple. C’est pratiquement… mes points en trois dimensions. Ce sont donc vraiment les… Ce qui se passe quand les gens, les points ou les billes dérivent, se rassemblent, s’accumulent… et puis presque simplement, ce contraste noir et blanc.

Verena Feldbausch: Il s’agit donc à nouveau de mouvement, de masses aussi. Parce que ce sont… Combien de balles y a-t-il ?

Véronique Verdet: Je ne sais pas du tout.

Verena Feldbausch: Et elles aussi sont à nouveau individuelles, parce que tu les as façonnées à la main. On y voit des petites entailles ou quelque chose comme ça. C’est donc tout naturellement que le titre “Fouloscopie” s’y prête super bien. En outre, on voit aussi dans cette pièce des figures en or. Ils sont un peu plus grands que les personnages sur le piédestal à côté. Ils sont sous des cloches en verre. Ça les rend nobles.

Véronique Verdet: Exactement.

Verena Feldbausch: Et ils sont sur des socles, ils sont éclairés et il y a un tapis orange tout autour. Qu’est-ce qui se passe avec ces personnages ? Donc les personnages s’appellent “les parias”.

Véronique Verdet: Et contrairement aux personnages blancs, ils ont des caractéristiques très claires. Donc elles ont des seins, elles ont des ventres, elles ont des ventres qui pendent. Elles ne répondent en aucun cas à une quelconque obsession de la minceur dictée par la mode. Mais ce sont vraiment des individus pour lesquels tu vois tout de suite : ok, elle est très différente de celle d’à côté. Alors j’ai ici… Certaines ont l’air d’être enceintes ou… Certaines sont même presque difformes. Et les faire en or était pratique pour leur donner une valeur qu’ils n’ont pas autrement. Précisément en raison de ces caractéristiques non adaptées. Donc, justement parce qu’ils sont gros ou, comme je l’ai dit, qu’ils ont des seins qui tombent, ce ne sont généralement pas des critères, que l’on valorise de nos jours. Au contraire. C’est quelque chose que je ressens à notre époque, dans notre société, c’est-à-dire notre société vraiment européenne ou occidentale, où nous vantons ces idéaux de beauté, ces corps créés artificiellement là.

Et là, je voulais justement le contraire. Je veux que ceux qui sortent du rang deviennent de l’or, oui, dorés. Et puis, avec ces cloches de verre et cet éclairage, elles ont quelque chose de muséal, de sacré. J’ai voulu mettre les parias en haut. C’est presque une présentation un peu vieillotte, car la lumière, le spot directement sur eux. Donc c’est un peu plus comme le musée égyptien ou quelque chose comme ça, oui. Et c’est ce que j’aimais, leur donner cette place. Et la couleur sur le sol n’est évidemment pas sans importance. C’est justement, comme je l’ai dit tout à l’heure, que je travaille presque exclusivement en noir et blanc dans cette exposition. Sauf dans le couloir.

Verena Feldbausch: Nous y revenons tout de suite. Donc l’orange n’a pas de signification particulière pour toi maintenant ?

Véronique Verdet: Non. J’aime la couleur.

Verena Feldbausch: Très, très belle pièce calme aussi. C’est presque méditatif ici. Parce qu’il est tellement obscurci que l’on peut bien voir la vidéo. Et puis avec ces spots qui sont sur ces stèles, donc très agréable d’être ici.

Véronique Verdet: J’ai trouvé ça aussi. Et j’ai trouvé cela aussi très beau, le contraste avec l’autre pièce principale, qui est toute claire, blanche… Et puis on arrive ici et on se sent protégé en quelque sorte. Eh bien, je me sens très bien ici aussi. Je trouve ça très bien. Mais c’est fou, non ? C’est vraiment une autre atmosphère.

Verena Feldbausch: Tout à fait différent.

Performance au vernissage

Verena Feldbausch: Intéressant lors de ton vernissage. Tu as proposé aux visiteurs de porter des capes orange, des capes de pluie. Et elles ont été plutôt bien acceptées.

Véronique Verdet: Oui.

Verena Feldbausch: C’était aussi une sorte de performance, pour apporter maintenant de la couleur dans l’autre pièce. Ou pourquoi as-tu fait ça ?

Véronique Verdet: Exactement. Donc, comme tu viens de le dire, je voulais mettre de la couleur dans la pièce. Et puis je voulais aussi que les gens aient la possibilité de faire partie de l’exposition. Et puis j’étais juste très curieuse de savoir comment ça allait fonctionner. Nous l’avons alors rapidement constaté. Ça a marché. La plupart s’y sont mis directement et ont enfilé ces ponchos très bizarres. Et puis je voulais juste voir si des groupes allaient se former ? C’était pratiquement une expérience en direct. Parce que, par exemple, dans ces expériences de fouloscopie qui sont menées, tu as souvent deux groupes. Le rouge et noir ou autre. Et là, nous avions donc ceux qui étaient en civil et ceux qui avaient des ponchos. Il y en avait plus de 50 ponchos, je crois. Et en fait, c’était vraiment, ça a tellement bien marché. Cela a aussi créé directement une atmosphère très différente de celle qui règne habituellement lors des vernissages. Souvent, tu as aussi des vernissages, c’est un peu irrévérencieux. Ce serait trop fort. Mais c’est un peu…

Verena Feldbausch: Peut-être de manière solennelle ?

Véronique Verdet: Oui. Et par le fait qu’ils ont pour ainsi dire enfilé ces ponchos directement à l’entrée du musée, on a directement beaucoup ri et comparé et fait et tout. Et aussi, ce qui était aussi sympa, je trouve, c’était les bruits qui en résultaient. Parce que les ponchos sont faits d’un drôle de film. Et cela a effectivement produit des sons très fins. Mais c’est surtout l’atmosphère qui m’a beaucoup plu. Je pense que je vais réutiliser cette idée. Je l’avais en tête depuis des années. Et c’est là que Frédérique (Steitz) m’a donné la possibilité de le mettre en œuvre. Elle était d’accord. Et nous étions aussi très impatients. Comment ça va marcher ? Et en effet, le soir de l’ouverture, les premiers visiteurs étaient deux dames âgées ici, je crois, de St. Wendel. Et elles ont d’abord un peu regardé. Et puis l’une d’entre elles a dit : “Oui, on y participe, on y participe”. Et vlan, et c’est parti. J’étais très heureuse. Et cela a effectivement dans l’espace blanc, la couleur, c’était tellement impressionnant. Donc tu avais des taches de couleur, et en plus en mouvement. Et ici, dans la salle obscure, c’était super aussi, parce que ça scintillait et ça miroitait.

Verena Feldbausch: Oui, heureusement, beaucoup de photos ont été prises ce soir-là. Je les mettrai aussi sur mon blog.

Véronique Verdet: Ah, c’est bien.

Verena Feldbausch: Alors on peut voir à quoi ça ressemblait ici. Et de toute façon, nous parlons de tes œuvres. Je mettrai les photos sur le blog pour que les gens puissent les regarder.

Véronique Verdet: Oui, très bien.

Le couloir : vidéo et dessins

Verena Feldbausch: Oui, maintenant j’aimerais bien aller dans le couloir avec toi. L’un des travaux est une vidéo, non ? Mais avant de passer au travail vidéo, Véronique nous dit quelque chose sur l’histoire de ses baskets oranges.

Véronique Verdet: Exactement, j’ai une petite manie. Pas toujours, mais presque toujours pour mes propres vernissages, je m’offre des chaussures. Et cette année, ils devaient être orange. C’est clair.

Verena Feldbausch: C’est très clair. Au couloir du Musée St. Wendel, il y a maintenant un travail vidéo qui montre un voyage en train.

Véronique Verdet: Oui, plusieurs.

Verena Feldbausch: Plusieurs voyages en train. Peux-tu me dire quelque chose à ce sujet ?

Véronique Verdet: Je prends assez souvent le train et depuis des années, je filme. Jusqu’à présent, je n’en ai jamais fait quelque chose dans ce sens. Mais ici, dans l’exposition “Fouloscopie”, je voulais aussi justement montrer des gens en mouvement, des gens qui vont quelque part, des gens qui arrivent, des gens qui partent. C’est ce que je voulais montrer. Mais même ainsi, comme pour les figurines, ils sont invisibles dans la vidéo. Alors là, je voulais juste les situations. Et on les comprend directement. De ceux qui marchent, des valises, de ceux qui se rencontrent, de ceux qui s’embrassent. Et j’ai fait un montage. Et cela apporte aussi de la couleur, ce dont nous avons parlé tout à l’heure. C’est aussi quelque chose, comme je l’ai dit, que je n’utilise pas d’habitude. Donc pas de manière classique. Donc sur de la peinture ou du papier ou autre. Rarement. Et j’en avais envie. Et c’est pourquoi j’ai parfois utilisé des couleurs un peu plus vives. Des valises roses, rouges et un ciel bleu. Et là j’aime bien quand le paysage défile. Et tu t’assois quelque part et ensuite, soit des gens, soit des paysages défilent. Et c’est une image qui m’interpelle.

Verena Feldbausch: Cela s’intègre bien dans le thème de l’exposition. Et à côté, on voit encore des dessins. C’est probablement aussi de l’encre sur papier. Et il y a des accents de couleur dessus aussi. Eh bien, elles aussi ressemblent presque à des couleurs fluo. Celles-ci, sont-elles peintes au pinceau ?

Véronique Verdet: Oui.

Verena Feldbausch: C’est une partie et l’autre ont des drapeaux de couleur.

Véronique Verdet: Exactement. Donc les dessins avec les accents de couleur orange, je l’ai fait spécialement pour l’exposition ici maintenant. La couleur est de l’encre de Chine et est accompagnée d’un geste. Je voulais rompre un peu avec le noir et blanc austère. Parce que ce travail, c’est-à-dire le dessin de la fouloscopie, que ce soit en rouleau ou sur des formats plus petits, est un travail très précis, pointilleux, un peu méditatif peut aussi être, en effet, mais qui nécessite beaucoup de calme et qui est aussi très agréable, justement dans ce calme et dans ce temps. Ça prend énormément de temps. Et c’est ce que je voulais briser, briser pour moi aussi, en y apportant d’un geste une couleur comme ça. Et puis j’ai placé mes points tout autour.

Verena Feldbausch: Donc tu as commencé par le geste et puis tu as…

Véronique Verdet: Oui. D’abord un petit essai, puis j’ai réalisé : Oh oui, j’aime ça, j’aime ça tout simplement. Ça a un côté vivant. Pour moi, cela a un côté vivant, un geste fort. Et j’ai trouvé ça intéressant. Et c’est justement de là qu’est né ce cycle de 10 épisodes. Et justement, et en face, nous avons des cadres d’objets, relativement profonds, je crois 5 cm. Et donc, ce sont aussi de la série Fouloscopie. Et ce sont pour moi, parce que parfois j’en parle aussi comme d’une cartographie fictive, je dirais. Parce que, comme tu l’as dit aussi tout à l’heure, on peut aussi y voir des paysages. Et j’ai eu cette idée. Et puis je me suis dit que si je travaillais avec des drapeaux, c’est-à-dire des drapeaux de marquage tridimensionnels, alors je soutiens cette idée d’une carte, d’une carte géographique. Mais peut aussi évoquer des associations tout à fait différentes. Certains voient donc directement quelque chose de militaire. Ce qui n’était pas ma première pensée. Ma pensée allait vers plus de territoires, de frontières, de cartes. Mais pas nécessairement dans le sens des partis, c’est-à-dire des militaires. Mais aussi intéressant.

Verena Feldbausch: Oui. Et aussi, c’est lié, non ? Quand on fixe des limites.

Message sociétal et espaces de réflexion

Verena Feldbausch: Quel message ou quel sentiment veux-tu transmettre aux visiteurs ici à l’exposition de St. Wendel ? Ou est-ce que ton but est plutôt d’ouvrir des espaces de réflexion au spectateur avec ton art ? Pour voir aussi les réalités sociales ou politiques sous un autre angle ?

Véronique Verdet: Plutôt comme ça. C’est très important pour moi. Et je suis toujours très heureuse quand les gens me racontent ensuite ce qu’ils voient. Je vais livrer le mien. C’est aussi cette façon de faire, par exemple, ce rouleau de dix mètres de long qui, pendant des mois a bien sûr pris du temps, c’est aussi ma façon de faire face à tout ce qui se passe dehors. Donc il y a des millions de pensées de moi dedans, mais ce sont les miennes. Et je suis très heureuse quand les gens voient eux-mêmes quelque chose de complètement différent que moi ou interpréter et ainsi de suite. Mais je ne veux pas trop m’expliquer moi-même. J’aime que les gens se présentent eux-mêmes, comme tu l’as dit, au spectateur et à la spectatrice. L’espace, c’est très important pour moi.

Influences artistiques et projets futurs

Verena Feldbausch: Y a-t-il des artistes qui t’ont inspiré dans ton travail ou des productions, qui te marquent particulièrement ?

Véronique Verdet: Inspirée je ne sais pas, mais il y a bien sûr beaucoup d’artistes que je trouve super. Quand j’étais enfant, j’ai eu une révélation : Giacometti. J’ai découvert Giacometti quand j’étais enfant, parce que j’ai grandi dans le sud de la France et que nous avons la chance inouïe d’avoir la Fondation Maeght à proximité. Et en effet, ma mère nous emmenait régulièrement, ma sœur et moi, au musée ou à la Fondation, et il y a justement ces Giacomettis incroyables dans la cour. Je ne les oublierai pas.

Tu sais, c’est comme, alors ça m’a vraiment fait plaisir quand j’étais petite, il y a aussi des Miros dans le jardin, elles sont magnifiques. Alors l’oiseau de lune est là, je l’aimais aussi. Donc vraiment au premier abord aussi, mais pas comme Giacometti. Et je crois que ça m’a vraiment marqué. Je ne veux surtout pas me comparer, oui. Mais tu sais, cette façon de réduire, de réduire et d’en faire le moins possible. C’était mon premier grand amour artistique.

Et puis, il y en a tellement. Et j’y suis aussi, tout comme j’utilise des médias très différents, j’aime des gens très différents, je crois. Je ne veux pas me fixer sur une direction. Et en ce moment, j’aime tellement Céleste Boursier-Mougenot. Il était autrefois au Centre Pompidou à Metz et il est maintenant à Paris, il a de nouveau un énorme spectacle avec ces travaux, qui sont magnifiques. Ce sont des bassins d’eau géants comme ça et il y a des assiettes qui se rencontrent. C’est dans la Bourse de Commerce du Pinault. C’est magnifique, ce bassin d’eau bleue et de céramique blanche et tout. Ils nagent dehors et je crois qu’ils font aussi du bruit.

Il l’a montré une fois à petite échelle, à Metz. Et c’était, à petite échelle c’était déjà, je suis restée assise là pendant des heures. Vraiment comme ça. Et certaines personnes trouvent cela tellement gimmick-art, j’ai lu aujourd’hui encore. Je me suis dit, non, c’est trop strict pour moi. Je ne suis pas d’accord avec le fait de considérer cela comme un gimmick-art, il fait juste avec si peu de moyens. C’est de l’eau et de la céramique – c’est fait. Et puis, il y a aussi des groupes qui se forment et ces bruits subtils. Magnifique. Vraiment merveilleux.

Verena Feldbausch: Là aussi, nous mettons le lien dans les shownotes pour que l’on puisse le regarder, parce que je suis moi aussi totalement fascinée par les images que j’y ai vues.

Véronique Verdet: Oui, c’est super.

Verena Feldbausch: Quels sont tes futurs projets ou thèmes que tu aimerais encore explorer dans ton travail artistique ?

Véronique Verdet: En fait, j’ai pris goût à la vidéo. Parce que cette fois, c’était la première fois que je faisais tout ça toute seule. Donc parce que, par exemple, pour les boules, j’ai aussi eu de l’aide pour le montage. Et je pense que les prochains temps, je vais l’utiliser pour monter en même temps que ma propre composition. Ce que nous avons ici à St. Wendel est sans son. Mais je pense que je vais aller un peu dans cette direction et sonoriser moi-même la vidéo. J’en ai vraiment envie. De toute façon, j’ai encore envie de faire du son. Parce que cela prend aussi beaucoup de temps. Donc, quand je fais du son, je ne fais que du son. Parce que c’est très, tu dois être très concentrée et tout. Mais c’est amusant.

J’aime beaucoup faire du son. Mais concrètement, il s’agit d’un projet dans un Conseil fédéral. Et plus précisément le 3 juillet, une exposition avec Armin Rohr, Malgorzata Sztremer et moi-même ouvre ses portes au Conseil fédéral. Parce que cette année, la Sarre, donc notre ministre-présidente, Mme Rehlinger, est la présidente du Bundesrat. Et chaque pays organise une exposition. Et elle voulait mettre l’accent sur le Triangle de Weimar, c’est-à-dire l’Allemagne, la Pologne et la France.

C’est pourquoi Andreas Bayer a fait appel à nous trois et nous exposons donc ensemble. Je suis très impatiente. Et l’année prochaine, peut-être encore ce projet en Suisse. Oui, donc c’était un appel d’offres pour des artistes d’Allemagne et de Suisse qui ont un lien quelconque avec le lac de Constance. Et comme mes grands-parents allemands ont vécu au bord du lac de Constance, j’ai un lien fort avec cette région. Et c’est une région où de très nombreux artistes ont vécu pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Il y a donc déjà beaucoup d’affinité artistique. Cette association veut maintenant présenter des travaux en plein air, des sculptures, sur les rives allemande et suisse. Il est fort probable que j’y travaille aussi avec le son. Mais pour l’instant, la mise en œuvre s’avère plus difficile que prévu. Et c’est pourquoi j’espère que ça va marcher.

Verena Feldbausch: Dans ce cas, je te souhaite bonne chance et je suis très impatiente. Mais dis-moi, je t’ai peut-être mal présenté. Tu as des grands-parents allemands. Tu es donc franco-allemande ?

Véronique Verdet: Oui, donc j’ai grandi en France. Ma mère est allemande, mes grands-parents étaient allemands. Et ils étaient le côté artiste de la famille. Et mon côté français, ce sont les juristes et les Allemands, justement, les artistes. Et c’est pourquoi j’ai toujours été en contact avec l’art et la vie d’artiste. Et des difficultés avec ça. C’est malheureusement très connu dans la famille. Mais en ce moment, j’ai une exposition avec mes grands-parents au musée d’art de Singen, au bord du lac de Constance. C’est une exposition vraiment complète de l’œuvre des deux grands-parents. Et on m’a mis à disposition une petite pièce comme contraste contemporain. Et là, je suis très heureuse. J’étais très sceptique. Mon grand-père s’appelait Walter Herzger. Et ce dernier était un élève du Bauhaus. Il a étudié au Bauhaus. Chez Klee, par exemple. Et ma grand-mère s’appelait Gertraud von Harlessem et elle avait été étudiante au Burg Giebichenstein. Et ils habitaient alors à Brême. Et à cause de la guerre, elle s’est installée au lac de Constance parce que des artistes y vivaient déjà sur l’île de Höri. Et puis ils sont restés là-bas après la guerre.

Verena Feldbausch: Et comment s’appelle l’exposition déjà ? Que nous le rappelions brièvement aussi.

Véronique Verdet: Donc l’exposition des grands-parents s’appelle “L’art de la simplicité” et ma partie s’appelle “Masses, frontières et territoires”. Au musée d’art de Singen jusqu’à fin août ma partie et les grands-parents un peu plus longtemps. Et surtout, cela m’a fait très, très plaisir, parce que ma grand-mère, c’est de l’histoire classique et tragique. Son mari ne voulait pas qu’elle fasse aussi de l’art. Il ne voulait pas, c’est tout. Et elle pensait qu’il était bien meilleur de toute façon. Et pendant un certain temps, elle a subvenu aux besoins de la famille. Et ne pouvait plus travailler. Et elle ne faisait plus de travail artistique. Et à un moment donné, quand la situation s’est améliorée, il a été professeur à Karlsruhe pendant un certain temps. Après, ça allait un peu mieux. Mais elle n’a pas pu continuer à travailler pendant des dizaines d’années.

Verena Feldbausch: Elle n’a pas travaillé comme artiste. Elle s’est occupée de la famille. Et financé la famille.

Véronique Verdet: Incroyable. Et elle n’était pas la seule. Il y avait donc, comme je l’ai dit, des gens qui vivaient sur Höri. Par exemple, Dix y vivait aussi et Erich Heckel. Une grande colonie d’artistes, donc. Et il y en avait un autre, je ne me souviens pas de son nom. Et c’était la même chose. La femme était une artiste, l’homme aussi. Mais elle est avec ma grand-mère, elles sont allées tous les jours en Suisse, à l’usine de machines à coudre et ont travaillé à la chaîne. Ou à la conserverie ou je ne sais quoi.

Verena Feldbausch: Heureusement, les choses changent un peu. Et justement, c’est très bien que tu sois dans cette exposition avec tes grands-parents. Je trouve que c’est une bonne chose aussi.

Véronique Verdet: C’est ce qui s’est passé il y a des années dans ce petit musée Hermann Hesse. C’était aussi une belle chose. C’est-à-dire que les grands-parents avaient, pendant le Troisième Reich, ils se sont réfugiés ensemble en Italie. Et ils ont travaillé ensemble. Il n’avait pas encore de problème avec ça, le grand-père. Et ils avaient des journaux intimes tenus ensemble. Avec des aquarelles, des dessins, des textes. Magnifique. C’est vraiment magnifique qu’il y ait quatre bandes. Et c’est de cela que l’exposition a été faite. À l’époque, la conservatrice avait produit, comment dire, des reproductions. Et j’y avais deux petites pièces pour mon travail. Et ça aussi, c’était passionnant. Mais cette fois, c’est différent. Parce que cette fois, le travail de ma grand-mère a été très apprécié. Et très bien montré.

Verena Feldbausch: Heureusement, elle est aussi conservée telle quelle. Je veux dire, beaucoup de choses ont été détruites pendant la guerre. Ou ça n’a pas été correctement conservé ou quoi que ce soit. Oui, c’est toujours une chance quand cela est préservé. Merci beaucoup, Véronique. Très belle conversation.

Véronique Verdet: C’est moi qui te remercie.

Conclusion et perspectives

Verena Feldbausch: C’était un aperçu du monde fascinant de l’art de Véronique Verdet. Nous n’avons pas seulement parlé de l’exposition “Fouloscopie” au musée de Sankt Wendel. Mais j’ai aussi trouvé très intéressant d’apprendre comment elle voit le monde, quelles perspectives elle nous montre à travers son art, de quelle famille d’artistes elle est issue et quels sont ses projets d’avenir. Cela vaut vraiment la peine de se rendre au musée de Sankt Wendel. L’exposition de Véronique est visible jusqu’au 6 juillet. Merci beaucoup de nous avoir rejoints aujourd’hui. J’attends avec impatience le prochain épisode de l’art talk SaarLorLux. D’ici là, votre Verena Feldbausch. As-tu aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les shownotes et sur notre blog. Sois de nouveau de la partie lorsque nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.

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Der Beitrag #26 art talk – Véronique Verdet à propos de son exposition « Fouloscopie » erschien zuerst auf Trailer d'art Verena Feldbausch.

#25 art talk – Cone The Weird

Verena — Sun, 25 May 2025 05:19:48 +0000

Cone The Weird

Cone The Weird est l’une des figures les plus marquantes de la scène de l’art urbain contemporain en Allemagne. Né en 1979 à Munich, Cone The Weird, alias Colin Kaesekamp, a développé très tôt un intérêt pour le graffiti, la bande dessinée et les arts visuels. De cette interface entre la rue et l’atelier est né un style bien à lui, reconnaissable entre tous : surréaliste, ironique, techniquement précis – et toujours avec une pointe de mystère. Pour sa première exposition individuelle depuis 2017, intitulée SAMPLES, Cone The Weird présente des œuvres sur papier, sur toile et une peinture murale. L’exposition est à voir jusqu’au 29 juin à l’Institut für aktuelle Kunst de Sarrelouis.

Photo Credits:

1, 2, 7 by Leonie Stark @leoniesinas for @institut_aktuelle_kunst
3.,6,8,9,10,11 Cone The Weird @conetheweird
4, 12 VF @arttrailervf

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Portrait d’artiste : Cone The Weird – L’univers surréaliste de Colin Kaesekamp

Nom : Colin Kaesekamp
Nom de l’artiste : Cone The Weird
Année de naissance : 1979
Lieu de naissance : Munich
Lieu de résidence : Sarrebruck
Collectif : The Weird

Un artiste entre les mondes

Colin Kaesekamp, plus connu sous le pseudonyme de Cone The Weird, est l’une des figures marquantes de la scène artistique urbaine contemporaine en Allemagne. Né à Munich en 1979, Cone s’intéresse très tôt au graffiti, à la bande dessinée et aux arts visuels. Cette interface entre la rue et l’atelier a donné naissance à son propre style, unique en son genre : surréaliste, ironique, techniquement précis – et toujours avec une touche d’abyssal.

Style et thèmes

Cone The Weird est un conteur d’histoires. Son style se caractérise par une ligne graphique forte, des contrastes de couleurs vifs et un langage visuel surréaliste rappelant les bandes dessinées, les dystopies et les paysages de rêve.

Sur le plan thématique, Cone oscille entre la critique sociale, l’humour noir et le symbolisme introspectif. Ses œuvres soulèvent des questions sur l’identité, le masquage, l’urbanité et l’aliénation – souvent présentées sous la forme de figures grotesques aux attributs animaux ou mécaniques.

The Weird – un collectif culte

Cone est l’un des membres fondateurs du célèbre collectif d’artistes The Weird, qui se compose d’un groupe d’artistes urbains illustratifs d’Allemagne et d’Autriche. Il compte parmi ses membres des artistes tels que Low Bros, DXTR, Nychos et Look. Ensemble, ils combinent une esthétique détaillée avec des racines street art et un penchant pour l’étrange.

Cone joue un rôle particulier au sein du collectif : ses contours clairs et son imagerie narrative se distinguent sans se détacher de la structure stylistique du collectif. Il en résulte souvent des œuvres murales de grand format dans lesquelles chaque artiste apporte sa signature individuelle à un ensemble collectif.

Expositions et travaux

Cone The Weird a exposé à l’échelle internationale et ses peintures murales ornent les murs de nombreuses villes européennes, dont Berlin, Hambourg, Vienne et Barcelone. Outre son travail dans les espaces publics, Cone est également présent dans les galeries, que ce soit avec des œuvres mixtes, des dessins ou des tirages d’art en édition limitée.

Il travaille également comme illustrateur et graphiste. Les travaux qu’il a commandés comprennent des pochettes d’album, des affiches de festival et des illustrations de livres – toujours avec sa signature distinctive et surréaliste.

Conclusion

Colin Kaesekamp, alias Cone The Weird, est l’exemple d’une génération d’artistes urbains qui ont sorti le graffiti et l’art de la rue de la sous-culture pour les faire entrer dans le canon de l’art contemporain. Avec un trait fin, un humour acéré et un sens aigu de la composition, il crée des mondes dans lesquels l’absurde est la vie de tous les jours – et la vie de tous les jours est absurde. Son art est une invitation à l’émerveillement, à la pause et à la remise en question – au milieu de la frénésie urbaine.

Autres liens

Website of Cone The Weird: https://www.conetheweird.de/
Instagram: https://www.instagram.com/conetheweird/
Facebook: https://www.facebook.com/theweirdcone/

Lire la suite de l’entretien avec Cone the Weird

Verena Feldbausch: Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les curateurs et les artistes là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participez aux discussions en galerie, aux inaugurations d’exposition et aux finissages. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Bonjour et bienvenue dans ce nouvel épisode de l’art talk. Nous sommes aujourd’hui à Sarrelouis, et plus précisément à l’Institut für Aktuelle Kunst et nous attendons avec impatience l’exposition de Cone The Weird. L’exposition s’intitule Samples. Ce que cela signifie exactement, nous allons le découvrir à la suite. Je vous souhaite beaucoup de plaisir à l’écouter. Votre Verena Feldbausch.

Je suis très heureuse d’accueillir Colin Kaesekamp. Bonjour Colin.

Colin Kaesekamp: Bonjour.

Le nom d’artiste “Cone The Weird”

Verena Feldbausch: Ton nom d’artiste est “Cone the Weird”. Comment en est-on arrivé là ?

Colin Kaesekamp: “Cone” est en fait mon pseudonyme, que j’utilise depuis… donc j’ai commencé le graffiti à 13 ans en 93, c’est-à-dire il y a longtemps. Et oui, c’est comme ça, on change, on pense de changer son pseudonyme. Mais cela ne s’est pas fait.

“The Weird” est le nom d’un collectif d’artistes dont je suis l’un des dix membres. Et à un moment donné, je l’ai fait fondre comme mon nom d’artiste, parce que Cone est aussi relativement générique.

C’est aussi un peu lié au fait d’être recherché, quand on tape Cone et Graffiti, donc il y a certainement des Cones au monde dans le domaine du graffiti. Ou alors, lors de la recherche d’images, on trouve, bêtement, des tas de cornets de glace ou des joints, ca aussi, exactement. Et “Cone the Weird” est très clair et on sait de quoi il s’agit ou de qui il s’agit.

Verena Feldbausch: Oui, très bien.

Le titre “Samples”

Verena Feldbausch: Ton exposition s’appelle “Samples”. Cela signifie “échantillons, spécimens, exemples”. C’est ainsi que je le traduirais ou comment le traduirais-tu ?

Colin Kaesekamp: Je suis très passionné par la musique, et je l’ai toujours été. pour moi, en fait – donc la traduction est correcte – mais je me réfère plutôt aux samples de la musique.

Donc justement dans la culture hip-hop, qui se base sur les samples, alors ils jouent un grand rôle. Cela signifie aussi que le sampling, c’est-à-dire des morceaux de musique existante, peuvent être utilisé, modifiées ou utilisées de manière différente afin de créer quelque chose de nouveau. Et c’est un principe que j’applique ici aussi dans mes œuvres, que j’utilise souvent dans mes travaux.

C’est pourquoi Andreas Bayer, de l’Institut, qui a trouvé le nom pour l’exposition. En fait, c’est très clair, mais c’est court, c’est percutant, ça a marché.

Verena Feldbausch: C’est beau ! L’exposition ici à l’Institut d’art actuel de Sarrelouis est ta première exposition individuelle depuis 2017.

Exploration de la peinture murale

Verena Feldbausch: Nous voyons des dessins sur papier, sur toile et également cette peinture murale. De quoi s’agit-il pour toi ? Alors peut-être on va d’abord aller voir la peinture murale ?

Colin Kaesekamp: Oui, la peinture murale, c’est quasiment une collection de samples, si on peut dire, c’est-à-dire des éléments qui reviennent sans cesse dans mes tableaux. Ceux qui suivent mes travaux savent que je viens de la culture graffiti, mais que j’ai aussi travaillé dans d’autres disciplines du design et dans le domaine de l’illustration.

Ici, sur cette peinture murale, on voit justement différents éléments que l’on retrouve sur diverses images ici dans la salle, qui ont été réalisées au cours de ces dernières années. Et l’exposition ici est en fait née de la demande de l’Instituts de m’accueillir ici avec mon travail dans les archives. C’est bien sûr aussi un honneur et je m’en suis réjoui, parce que c’est aussi un moyen pour les artistes de se faire connaître.

Je ne suis pas habitué à être représenté dans des adresses et des maisons comme celle-ci. Et puis, il y a eu la demande d’exposition. Et puis j’ai pensé, le mur attirera certainement l’attention, justement parce qu’il se trouve ici, dans l’entrée, notamment par le positionnement et le format lui-même.

Dans ce cas, il serait en fait logique d’utiliser ici aussi une sélection de ces échantillons/samples comme motif d’image. C’est fait également dans la technique de dessin, pour moi cela signifie en fait toujours des couleurs réduites, comme pour un dessin, simplement un moyen de dessin, une couleur et ensuite au lieu du support papier ou toile, ici le mur lui-même.

Verena Feldbausch: Voici encore une petite remarque, tous les œuvres dont nous parlons ici se trouvent en illustration sur mon blog art talk SaarLorLux.

L’univers visuel

Verena Feldbausch: Et maintenant, passons aux travaux précoces, ou aux travaux que je connais. Ton univers visuel est donc aussi marqué par la figure. Je pense maintenant à 2017, au travail dans le parcours d’art urbain à Sarrebruck, dans la Futterstraße, près du cinéma Camera Zwo. Et là, il y a donc, à part des deux personnages, beaucoup de lignes, de hachures, de très nombreux détails. Et typiquement pour ton travail pendant cette période est en effet le renoncement à la couleur. Je pense que c’est noir sur du gris, du gris foncé. Et je crois qu’il y a des bandes argentées ?

Colin Kaesekamp: Blancs.

Verena Feldbausch: C’est donc similaire à ces deux toiles ici. Sont-ils aussi de cette époque ?

Colin Kaesekamp: Elles sont aussi de l’époque, oui. Donc je crois qu’une a été faite un an plus tard.

Fascination pour le figuratif

Verena Feldbausch: Et ce qui te fascine-t-il dans le figuratif ?

Colin Kaesekamp: Donc je pense le figuratif vient simplement en général aussi de la période avant le graffiti, parce que j’avais déjà accès, comme enfant, à des livres, des livres illustrés, mais aussi à des bandes dessinées.

Donc ça veut dire – plus les collections de vinyles -, donc il y avait aussi ce côté visuel, j’aimais regarder des bandes dessinées parce que je ne savais pas encore lire. Ou dans ces livres illustrés de mon père, par exemple, qui avait alors beaucoup de livres sur les civilisations avancées. Que ce soit du Moyen Âge ou les anciens Égyptiens, que ce soit sur les vêtements ou, je ne sais pas, peut-être aussi l’architecture ou, plus généralement, l’imagerie culturelle.

Ou, je m’en souviens aussi, c’était de mon grand-père, je crois, un vestige de l’après-guerre, il y avait des petites cartes illustrées dans les paquets de beurre, des petites cartes qui avaient souvent des motifs bibliques, mais aussi parfois très dérangeantes, un bûcher de sorcières par exemple. Et en tant qu’enfant, c’est très spécial en tout cas.

Et quand j’ai commencé à faire des graffitis, c’était comme ça, que d’une part, les inscriptions m’avaient déjà intéressé, mais aussi le figuratif. Je voulais donc absolument pouvoir faire les deux. Et il y avait justement quelques artistes qui maîtrisaient bien les deux.

Et puis avec le temps, c’est comme ça que je me suis remis en question, ce que j’ai fait comme graffiti, de plus en plus, parce que je n’étais pas un taguer de Graffiti classique, c’est-à-dire que de sortir illégalement, de faire de la quantité pour mettre le nom en grand partout, mais simplement, peut-être faire des motifs d’images plus complexes ou que le personnage était plus important pour moi.

parce que ce n’est pas quelque chose qui peut être déchiffré par un cercle restreint, mais qui s’adresse vraiment à tout le monde de la même manière. Que ce soit des enfants, des retraités, tout ce qui se trouve entre les deux, si on avait déjà eu des contacts avec des graffiti et des cultures du graffiti ou pas. Le figuratif est tout simplement plus lisible.

Et l’aspect physique, ou encore cette série d’autoportraits qui se sont produits, est venue de l’intérieur et puis aussi, je dirais, au début des années 2000, quand le street art a commencé à se développer, à coté de la culture du graffiti, où les motifs figuratifs occupent une place plus importante.

Et on a constaté qu’un personnage ou graphique de signature était très souvent utilisé. Un peu comme les tags dans les graffitis ou le nom qui est répété à l’infini, un motif ou des variations de ce motif qui reviennent sans cesse et qui, justement là encore, la force de la série permet d’attirer l’attention des gens et de les inciter à s’y intéresser peut même s’en souvenir.

Influences et inspirations

Verena Feldbausch: Ce qui me frappe aussi, c’est ce tampon. Je connais cela des artistes japonais qui travaillent aussi de cette manière avec des tampons.

Colin Kaesekamp: En fait, c’est aussi lié à cela. J’ai effectivement reçu des tampons en cadeau, y compris de la part d’artistes de Hong Kong par exemple. Mais je n’ose pas trop, même s’ils ont quasiment écrit mon nom en caractères chinois et m’ont offert ce tampon.

Je dois avouer que je n’ose pas vraiment, car je ne viens pas de la même culture. Je n’ai pas l’habitude d’utiliser ce genre de choses. Et je pense aussi que c’était une sorte de tâtonnement pour savoir comment ou dans quelle mesure on fait sa signature.

Et je dois avouer que jusqu’à présent, je n’ai pas de série à une main. De temps en temps ce sont des tags de graffiti, que je continue à faire, ou j’écris le nom en majuscule, ou fais-le à la manière d’un tampon, comme ici sur la toile.

Verena Feldbausch: Tu as aussi signé le mur ici ?

Colin Kaesekamp: Non, je ne l’ai pas dit. Il m’arrive aussi de ne pas signer du tout. J’espère que le travail en lui-même est suffisamment marquant pour être clairement attribué.

Verena Feldbausch: Sans aucun doute. Tu as développé un langage visuel très inhabituel et original, que l’on reconnaît facilement. Il rappelle les bandes dessinées et les illustrations fantastiques. Je pense aussi au magazine Mad, honnêtement, quand je vois certaines dessins ici. Tu combines justement les éléments du roman graphique et du graffiti dans ton travail. Quel genre de roman graphique te passionne aujourd’hui ?

Inspirations de romans graphiques et de bandes dessinées

Colin Kaesekamp: Boah, il y en a tellement. Le truc, c’est que je trouve cette catégorisation un peu stupide. Il y a donc toujours cette évaluation entre le roman graphique a de la valeur culturelle, le contenu est plus sérieux que celui de la bande dessinée que l’on trouve à la gare.

Les deux ont donc des tonnes d’exemples de travaux vraiment grandioses, mais aussi d’assez mauvaises choses. Dans l’art en général, c’est le cas et je suis aussi dans ce domaine… Alors je ne suis pas trop mal à l’aise de faire du graffiti, je suis aussi souvent actif dans un milieu du graffiti.

De même, pour moi, c’est de Urban Art ou de faire partie d’un groupe d’art urbain, comme ici peut-être, de manière presque générale dans le contexte de l’art. Pour revenir à ta question : J’aime aussi ce spectre, tu as mentionné ce magazine Mad que nous avons en fait, quand j’étais enfant et adolescent, je les ai collectionnés pendant un certain temps.

Donc, cela a certainement laissé des traces. Mon père avait aussi des bandes dessinées du mouvement underground des États-Unis, donc Robert Crumb est un très célèbre représentant. Les bandes dessinées heavy metal, elles sont arrivées un peu plus tard.

Je pense aussi que beaucoup ne sont pas les bandes dessinées elles-mêmes, mais plutôt quelque chose de l’ordre de la bande dessinée, que l’on retrouve également dans la culture des jeux vidéo par exemple. Et bien sûr, dans le graffiti, les personnages de BD ont toujours été soit eux-mêmes créés ou cités.

Qui me vient spontanément à l’esprit dans le domaine du roman graphique est de Belgique, Brecht Evens. C’est un artiste qui m’a beaucoup plu, je l’ai suivi de près pendant un moment. Mais je connais aussi des classiques comme “Ghost World” ou “Maus” aussi, bien sûr.

Verena Feldbausch: Nous vous donnons ensuite les liens dans les shownotes. Vous pourrez ainsi regarder ces artistes.

Colin Kaesekamp: Avec plaisir.

Racines du graffiti et modèles

Verena Feldbausch: Tu l’as déjà dit, tu as commencé à faire des graffitis à 13 ans. C’est tôt.

Colin Kaesekamp: C’est vrai.

Verena Feldbausch: Tu t’es souvent fait prendre ?

Colin Kaesekamp: En fait, pas du tout lors de la création de graffiti elle-même. Pour d’autres bêtises, oui.

Mais je dois aussi avouer que j’ai aussi peint illégalement, mais cela restait limité. Parce que j’ai pris conscience très tôt que j’ai grandi qu’avec ma mère, elle est responsable de mes bêtises.

Et d’autre part, je dois aussi avouer que, même si les actions ont été couronnées de succès, j’étais souvent moins enthousiasmé par mes motifs. Et l’euphorie d’avoir réussi le graffiti est retombée.

Et je me suis inspiré de modèles qui ont tous produit des œuvres de très grande qualité, mais aussi ou surtout dans un contexte légal. Je savais aussi que je n’étais pas parmi ceux qui travaillent vite et peut-être aussi de penser et travailler trop complexes.

Et puis, à un moment donné, il faut bien se rendre à l’évidence. Alors à qui faut-il prouver quelque chose, si ce n’est à soi-même.

Verena Feldbausch: Et quels sont les artistes de graffiti qui te servent de modèles ou que tu admires beaucoup ?

Colin Kaesekamp: Je viens de Munich et à Munich il y avait vraiment très tôt une énorme palette d’artistes internationaux. On peut donc citer Loomit en premier lieu. C’est un artiste de graffiti de première génération d’Europe, qui a également vécu et travaillé à Munich et qui a très, très tôt pratiqué le travail en réseau.

Cela a ensuite conduit à ce que, même avant l’époque d’Internet et en conséquence, oui, des canaux de communication, il n’a pas seulement rendu visite aux gens, mais les a aussi invité à Munich. Il y avait l’ancien aéroport de Munich-Riehm, qui était aussi l’un des premiers endroits où de grandes murales, c’est-à-dire dès le début des années 90.

Et, de ce fait, des peintres comme Monto vivant à Londres ou à Paris, ou encore je crois même qu’il est maintenant à Berlin. En tout cas, c’est un autre Européen de la première génération qui est aussi une belle exemple, pour quelqu’un qui était très bon en écriture de style, très bon en peinture de personnage et surtout, que j’avais appris à connaître à nouveau, notamment par le biais de pochettes de disques.

Il a souvent travaillé pour des jams hip-hop, c’est-à-dire des concerts, où il n’y a pas que de la musique, mais aussi le breakdance, la danse ou le DJing, ou encore le graffiti était représenté en tant que forme d’art visuel sous forme des tableaux peints pendant la journée, qui ont ensuite servi de décors de scène.

Mais aussi un couple de frères qui a beaucoup de succès du Brésil, Os Gemeos, qui font vraiment partie des artistes les plus populaires du pays dans le contexte du graffiti. Ils étaient par exemple déjà présents là très tôt.

Et oui One et Cowboy, c’était un tel duo. One était aussi un très bon artiste qui, très tôt, a reçu beaucoup d’éloges et d’attention de la part de l’académie, qui, jusqu’à aujourd’hui, devrait au moins être connu dans tous les milieux du Graffiti.

Donc on était déjà vraiment riche en, comment dire, artistes locales, mais aussi d’artistes allemands ou internationaux. C’est pourquoi que c’était un grand moment à Munich à l’époque.

Nouvelles œuvres et perspectives futures

Verena Feldbausch: On va peut-être voir les pochettes de disques.

Colin Kaesekamp: Oui, donc c’est aussi, je dirais, une pièce spéciale de l’exposition, qui était aussi pour moi thématiquement très important de montrer ici.

Ce travail est très différent des autres, car c’est le seul travail multicolore que l’on peut voir ici, mais qui joue justement pour moi un rôle clé dans mon travail, parce qu’il était en fait, presque comme le Sonnentor que l’on voit au verso, justement un point de rupture, parmi les travaux réalisés jusqu’alors, justement ces travaux en noir et blanc ou les séries grises, dans lesquelles le personnage a toujours joué un rôle central, et qui ont ensuite évolué vers des motifs partiels plus fragmentés, présentés en séquences, qui sont ensuite presque des collages.

C’était aussi le cas ici, c’est le numéro trois d’une trilogie d’albums d’un musicien qui fait du hip-hop instrumental. J’avais déjà conçu la deuxième partie de l’album pour lui et pour lui, c’était clair, la troisième partie est la conclusion de cette trilogie, qui a bien créé une sensation dans son milieu de l’art.

Il voulait tout simplement que cela se sache, que ça se termine vraiment en fanfare. Pour moi, c’était aussi un défi, de montrer tout cela visuellement.

Ensuite, il m’a montré une image d’un prêtre vaudou, que l’on voit lors d’une danse rituelle. Et cela lui a plu et il a demandé si nous pouvions construire l’image pour la pochette sur cette base.

Et j’ai essayé d’utiliser sa musique qui se servait aussi de samples, mais qui était pour lui aussi une fin de l’époque des samples, et une orientation vers des compositions originales, et aussi vers un propre label, qui était justement aussi comme Wave Planet, justement ce planétaire, ce cosmique, peut-être aussi ce sphérique, des sons de synthétiseurs qui ont fait leur entrée dans son travail, que cela soit également visualisé.

C’est pourquoi on voit en fait sur le recto cette pochette une scène d’un prêtre, pourrait-on dire, ou d’un guérisseur. Je ne voulais pas non plus l’attribuer clairement à une culture, un peu comme également son sampling ou ses historiques de sampling dans le hip-hop.

Il y a donc toujours des époques, là aussi. Au début, c’était plutôt de la soul, du funk, du jazz des États-Unis. Plus tard, il y a eu une vague où beaucoup de choses ont été samplées depuis le Brésil ou la musique sud-américaine en général. L’afrobeat a donc aussi trouvé son temps.

Et c’est pourquoi, en fait, c’est un peu comme Mad Max, vous avez des morceaux, des détails d’éléments de différentes cultures. On voit donc ici ce qui pourrait en fait être plutôt un blouson de bomber ou un t-shirt de flanelle, des casquettes, comme celle que je porte aujourd’hui.

Mais on voit aussi de vieux tambours ou ces clôtures de chantier ou ces masques, qui renvoient alors effectivement plutôt à une culture sud-américaine. Comme ici, ces plantes qui ressemblent à du coton ou à des fumigènes, qui indiquent peut-être plutôt une culture asiatique.

Et le verso, ce qui m’intéressait, c’est que si l’on est déjà intéressé par le cosmique et spirituel, mais aussi le rituel, il y a un contexte pour cela. Il y a souvent une raison à cela.

Et c’est là que j’ai un peu joué avec ça, là aussi cette expérience du passé, quand on se penche longtemps sur un album, qu’on a beaucoup de temps comme enfant p.e., qu’on le regarde un “art work” sur la durée de l’album (une heure), entendre encore et encore, voir encore et encore, reconnaître aussi des détails.

C’est quasiment aussi le cas ici avec la géométrie cosmique, avec les données, qui sont, par exemple, des constellations, des champs magnétiques de planètes, mais qui sont aussi des clés ou des instruments anciens de différentes époques, de différentes cultures, principalement européennes, qui ont été utilisées à cet effet, pour connaître par exemple la position ou les orbites de la Lune, des planètes en général dans le système solaire ou encore des lieux rituels spécifiques, comme ici, ce portail péruvienne, le Sonnentor, où il y a deux fois par an, quand on voit a travers cette portail, quand on trace une ligne dans l’univers, on arrive à une planète particulière, ce qui est généralement lié au solstice d’été ou d’hiver.

Et ce genre de choses étaient pour moi important encore comme arrière-plan à ce guérisseur, à ce prêtre, pour donner quasiment encore plus d’espace à l’ensemble, pour rêver et de découvrir des mondes.

Verena Feldbausch: Très bien, merci beaucoup. Très bonne explication.

Symbolisme des escaliers

Verena Feldbausch: L’architecture, et plus précisément les escaliers, apparaissent régulièrement dans ton travail. J’ai pensé à MC Escher, ce labyrinthe d’escaliers, et aussi le dépliant de l’exposition comporte une échelle avec deux marches cassées et à l’intérieur, il y a un escalier qui ne mène nulle part. On ne sait pas exactement où il mène. On peut acheter ces gravures, de cet escalier, ici à l’institut, pour le prix fou de 120 euros. C’est le petit bloc publicitaire. D’où vient cette fascination pour les escaliers ?

Colin Kaesekamp: J’ai dans mes images, comment dire, ces mêmes “samples” qui sont ici dans le contexte de l’exposition. J’ai des éléments, des symboles, avec lesquels je travaille toujours. L’escalier est l’un d’entre eux.

Ce qui, je crois, tous ces symboles que j’utilise, ont en commun, c’est qu’ils apportent une certaine dualité, c’est-à-dire quasiment aussi la manière de lire ou d’interpréter sont la clé. Car d’abord ils sont des éléments neutres, ici en fait quelque chose créé par l’homme, utilisé par l’homme. C’est quand même quelque chose d’inorganique.

Il y a donc une dualité ou un fort contraste. En même temps, j’aime aussi le fait que ce ne soit pas clair, s’ils mènent à en haut ou s’ils descendent quelque part.

Et par exemple aussi par le biais d’une technique de méditation, je connais cela de telle sorte que l’on choisit quasiment si je dois monter ou descendre les escaliers, et si je vais à un autre niveau.

Et dans le processus, c’est simplement pour moi, comme un élément de construction, que j’utilise en fait toujours, avec lequel j’exprime différentes choses où, en fin de compte, il ne s’agit pas de cet objet de l’escalier même, mais en fait plutôt dans quel contexte il est utilisé.

Pour le motif, qui est ici aussi un motif porteur pour l’exposition, le fait est qu’il y a justement ce livre. Dans ce livre, quand il s’ouvre, on peut découvrir des mondes. Il faut un point d’entrée pour cela, l’échelle s’y appuie, les premiers barreaux que tu as dits ils se sont déjà cassés.

Cela signifie que l’accès n’est pas si simple que cela, car on doit utiliser l’échelle pour accéder à l’escalier et au livre, pour s’immerger et découvrir ce monde ou ce savoir, ou quoi que ce soit d’autre que l’on y trouve.

On ne sait pas si c’est une immersion, si c’est quelque chose de positif ou de négatif. Et j’ai l’impression que c’est, ou ce que je voulais dire par là, que ces premiers pas, en général, sont souvent quelque chose de difficile dans la vie, ils représentent souvent un obstacle.

Si vous avez finalement réussi, cela ne signifie pas non plus qu’il ça mène toujours à quelque chose de bien. Mais au final, cela a le potentiel de nous amener simplement à un autre point et peut-être même un point sur lequel nous pouvons grandir.

Verena Feldbausch: Oui, très beau. Les ventes vont s’envoler.

Colin Kaesekamp: Je n’ai rien contre.

Couleur dans les œuvres récentes

Verena Feldbausch: Dans les travaux les plus récents, depuis 2020, la couleur a fait son entrée dans tes mondes visuels. Comment en est-on arrivé là ?

Colin Kaesekamp: Je vais peut-être dire brièvement comment j’en suis arrivé à me concentrer autant sur le noir et blanc. Parce que j’ai, dans les années 2000, on pourrait dire vers le milieu des années 2000, travaillé pour des sociétés de cinéma, j’ai étudié le design de la communication, j’ai aussi travaillé dans le domaine du design, j’ai aussi fait des graffitis, mais pendant les études en fait, comment dire, pas gardé secret, mais pas non plus rendu public.

Je suis donc allé peindre des murs, j’ai été invité, même dans d’autres pays, pour y faire des graffitis, mais je n’ai jamais eu l’intention d’en faire un métier. Et ça a quand-même grandi de plus en plus.

Mais au milieu des années 2000, j’ai senti que je devais changer quelque chose ou que je voulais faire un redémarrage, je pense, tous ceux qui travaillent dans le domaine artistique, savent que c’est facile à dire et difficile à réaliser.

Je me donnais la tâche, ok, je vais juste revenir à l’esquisse. Je supprime tous les effets. Donc je n’utilise plus que de la peinture noire sur un fond clair, même en peindre les murs, ce qui était plutôt atypique à l’époque.

Et justement, je renonce aux transitions douces, aux effets de lumière, etc. Et je travaille quasiment sur l’essence, à l’époque, à l’essence du design des personnages et à l’aspect figuratif, et à la composition elle-même. Et oui, c’est devenu ma caractéristique.

Et comme il arrive souvent, on travaille d’une certaine manière pendant longtemps et on se rend compte des limites. C’est une façon de travailler qui est souvent utilisée, et je n’ai pas de brevet pour cela.

Mais oui, maintenant je ai travailler comme ça presque 20 ans, je crois. Et c’est maintenant que la morosité s’est installée, qui est venu sur les années Corona et les lockdowns, c’était pour moi simplement comme une conclusion logique de revenir à la couleur.

Ce qui ne veut pas dire que je vais rompre complètement avec l’univers visuel ou le contenu que j’ai créé, mais aussi simplement essayer de nouvelles choses.

Verena Feldbausch: Donc la couleur signifie aussi de peindre sur des supports colorés ou justement avec cette encre colorée ?

Colin Kaesekamp: Aussi, c’est quasiment le compromis, une première étape. L’encre de couleur est en fait en contexte avec la bande dessinée.

Et à l’époque, j’avais juste dit, j’ai travaillé dans le domaine du cinéma, en tant que story-board artist, concept artist et justement dans la bande dessinée, on ne fait pas le dessin préparatoire au crayon, mais on le fait souvent avec une mine de couleur.

Et parce que le crayon, le gris, quasiment aussi présent dans le noir de l’encre de Chine, ce qui signifie en fait pour le numérique, j’efface la couleur, alors je ne touche pas au noir.

Si j’ai fait mon dessin préparatoire en gris, c’est-à-dire dans un noir léger, je saisis pour ainsi dire la couleur de l’image, même lors de l’effacement, le noir de mon encrage s’affiche. Ce n’est généralement pas ce que l’on souhaite. C’est un peu comme ça que ça s’est passé.

Verena Feldbausch: D’accord.

Vases “Valentine I et II”

Verena Feldbausch: J’aimerais bien aller voir les vases là-bas. En effet, je les ai remarqués lors du vernissage de l’exposition, intitulée “Valentine I et Valentine II”. Comment ont-ils été créés ?

Colin Kaesekamp: Ce qui est amusant, c’est que les deux images sont créées à un an d’intervalle. Les deux dessins étaient pour des expositions à Paris. Elles ont été achevés le 14 février, d’où leur nom.

Et c’était d’une part un souhait, un peu comme une variante d’une nature morte classique. Vraiment des vases, des fleurs, des plantes, des choses, des fruits qui traînent là.

Et en même temps, illustrer ou représenter d’une certaine manière le thème de l’amour et de la sexualité, qui n’est pas tout à fait typique, qui est un peu différent. Ou peut-être que pour certains, ce n’est pas aussi évident que l’ensemble est connoté d’être sexuel ou romantique en termes d’amour.

La composition est donc classique, une nature morte avec une perspective centrale, avec un vase au centre d’où jaillissent des plantes ou des éléments végétaux. Autour de cela, on trouve aussi des pièces comme des fragments de vases ou, pas des raisins, mais toute une série d’yeux, par exemple, sur l’une des deux images, on trouve ces bananes coupées. Dans l’autre image, on trouve des éléments similaires.

Ce qui est d’ailleurs souvent le cas. Je me réfère donc avec mon dessin de l’an après à l’image d’un an avant. C’est aussi se réfère au principe de l’échantillonnage ou sampling.

On réutilise donc toujours quelque chose, on travaille avec, on crée des variations. Et donc, il y a aussi une série d’images où il y a souvent partie 1, partie 2, il y aura peut-être une troisième partie. Mais les motifs sont réinterprétés et légèrement modifiés.

Objets trouvés et surréalisme

Verena Feldbausch: Merci. Je voulais ensuite aborder ces travaux. Ce sont des travaux assez récents. Alors, quel est le fond ?

Colin Kaesekamp: Je ne peux pas vraiment le dire. Ce sont des objets trouvés. Ce sont des bons de livraison de trains de marchandises, si l’on veut, qui sont montés sur les trains eux-mêmes.

Peut-être aussi une autre citation de ce genre, un grand hommage à l’époque des graffitis et de la peinture sur les trains.

Verena Feldbausch: Alors là, ça ressemble à un pistolet, on dirait qu’il a fondu. Et il y a différents éléments que tu utilises probablement encore et encore, n’est-ce pas ?

Colin Kaesekamp: Exactement, donc là encore, des symboles différents. Voici les réveils, qui sont là sans cadran. Et ces flèches qui sortent en spaghetti.

C’est en tout cas un motif récurrent. Et puis, bien sûr, ce qui s’est passé ces dernières années, cette fragmentation ou cette découpe droite, ces arêtes fortes qui font allusion à ces panneaux de la bande dessinée, ces extraits.

Et ici, bien sûr, de cette mise en page, de ces bons de livraison et de tous ces champs et des cases qui se créent. Cela a donné, je trouve, un très beau travail.

Et peut-être encore une fois ici, parce que tu as évoqué ce tampon tout à l’heure, ici, c’est en fait encore une fois similaire, ce qu’on retrouve aussi souvent dans le monde asiatique, ces papiers calligraphiés sur lesquels se trouve le tampon rouge, et le verso est également signé de la main de l’auteur.

Verena Feldbausch: Y a-t-il d’autres influences venant de l’histoire de l’art ? Donc si je vois ce réveil sans cadran je pense à Dali ou quelque chose comme ça.

Colin Kaesekamp: Je dois avouer que là aussi, c’est très clair et très cliché. Il est donc certain que le surréalisme a laissé des traces.

Je sais que nous avions aussi des tableaux de Dali dans la maison où j’ai grandi. Ils étaient accrochés dans le couloir le long de l’escalier, donc vraiment sur deux étages toute une rangée.

Là aussi, il s’agissait simplement de volumes de livres et, finalement, il n’était pas rare que je visitais des musées, à Munich. Mais surtout des classiques. La peinture, donc vraiment la Renaissance. Je dirais tout à partir du Moyen Âge, jusqu’à l’époque moderne.

Moins, je pense, le cubisme, le pointilisme. Kandinsky, par exemple, je le trouvais très mauvais, pendant un certain temps.

Parfois, il faut un peu de temps ou les goûts changent avant de trouver quelque chose. Ou encore MC Escher, tu viens de dire tout à l’heure, je l’avais plutôt vu à l’école, mais comme tant d’autres, j’ai été fasciné.

Et peut-être que cela a un rapport avec les escaliers et a laissé des traces. Mais nous l’avons aussi vu ici un élément différent, comme la pilule que j’avais utilisée pendant un certain temps. C’est un peu la même chose.

En soi, il n’y a donc rien de purement positif ou de négatif. Il y a bien sûr toujours avoir avec la dose qui fait le poison, ou alors, à quoi on l’utilise.

Est-ce que c’est la drogue qui me permet de m’amuser ou est-ce que j’en ai besoin pour élargir ma conscience ? Est-ce que c’est un rituel ? Est-ce que j’abuse de cette drogue ou est-ce que je l’utilise comme médicament pour me soigner ? C’est quelque chose de positif ?

Et bien sûr, cette représentation clichée de cette pilule allongée avec le corps en deux parties, qui est ensuite coloré différemment, l’indique naturellement encore une fois, comme les escaliers, il est vrai qu’il y a en fait toujours les marches qui montent en haut, qui reflète la lumière, le positif. Ensuite, on a le vertical, ce qui soit le plus neutre, soit le plus sombre, le plus négatif.

Projets futurs

Verena Feldbausch: Tu es né en 1979 à Munich et tu es arrivé en Sarre grâce à tes études de design de communication visuelle. Tu as étudié à l’école supérieure des beaux-arts et tu as ensuite cofondé l’agence “Büro Stabil” à Sarrebruck. De 2022 à 2024, tu as été professeur invité à la HBK Saar. Quels sont tes projets à venir et sur quoi travailles-tu actuellement ?

Colin Kaesekamp: En ce moment, je suis en train de créer un concept pour la peinture murale d’une salle de concert. Je n’y ai pas été invité seul en tant qu’artiste, mais j’ai aussi participé au placement d’artistes qui collaborent.

C’est une chose. Ensuite, il y a aussi la saison des peintures murales qui commence pour cette année. Je vais donc me rendre la semaine prochaine au lac Ammersee, pour faire un travail de commande.

Ensuite, les festivals commencent déjà. C’est donc en France que nous allons cette année plusieurs fois. C’est la première fois que je vais en Pologne, ce qui me fait très plaisir, car cela fait longtemps que je voulais aller en Pologne. En effet, c’est fou.

Je ne suis pas allé assez souvent en Europe de l’Est. Et en fait, c’est honteux, parce que c’est tout autant un pays voisin comme l’Autriche, la France ou les autres.

Exactement, c’est pourquoi je m’en réjouis beaucoup. Il y a un meeting de graffiti pour lequel je fais aussi la communication, c’est-à-dire toutes les illustrations, les affiches, les invitations, etc.

Ensuite, je suis avec deux artistes, un luxembourgeois et un berlinois, dans le cadre d’une série d’expositions. Cela commencera aussi en juillet. Il y a donc certainement beaucoup à faire.

Et maintenant, après le professorat, ce qui est vraiment une réalité formidable et très spéciale. Il n’était pas non plus évident dès le départ que cela s’étendrait sur deux ans ou presque.

J’ai été très heureux de pouvoir faire le travail, de découvrir sous un autre angle. Toute ma vie d’adulte, j’ai toujours donné des ateliers ou des masterclasses.

Mais cela m’a montré que le travail dans l’enseignement, je le peux très bien imaginer de le continuer. Et d’après le feedback de mes collègues et surtout des étudiants ce travail me convient aussi.

Alors peut-être que c’est quelque chose que j’aimerais faire un peu plus à l’avenir. Mais maintenant, même après deux ans, je n’ai rien contre le fait d’avoir un peu de temps pour moi, de m’occuper un peu plus de mon art.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Merci beaucoup.

Donc, à moins que tu as encore quelque chose à nous dire ?

Colin Kaesekamp: Oui, peut-être tout simplement parce que nous venons d’en finir avec ce sujet. Cela a donc été un plaisir et un honneur pour moi de pouvoir occuper ce poste de professeur invité.

Et également d’être inclus dans les archives, dans le dictionnaire de l’institut, et de pouvoir l’exposer. Et là aussi, dans les deux cas, c’est quelque chose que je ne considère pas comme allant de soi.

Je vois que les gens qui viennent d’une sous-culture n’ont peut-être pas un accès si naturellement. C’est peut-être aussi ce qui fait que ce petit État fédéral, dont on se moque souvent un peu, la Sarre, qui, dans mon cas, a également permis de faire ce chemin.

J’espère que cela ouvrira des portes à d’autres artistes, justement peut-être aussi du domaine de la bande dessinée ou justement du domaine élargi du graffiti, de l’art urbain, le domaine du street art, quel que soit le nom qu’on lui donne.

Et si Dieu le veut, cela fera un jour son entrée dans les universités. Ce serait mérité, je pense. Il serait temps de le faire.

Peut-être aussi prenant exemple de la musique, ça m’a irritée aussi. Oui le jazz a fait son entrée, mais il s’est passé tellement de choses, ce qui est tout simplement aussi hautement complexe, hautement génial, hautement touchant, que cela devrait en tout cas avoir lieu sur des scènes plus larges.

Et oui, pour cela, je dis merci dans l’éther et merci à toi aussi pour l’interview et l’invitation.

Verena Feldbausch: Avec plaisir. Comme d’habitude, vous trouverez les images des œuvres discutés sur mon blog et toutes les autres informations dans les notes de spectacle.Oui, j’espère que vous vous êtes autant amusés et je me réjouis de vous voir à la prochaine édition. Merci beaucoup de nous avoir écoutés et à bientôt, votre Verena Feldbausch. As-tu aimé les discussions sur l’art ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les Show Notes et sur notre blog. Sois de nouveau de la partie quand nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.

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#24 art talk – Armin Rohr

Verena — Fri, 21 Mar 2025 04:04:02 +0000

A propos de l’exposition d’Armin Rohr

La Städtische Galerie Neunkirchen ouvre la scène à Armin Rohr (*1961). Il présente de nouveaux mondes visuels énigmatiques dans une exposition individuelle intégrale intitulée « Malgré toute la futilité, je continue à chanter ma chanson. Sur les anomalies, les coïncidences et les probabilités ». du 14 mars au 18 mai 2025.

La figure humaine, qu’il place dans une relation ambiguë ou difficile à interpréter avec son environnement, est au centre de son travail. Fixées par le dessin et variées à maintes reprises dans des esquisses, des figures posant comme pour des photos de téléphone portable apparaissent dans des scènes bizarres ou banales de la vie quotidienne, des vacances et de la famille. Dans sa nouvelle série de portraits, il contrecarre également la culture du selfie et la transformation numérique omniprésente de l’image. Dans le groupe d’œuvres « Wald-Orte », l’artiste travaille avec le répertoire de motifs des séries policières télévisées : Des bandes de délimitation marquent certaines zones de la forêt comme des scènes de crime, des personnages sans visage en combinaison de protection fouillent le terrain à la recherche d’éléments inconnus. Des « indices » isolés dans des décors paysagers colorés suggèrent des relations mystérieuses, mais les arrière-plans restent dans l’ombre.

Le potentiel narratif des travaux d’Armin Rohr semble inépuisable, mais ils sont loin d’être illustratifs. Car les histoires qui y sont racontées échappent finalement à l’observateur.

Source : Nicole Nix-Hauck, catalogue d’exposition Städtische Galerie Neunkirchen

Vous trouverez plus d’informations, le podcast, un portrait de l’artiste Armin Rohr et l’interview complète à lire ci-dessous.

Photo Credits:

2 á 29: Armin Rohr
1 et 30: Verena Feldbausch

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Portrait de l’artiste Armin Rohr

Armin Rohr, né en 1961 à Hemsbach, au-dessus de Weinheim, vit et travaille depuis son enfance en Sarre. Il a commencé sa formation artistique par des études de design à la Fachhochschule de la Sarre, qu’il a achevées en 1988 avec un diplôme de designer. Il a ensuite étudié la peinture libre de 1994 à 1998 à la Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBKsaar), où il a été élève-maître du professeur Bodo Baumgarten.

Depuis 2003, Rohr enseigne le dessin à la HBKsaar en tant que chargé de cours. Son atelier se trouve dans le centre culturel de l’EuroBahnhof à Sarrebruck. Au cours de sa carrière, il a reçu plusieurs distinctions, dont la bourse d’encouragement de la capitale du Land de Sarrebruck (1996), le prix artistique Saar-Lor-Lux de la ville d’Ottweiler (1997) et une bourse de travail à la Cité Internationale des Arts à Paris (2002). Institut d’art actuel.

Armin Rohr est un artiste contemporain actif dans différents domaines artistiques, notamment la peinture et la sculpture. Né en Allemagne, il s’est fait connaître par ses œuvres exceptionnelles, qui présentent souvent un mélange d’abstraction et de représentation figurative. Rohr est connu pour sa capacité unique à expérimenter avec les couleurs et les formes et à explorer des thèmes émotionnels et philosophiques plus profonds.

Parcours artistique et style

Rohr a fait ses études dans les domaines de l’art et du design dans des institutions renommées et s’est particulièrement concentré sur les formes d’art abstraites et expressionnistes. Dans ses travaux, il traite souvent de sujets sociaux, personnels et politiques, n’hésitant pas à aborder des thèmes difficiles ou controversés. Ses œuvres se caractérisent par des couleurs puissantes, des compositions dynamiques et un fort impact émotionnel.

Un aspect important de l’art de Rohr est sa capacité à travailler avec différents matériaux et techniques, ce qui fait de lui un artiste polyvalent. Outre des peintures et des sculptures, il a également créé des installations et des projets artistiques interactifs qui invitent le spectateur à s’immerger dans l’œuvre et à établir un lien personnel avec elle.

Influences et inspirations

Rohr est souvent influencé par différents courants de l’art moderne, dont l’expressionnisme, notamment les expressionnistes allemands, ainsi que l’informel allemand, qui l’ont fortement marqué.   Il s’oriente ainsi vers des artistes classiques tels qu’Edvard Munch, Paul Gauguin et Franz Marc, qui font partie du modernisme classique, mais aussi vers des maîtres de l’époque baroque comme Vermeer et Velázquez. Il s’inspire en outre de l’approche expérimentale des artistes contemporains.  Ses œuvres reflètent souvent les tensions et les contradictions de la société actuelle et témoignent d’une profonde réflexion sur des thèmes tels que l’identité, la liberté et la condition humaine.

Expositions et reconnaissance

Armin Rohr a exposé dans différentes galeries et musées, tant en Allemagne qu’à l’international. Son travail a toujours suscité une grande attention, tant de la part des critiques d’art que des collectionneurs d’art. Parallèlement à son activité artistique, il s’engage également dans la promotion de la scène artistique et soutient de jeunes artistes émergents.

Les œuvres de Rohr ont été présentées dans de nombreuses expositions, tant dans l’espace public que dans des galeries et des musées. Un exemple récent est son exposition individuelle « Aller Vergeblichkeit zum Trotz ich weiter singe mein Lied. Über Anomalien, Zufälle & Wahrscheinlichkeiten », qui se tiendra du 14 mars au 18 mai 2025 à la Städtische Galerie Neunkirchen au centre culturel KULT.

Conclusion

Armin Rohr est un artiste dont les œuvres séduisent par leur profondeur émotionnelle et leur approche expérimentale de la technique et des matériaux. En associant l’abstraction et la représentation figurative, il défie le spectateur et ouvre de nouvelles perspectives sur le monde. Ses œuvres sont un jeu fascinant de formes, de couleurs et de significations qui invitent toujours à de nouvelles interprétations.

Lire l’entretien complet avec Armin Rohr

Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les commissaires d’exposition et les artistes là où ils exposent. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participe aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Bonjour et bienvenue pour un nouvel épisode de art talk, notre podcast sur l’art pour SaarLorLux. Aujourd’hui, nous sommes à la Städtische Galerie Neunkirchen pour l’exposition d’Armin Rohr intitulée “Aller Vergeblichkeit zum Trotz, singe ich weiter mein Lied. Über Anomalien, Zufälle und Wahrscheinlichkeiten”. On peut y voir des peintures grand format ainsi que des dessins et des aquarelles réalisés depuis 2019.

Comme toujours, les photos des œuvres discutées sont visibles sur mon blog. Vous pouvez écouter notre podcast sur le podcatcher de votre choix et aussi ici, sur place, à Neunkirchen, dans la Städtische Galerie, car il y a un code QR qui vous permet d’accéder directement à l’entretien avec Armin Rohr.

Cet épisode de art talk a été soutenu par le ministère de l’Éducation et de la Culture de la Sarre. Nous vous en remercions vivement. Je me réjouis maintenant beaucoup de la visite guidée exclusive par l’artiste Armin Rohr en personne et vous souhaite beaucoup de plaisir à l’écouter. Votre Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Bonjour Armin et bienvenue sur art talk. Tout d’abord, j’aimerais te présenter brièvement ou évoquer ton parcours. Donc tu es né à Hemsbach, c’est près de Mannheim. Tu as étudié le design de 1983 à 1988, et tu as suivi les cours de base du professeur Oskar Holweck. Ensuite, tu as fait tes études spécialisées en design auprès des professeurs Diethard Adt, Heinrich Popp et Robert Sessler. Et enfin, de 1994 à 1998, tu as étudié la peinture avec le professeur Bodo Baumgarten. Et tu as été nommé maître-élève de Bodo Baumgarten en 1998. Tu vis et travailles à Sarrebruck.

Qu’as-tu fait entre 1988 et 1994 et qu’est-ce qui t’a poussé à prendre la voie de l’artiste à cette époque, c’est-à-dire au début des années 90 ?

Armin Rohr parle de sa carrière artistique

Armin Rohr: Oui, en principe, j’ai remarqué pendant mes études de design graphique à l’école supérieure que ce n’était pas du tout ma voie. J’ai certes déjà travaillé comme graphiste pendant mes études, j’avais mes propres clients avec un ami, mais j’ai été relativement vite sûr que ce n’était pas ma voie de vie, ou que je ne voulais pas faire ça jusqu’à la fin de mes jours. Tout simplement parce que j’ai trouvé et vu beaucoup plus de possibilités d’expression dans le dessin et la peinture. Ou plutôt, si je travaille comme graphiste, je suis prestataire de services. Cela signifie que quelqu’un vient me voir avec une demande particulière et que je dois essayer de répondre aux souhaits du client en discutant avec lui, puis de faire quelque chose que je ne ferais pas normalement.

C’est certes une histoire créative, mais finalement, je me voyais simplement plus dans cet art libre, des peintures libres, du dessin libre, ce que je faisais déjà beaucoup à l’époque. Je suis allé à Stuttgart parce que je voulais étudier l’art à l’Académie de Stuttgart, voire à Karlsruhe. J’ai donc postulé dans différentes académies après mon premier diplôme et j’ai été refusé deux, trois, quatre fois. La raison invoquée était que nous avions besoin ici de jeunes gens malléables. Vous avez déjà un diplôme, faites donc votre truc et les dessins, ça va, qu’est-ce qu’il vous faut de plus, des études d’art.

Et puis j’ai travaillé quelques années à Stuttgart, d’abord comme graphiste indépendant, pour gagner de l’argent. Mais d’un autre côté, j’ai essayé d’avoir des contacts avec des artistes. J’ai essayé d’exposer, ce que j’ai réussi à faire dans des contextes plus petits.
J’ai participé deux ou trois fois aux expositions de l’association artistique de Ludwigsburg, puis j’ai déménagé à Sarrebruck, où j’ai repris mes études d’art en 1994. C’est là que ça a marché.

Verena Feldbausch: Oui, d’accord, c’est bien. Donc je veux dire, c’est pour ça que tu es retourné à Sarrebruck. Exactement. La Städtische Galerie Neunkirchen présente une exposition complète de tes nouveaux travaux réalisés depuis 2019, qu’il s’agisse de peintures, de dessins ou d’aquarelles.

Avant d’aborder les différents positions, j’aimerais savoir ce qu’il en est du titre de l’exposition. Le titre est donc “Malgré toutes les futilités, je continue à chanter ma chanson.” Qu’est-ce que tu veux dire ?

La signification du titre de l’exposition

Armin Rohr: Ces dernières années, j’ai souvent fait de petites expositions, même en dehors de la Sarre. Et au bout d’un moment, les titres ont toujours eu un rapport avec moi, avec mon état d’esprit, avec mon attitude de peintre face à la situation sociale ou politique actuelle.
Parfois, il s’agissait vraiment d’histoires biographiques. Et cela s’est simplement établi au fil du temps. Au tout début, quand j’étais étudiant, les titres étaient simplement, je ne sais pas, peinture et dessin. Et en fait, on ne fait plus rien de tout cela.

Et comme j’écris de temps en temps des textes ou des petites remarques sur mon site web qui ont beaucoup à voir avec ma façon de penser, avec ma façon de penser la peinture ou le dessin, ou même avec le vaste monde en général, cela s’est fait comme ça à un moment donné. Et j’ai aussi longuement réfléchi à ce titre maintenant à Neunkirchen.

Et maintenant, la situation dans notre monde ou dans la société est telle qu’elle est. Nous connaissons tout cela, qu’il s’agisse des problèmes environnementaux ou de la situation politique, de la guerre en Ukraine. Cela signifie qu’il y a beaucoup de choses auxquelles je me confronte et qui me marquent ou m’influencent quelque part, sans que cela ne se reflète directement dans ma peinture, ou alors je ne veux pas m’y confronter directement en peinture.

Je ne suis pas un artiste politique en ce sens. Mais malgré tout, cela me fait quelque chose en tant qu’être humain et peintre ou dessinateur. Et malgré toute la futilité, il y a eu environ 50 variations avec des mots, des compositions différentes.

Philosophie du titre et hasard dans l’art

En dépit de toute la futilité, la question est aussi de savoir pourquoi tu fais encore cela à cette époque ? Pourquoi peins-tu ? Pourquoi vas-tu tous les jours à l’atelier, recommences-tu toujours ? Mais quelque chose me motive. C’est presque une obsession.
Et c’est pourquoi, malgré …et puis aussi l’histoire avec des anomalies, des coïncidences et des probabilités. C’est bien sûr aussi ce que nous essayons de faire en permanence en tant qu’êtres humains, de rythmer notre vie, de la structurer. Et rien ne doit s’interposer.

Et nous en faisons quotidiennement l’expérience, quel que soit le rythme de la vie, quel que soit le métier que nous exerçons, il y a toujours quelque chose qui vient briser ta journée, qui te donne un travail quelque part, qui interrompt ton travail. Tu ne peux pas te concentrer à cent pour cent sur ce que tu voudrais, parce qu’il y a un téléphone qui sonne, quelque chose qui se passe.

C’est l’anomalie à laquelle nous sommes confrontés. Il y a trois, quatre ou cinq ans, il était justement normal que nous vivions en paix et soudain, la guerre, qui était une anomalie, est devenue quotidienne pour nous. Donc ça nous contourne tous les jours. Cela signifie donc que nous sommes quotidiennement confrontés à des anomalies.

Et les coïncidences, pour une fois, c’est ce que j’intègre naturellement toujours dans mes travaux en tant qu’artiste. Cela commence par les aquarelles, où il se passe beaucoup de choses qui ne sont pas contrôlables. Et j’aime beaucoup travailler avec le hasard.
Et même dans ma peinture, c’est souvent comme ça que j’ai une idée d’un tableau, mais pendant la peinture, quelque chose se développe sur une pensée ou sur quelque chose que j’ai lu ce jour-là, qui me pousse à utiliser dans le tableau quelque chose que je ne savais peut-être même pas dix minutes auparavant. Autant pour le hasard. Et cela inclut bien sûr la question de la probabilité. En ce sens, tout cela… Pour faire court. Non, ce n’est pas court, le titre est vraiment long.

Verena Feldbausch: Exactement, merci beaucoup aussi, parce que ça a été très, très éclairant pour moi maintenant. J’ai également lu cette citation de toi dans le catalogue qui vient de sortir ici à l’occasion de ton exposition, à propos du hasard.
“Le hasard joue un grand rôle, il m’a fait apparaître les plus belles et les plus étonnantes feuilles d’une main légère”. J’ai trouvé cela très beau. “Je lui dois beaucoup”.

Sur le rôle de l’aléatoire

Armin Rohr: Oui, d’accord, il y a aussi des collègues qui essaient d’exclure le plus possible le hasard, où l’on voit vraiment que l’on procède de manière très planifiée, c’est-à-dire que l’on procède dans le travail. Et cela ne m’a jamais vraiment convenu.
J’étais plutôt très… c’était l’autre titre de l’exposition il y a deux ou trois ans à Burbach, “Ich meändere durch die Welt” (Je méandre dans le monde). D’une part, cela a un rapport avec moi, avec la manière dont je perçois le monde, dont je me promène dans le monde, mais d’autre part, cela a aussi un rapport avec mon travail, où je suis aussi des chemins très tortueux et où je poursuis aussi des approches très différentes dans mon travail.

Verena Feldbausch: Oui, ok, bon. Tu présentes aussi bien des peintures de grand format, le format est généralement de 1,50 par 2 mètres, à l’acrylique et à l’huile sur toile, que des dessins et des aquarelles de plus petit format.
Lorsque nous arrivons à l’exposition, nous nous trouvons en fait directement devant ces œuvres de grand format, et celles-ci sont en partie composées de personnages, mais aussi en partie d’objets. Ce sont ce qu’on appelle des lieux de forêt. Presque toutes tes œuvres s’appellent, je crois, sans titre.

J’aimerais maintenant en venir directement à la première image que l’on voit quand on arrive à l’exposition. La première grande image, qui s’appelle “sans titre” entre parenthèses “la dernière image” et qui a été peinte en 2025. Pourquoi appelles-tu tous les œuvres “sans titre” ?

La philosophie du titre

Armin Rohr: Cela s’est produit il y a très, très longtemps, lorsque je travaillais encore par phases de manière non figurative. Et j’ai peint et dessiné de nombreux travaux pendant très longtemps, d’un tableau à l’autre, et je ne me suis d’abord pas du tout demandé ce que je pouvais donner à ces travaux pour ou à ces séries comme thèmes généraux, titres ou légendes.
Et puis j’ai aussi remarqué qu’à ce stade, le titre n’apporte pas forcément grand-chose, parce que chacun voit ce qu’il veut voir dans des œuvres non-figuratives. Mais il y a quand même eu des titres pour lesquels j’ai remarqué qu’il y avait des travaux où l’on retrouvait soit une certaine couleur, soit une certaine structure.

Ou alors, un jour donné, j’ai lu dans le journal ou dans un livre quelque chose qui m’a fait une association avec l’une des images peintes et figuratives. Et puis j’ai commencé à mettre le titre entre parenthèses, parce que j’avais le sentiment que si quelqu’un voyait une telle image dans 100 ans, il n’aurait pas forcément besoin d’y mettre le titre.

Le titre est utile ou parfois contrasté par rapport à l’image, mais il n’est pas nécessairement lié de manière essentielle à l’image en cette période abstraite, en cette période non figurative. Mais cela s’est ensuite poursuivi ainsi dans ces travaux figuratifs.
Il y a bien des expositions où, pour un tableau que j’ai montré dans le passé, je trouve dans une autre exposition, selon le thème général, un autre titre qui me plaît mieux. Donc la parenthèse dit en fait pour moi qu’il n’y a pas forcément de caractère obligatoire à ce titre. Il peut changer en fonction du contexte.

Verena Feldbausch: Ok, alors j’ai compris. Bien. Nous allons maintenant regarder cette première image ici. Donc nous voyons presque une idylle, à première vue, cela ressemble à une idylle, mais d’une certaine manière, ce n’est pas une idylle.

Tu vois donc ce peintre, assis en arrière, est-il épuisé ou se repose-t-il simplement et tu vois alors devant lui cette palette et ces tubes de peinture. En arrière-plan, la forêt qui brûle de manière menaçante.

Est-ce que c’est toi qui es assis là ou comment te sens-tu après ce processus de création très intense, même après cette phase de création très intense ? Te sens-tu si épuisé ?

Armin Rohr: Le tableau n’a rien à voir avec ce long processus, il a fallu presque un an de travail intensif pour terminer cette exposition, du moins pour les grands travaux. Mais en fin de compte, ce sont justement les nouveaux travaux, les grandes toiles, qui sont pour moi des métaphores visuelles.

C’est-à-dire aussi la série, comme on dit, des scènes de crime ou ce qui se passe dans les images, que ce soit des objets que l’on voit, que ce soit la forêt, on y évoque des choses qui fonctionnent en fait à un niveau méta, de sorte que les images sont vraiment à voir plutôt comme des métaphores.

Et c’est aussi le cas dans ce tableau. Tout d’abord, il se trouve que dans l’un des premiers tableaux, j’ai peint un ciel rouge sang. Et cela m’a tout de suite fait penser à la combustion, au feu, aux incendies de forêt.
Et la première image a été peinte il y a environ un an. Et puis je me suis dit que je pourrais probablement encore travailler avec ça dans une prochaine œuvre. Et il m’a fallu vraiment beaucoup, beaucoup de temps pour arriver à ce tableau, où j’ai également mis en œuvre le thème du feu et de la forêt.

Mais comme je l’ai dit, c’est vraiment plus une métaphore. Maintenant, pas comme la forêt en feu, mais plutôt comme un état, un état intérieur ou un symbole de ce qui m’anime et de ce qui se passe en ce moment. En ce sens, oui, c’est une bonne entrée en matière.

Et dans ce tableau aussi, comme dans les grands tableaux en général, on ne savait pas du tout quels objets allaient entrer dans le tableau, ni même si une personne allait y entrer. Au départ, nous avions simplement pensé à cette scène de forêt avec du feu, également dans l’accompagnement.

Et puis je suis tombé quelque part sur la personne assise là. Ce n’est même pas encore moi comme point de départ, mais ça pourrait être moi. Et puis la toile qui est venue ensuite, ce sont des choses qui se sont vraiment imposées dans ce processus pictural de mise en valeur.
Et tout d’un coup, le tableau avait pour moi une narration, une histoire qui était cohérente et qui, bien sûr, avec le recul, avait peut-être aussi quelque chose à voir avec l’exposition, avec la préparation. Mais je le laisse… car on m’a souvent demandé, même pendant le vernissage, ce qui se cachait vraiment derrière ce tableau, qui c’était.

Cette personne est-elle morte ou est-elle simplement épuisée et, et, et. Je crois que je n’ai pas envie de raconter quoi que ce soit à propos de cette image, car j’ai l’impression que beaucoup y voient leur propre histoire.

Sur l’ouverture des œuvres

Et j’ai trouvé intéressant d’entendre de nombreux visiteurs et visiteuses lors de l’inauguration les idées qui ont effectivement traversé l’esprit des gens pour ce tableau, des choses auxquelles je n’avais pas encore pensé. C’est donc une image que j’aimerais le moins expliquer. Pour moi non plus, ce n’est pas clair.

Verena Feldbausch: Ce n’est certainement pas clair. Mais ce feu de forêt ici, je l’interpréterais aussi comme une catastrophe naturelle.

Armin Rohr: Oui, je parle aussi de l’histoire de l’épuisement. En fin de compte, quelqu’un est assis dans le paysage, il y a une toile blanche, il y a le feu en arrière-plan. La réaction la plus naturelle serait de se lever et de s’enfuir. Mais justement.
Il y a tellement de possibilités d’entrer dans cette image, notamment par le biais des couleurs de l’arrière-plan.

Verena Feldbausch: C’est à chacun d’inventer sa propre histoire.

Armin Rohr: En principe, j’attends des gens qui viennent voir mon exposition, comme je le fais quand je vais voir une exposition de peinture, je ne me demande pas “qu’est-ce que veut dire l’artiste?”, mais qu’est-ce qu’il se passe dans le tableau? Qu’est-ce que le tableau veut vraiment raconter ?

Je l’examine en fonction des objets ou de la manière dont elle est composée, comment la couleur est utilisée, quelles sont les structures. Et je pense qu’en tant qu’observateur, on peut aussi essayer d’élaborer quelque chose de manière aussi autonome que possible. Je trouve cela beaucoup plus passionnant.

Verena Feldbausch: C’est vrai, c’est aussi très attrayant, en tout cas. Ces peintures de grand format ont été réalisées entre 24 et 25 ans. Et en effet, ils contiennent des objets et des personnages.

Par exemple, il y a derrière une chaise de camping abandonnée, un perchoir, une voiture cassée, un ours en peluche, une chaussure de sport et aussi ces rubans de signalisation rouges et blancs qui sont maintenant ici aussi sur le sol dans la galerie.
J’ai lu dans le catalogue que les modèles proviennent de photos et d’extraits vidéo de films pertinents. De quels films s’agit-il et quelle est la signification de ces objets ? Ou est-ce que chacun doit imaginer son histoire ?

Les sources d’inspiration

Armin Rohr: Tout d’abord, l’origine des photos ou d’où cela vient-il. D’une part, cela fait très longtemps que je réfléchis à ces images. Cela signifie que de temps en temps, pendant que je regardais un film policier à la télévision ou en streaming sur le net, j’arrêtais le film et je prenais une photo. Je me suis dit qu’on pourrait en faire quelque chose un jour. Parce que je ne savais pas encore exactement ce que c’était. Il me manquait simplement l’entrée en matière. C’était juste l’idée de faire quelque chose à l’avenir.

Et quand il est devenu clair que l’exposition 2025 ouvrirait ici en mars, il y a un an, nous nous sommes un peu concertés, je me suis dit que c’était peut-être l’occasion de faire quelque chose avec ces photos. Et il s’est avéré très vite, dès la première image, que je ne prenais pas une photo et que je la transposais, mais que j’utilisais ces décors, ces personnes en costume blanc, comme on le connaît dans les romans policiers, ce cliché typique. Et dans beaucoup de polars, cela commence par le fait que l’on voit une scène de crime et que des gens fouillent quelque part, cherchent quelque chose. C’était le point de départ. Et en fait, je n’ai pris ces images que comme un prétexte pour composer des images C’est-à-dire qu’il y a peut-être une ou deux images où j’étais plus ou moins sur l’image, sur la photo. Mais la plupart sont finalement, tout comme “das letzte Bild”, composées de tête. Autrement dit, les forêts telles qu’on les voit, les paysages n’existent pas en tant que photo.

J’ai ensuite plusieurs modèles où j’ai regardé comment, quels types d’arbres j’y mets, comment je gère les structures. Voilà pour les scènes. Et aussi les gens, il y a tableau au format vertical au fond, il y a 9-10 personnes qui se promènent dans le paysage.
La plupart sont peints de tête. Cela se fait alors relativement vite et en un clin d’œil. L’important, c’est que la perspective soit raisonnablement bonne.

Cela s’est fait parce que j’ai beaucoup dessiné des nus dans le passé, on a un certain répertoire de formes en tête et des gens en costume qui ont de toute façon l’air un peu difformes. C’est relativement simple.

Et pour certaines autres situations, j’avais aussi des gens qui se penchaient ou faisaient quelque chose, que je plaçais ensuite quelque part dans mes paysages. Et cela s’est poursuivi avec ces objets, qui sont parfois venus s’ajouter à la fin, avant que je ne sache vraiment, c’est-à-dire au début, comment l’image allait se développer. Je décide de beaucoup de choses dans ces images de manière très, très intuitive.

Verena Feldbausch: Donc tu ne fais pas de croquis, par exemple, ou tu fais des croquis avant et tu réfléchis, aha, c’est là que l’arbre va aller ?

Armin Rohr: Il y a une image où j’ai effectivement fait une esquisse, mais plutôt comme aide-mémoire pour que je n’oublie pas de commencer par cette image. Parce qu’on a tellement de choses en tête et qu’on les oublie ensuite.
Et justement, pour le dernier tableau, celui qui a été réalisé en 2025, celui avec les gens et les caisses, je me suis dit qu’il fallait que tu le gardes, que tu notes cette pensée, comme une petite esquisse dans ton carnet de croquis, sinon elle disparaîtra le lendemain. Car cela arrive relativement souvent.

Mais en général, j’aborde les images sans croquis. C’est-à-dire que je commence par un fond acrylique et je place deux ou trois arbres quelque part, par exemple dans un paysage, je me demande si l’horizon est plutôt bas ou haut.
Et au cours de la peinture, il pourrait arriver que l’arbre de devant soit trop grand, il faut donc l’éloigner et le réduire. Je fais des allers-retours jusqu’à ce que je sois sûr. Ensuite, je commence à travailler le tout avec de l’huile.
Contrairement à de nombreuses autres images, qui ont effectivement été réalisées ici aussi d’après des photos. Pas un pour un, mais ce sont des fils différents que je travaille et des méthodes différentes pour trouver des images. Il en a toujours été ainsi.

Verena Feldbausch: Est-ce que l’acrylique est donc quasiment la couche de fond pour la peinture à l’huile, d’un point de vue purement technique ?

Armin Rohr: Techniquement, c’est en fait comme ça, avant il y avait des fondus à la tempera à l’œuf. C’est ce que j’ai fait pendant un certain temps lorsque j’étais étudiant.

Mais le problème, c’est que si l’image est dans un certain état, il faut attendre qu’elle sèche. La tempera à l’œuf est un peu plus rapide, surtout s’il ne s’agit pas d’une tempera grasse, mais plutôt d’une tempera à l’eau.
Et puis, à un moment donné, j’ai eu l’idée d’essayer l’acrylique, parce que, bien sûr, on a des temps de séchage incroyablement rapides. Et selon ce que je peins, je peux alors peindre en une journée dix tableaux différents, dans la taille des toiles.
Je peux essayer, est-ce que c’est mieux de faire le ciel vert, le ciel rouge, une figure plus petite ou plus grande. Et cela me convient très bien, car je travaille de manière très spontanée.

Et cela signifie que ces peintures acryliques ne sont finalement rien d’autre qu’un fond classique, même clair-obscur. Où placer les accents, c’est important pour moi avant de commencer vraiment à utiliser de l’huile.
C’est aussi une question de vitesse. L’acrylique va très vite, la peinture gicle, coule, la peinture est très fine. Et avec l’huile, le tout est un peu ralenti et j’entre alors dans un autre flow, dans un autre mode.

Verena Feldbausch: Où as-tu peint ces grands tableaux ? Je veux dire, tu as un atelier au KuBa (KulturBahnhof), c’était là-bas ? Ah bon, d’accord.

Armin Rohr: L’atelier n’est pas grand, mais il suffit. En fin de compte, il suffit que les images passent par la porte.

Verena Feldbausch: C’est vrai. Mais alors, peux-tu travailler sur plus d’un tableau ?

Armin Rohr: Ça, oui. Oui, oui, je dois faire des changements de temps en temps. Mais ça va, ça marche.

Verena Feldbausch: D’accord, d’accord, bon. Oui, alors nous arrivons en fait au deuxième groupe d’images. Après les lieux forestiers, tu as exposé ici des portraits.

Ils sont en fait maintenant, quand on entre, directement sur le côté droit. Ce sont des portraits classiques et ce ne sont pas vraiment des portraits, car on ne peut pas identifier clairement qui est dessus.
A l’exception du selfie qui se trouve à l’entrée, on te reconnaît. Pourquoi ne peut-on et ne doit-on pas les reconnaître ? Il y a de nouveau les “sans titre” et, entre parenthèses, il y a parfois un nom ou une référence. Quelle est l’idée derrière tout cela ?

Armin Rohr: C’est une bonne question. J’ai toujours fait des portraits. Il y a également eu une série de portraits pendant les études, réalisée à partir d’autoportraits.

C’est devant le miroir qu’ils sont été créés, et qui ont parfois une certaine ressemblance avec ces portraits qui sont actuellement accrochées au mur. Mais comme je l’ai dit, ils ont été prises devant le miroir, même dans une autre taille.
Et c’était quelque part une sorte de dissolution de la figure, du portrait, parce que c’est par cette dissolution que j’en suis venu peu à peu, pendant un certain temps, à ces travaux non figuratifs.

Et puis nous revenons aussi au thème des portraits, comme je l’ai dit, je le fais en fait depuis toujours, même à l’époque où je peignais de manière figurative. Que ce soit pour dessiner les gens directement lorsque je suis assis quelque part, dans un bar ou autre, pour simplement garder une trace de quelque chose dans mes carnets de croquis.

Ou lorsque j’ai des modèles de photos et que je transforme effectivement des photos en peinture ou en dessin. Mais la différence avec les choses que je faisais avant à l’université, les portraits ou les photos, ils servent de point de départ.

C’est juste un coup de fouet pour peindre quelque chose. Elles ne servent pas à reproduire les personnes une à une. Au bout d’un moment, ça ne m’intéresse pas non plus de savoir à quoi ces personnes ressemblent plus tard.

Personne ne doit se retrouver personnellement dans ces images. Donc personne dont j’ai utilisé la photo n’a été contacté directement. C’est simplement une façon de peindre un tableau. Voilà, c’est une chose.

Armin Rohr sur ses influences personnelles

Il y avait, avant que l’exposition ne soit planifiée ici, je peignais un portrait de ma mère, qui est démente depuis trois ans. Et cette image était relativement, entre guillemets je dirais, réaliste.

Cela signifie que ma mère était représentée de manière reconnaissable dans les traits essentiels de son visage, mais qu’elle ne fonctionnait soudain plus pour moi, parce que je me suis dit que de semaine en semaine, l’état progressait relativement vite. Elle se dégrade de manière inquiétante. La personnalité disparaît donc.

Et puis j’étais à nouveau dans ce thème que j’avais aussi à l’université, cette dissolution. Une telle personnalité se dissout. Elle est tout simplement de moins en moins présente, car elle ne peut plus se souvenir.

Et au cours de ce processus de peinture, j’ai peint de plus en plus les traits essentiels du visage de cette image réaliste, de sorte qu’il en résulte cette image où, finalement, il n’y a plus rien d’humain dans ce tableau.

Mais soudain, cela coïncidait avec ce que je ressentais maintenant en pensant à ma mère. Et c’était un peu l’image de départ pour les prochaines, qui ont toujours été créées entre-temps.

Là aussi, l’idée est déjà là, j’avais comme point de départ dans la peinture, dans l’accompagnement, des images similaires toujours reconnaissables. Cela signifie que les gens se sont reconnus. Une fois, j’ai peint ma fille là-bas et ma femme est arrivée quand les sous-couches acryliques étaient terminées, elle a dit : “Oh, laisse ça, c’est vraiment génial”.
Mais je ne pouvais pas laisser les choses en l’état, parce que ça ne correspondait pas à ce que je voulais exprimer… De plus, beaucoup des photos que j’utilise, y compris celle de ma mère, sont le fruit d’instantanés que je prends ou que je remarque d’une manière ou d’une autre sur le web.

En d’autres termes, il ne s’agit pas de photographies de portraits classiques, mais simplement d’instantanés, où les éléments essentiels d’un portrait de personne manquent de toute façon. Il manque la parole, il manque le mouvement et pour moi, une telle photo est très insuffisante, je ne peux pas représenter la personnalité d’une personne à partir d’une photo.

J’ai besoin d’autre chose. Et puis par la résolution, par la peinture, j’ai aussi eu le sentiment de passer d’une image personnelle à une image générale, où peut-être même plus de gens s’identifient à elle qu’à une image classique, où quelqu’un demande qui c’est, c’est lui de toute façon, ah oui.

Et c’est soudain un tout autre débat. Et j’avais aussi l’impression que j’allais plutôt vers un côté sombre. Dr. Jekyll et Mr. Hyde, euh, l’histoire de Jekyll et Hyde, qui est quelque part en chacun de nous.

Et cela m’a toujours plus intéressé, ce côté sombre. Il en va de même pour les films et les livres. En principe, je m’intéresse plutôt à ce côté sombre qui se trouve en chacun de nous, même dans la peinture.

Couleurs, dessins et avenir

Verena Feldbausch: Et pourtant, tu utilises vraiment des couleurs très vives et claires et en fait joyeuses. Je ne les trouve pas sombres. Je trouve qu’il y a une explosion de couleurs dans tes tableaux.

Est-ce qu’elle s’est encore intensifiée ces dernières années ? J’ai maintenant plus d’aquarelles ou de travaux sur papier en tête. En fait, ils ne sont pas si colorés que ça. Mais ici, ces images grand format et aussi les portraits, je les trouve déjà très colorés.

Armin Rohr: Oui, je ne pense pas que cela ait augmenté. Il y a aussi eu des phases où j’ai travaillé de manière très réduite, il y a 15 ans. Une phase où je peignais vraiment des visages presque blancs.

Seule une couleur, généralement rouge ou bleue, était encore visible quelque part de manière un peu discrète. Mais dans l’ensemble, cette coloration m’a toujours intéressé, même à l’Académie.

Et maintenant, en ce qui concerne les thèmes abordés dans l’exposition, il s’agit bien sûr d’un contraste complémentaire. D’un côté, il y a cette noirceur qui est en partie contenue dans les images, ce que les gens ressentent aussi lorsqu’ils m’en parlent.
Mais d’un autre côté, on a ces couleurs qui, justement en ce qui concerne les paysages, ont d’abord quelque chose de plutôt idyllique, quelque chose qui attire immédiatement les gens. On voit des couleurs relativement nombreuses et vives et les images se créent un tout autre espace.

Et si je m’imaginais qu’ils étaient maintenant plutôt en noir et blanc ou en couleurs atténuées, il me manquerait une dimension, quelque chose ce qui donne aussi une autre tournure aux images.

Verena Feldbausch: Oui, absolument. Parlons maintenant des aquarelles et des dessins. Ce sont en effet des formats plus petits, généralement sur papier, au crayon, à l’encre, à la craie, au feutre et ainsi de suite.
Il s’agit souvent de groupes de personnes ou d’individus. Pour moi aussi, cela ressemble parfois à des photos de vacances, est-ce qu’il y en a aussi ? On pourrait faire un tour.

Maintenant celui-ci, il y a deux personnes et la personne de droite porte un t-shirt à rayures.

Armin Rohr: Les photos ont donc été prises la plupart du temps après des instantanés de vacances. Soit je les trouve par l’intermédiaire d’amis, de parents, de connaissances, on me les envoie.

On part en vacances ensemble et on échange des photos. Il y en a que je fais. Souvent, d’un point de vue de la composition, je prends une photo et je la reproduis une à une, sans trop de changements.

Mais il y a aussi des photos où j’omets complètement certains éléments ou où j’ajoute des personnes. Ce qui m’a frappé à un moment donné, c’est que pendant Corona, j’ai peint beaucoup de tableaux d’après ce peintre baroque Pompeo Batoni.
Oui, c’était un peintre qui vivait à Rome et qui peignait des touristes qui vivaient à Rome pendant un certain temps et qui, bien sûr, ramenaient en souvenir un portrait, un portrait représentatif peint par lui, pour montrer, regarde là, c’est moi, j’étais à Rome.
Elles étaient enrichies de symboles, d’objets, il y avait peut-être aussi parfois un chien ou une sculpture, tout cela avait une certaine signification. Mais la manière dont les gens ont posté avant les paysages n’est rien d’autre que ce qui est désormais téléchargé des millions de fois sur le web.

Toutes les poses quelque part devant un paysage, c’est quelque chose qui n’est pas nouveau. C’est pourquoi cela m’a intéressé à un moment donné, cette mise en scène de personnes, des histoires en quelque sorte très banales, que j’essaie ensuite d’ironiser un peu, notamment dans les dessins, pour pousser le tout un peu plus loin.

Et lorsqu’il s’agit de paysages, j’essaie bien sûr d’introduire un peu de malaise par le biais de couleurs qui n’ont rien à voir avec ce que nous connaissons, comme le ciel rose ou rouge, ou peut-être un vert vénéneux subliminal.
Et je crois que c’est aussi ce qui, je l’espère, se retrouve un peu tout au long de l’exposition, ce qui constitue un peu le fil conducteur de ces trois groupes d’œuvres, disons. Ce malaise, qui est aussi mon malaise face au monde en général, que je remets sans cesse en question, par exemple à travers ces histoires d’images.

Il se trouve que dans ces images, il y a plusieurs photos, dont certaines sont déjà très anciennes, que j’ai trouvées dans des caisses de mes parents. Ce sont des photos du voyage de noces de mes parents, il y a déjà 60 ans.
Rien ne les distingue dans le dessin, dans la peinture, de ce qui avait été pris il y a un an. En ce sens, c’est un thème très ancien.

Verena Feldbausch: C’est vrai, oui, tout à fait. Cela s’étend vraiment sur des décennies. On le sait, on le fait tous.
Tu as aussi dit une fois, je te cite encore dans le catalogue, qu’un dessin au crayon est toujours un très bon concept. Qu’est-ce que tu veux nous dire par là ?

L’importance du dessin

Armin Rohr: J’ai en effet commencé comme dessinateur, même avant mes premières études de design graphique. J’ai toujours dessiné et, en fait, depuis ces premières études, chaque fois que je sors de chez moi, j’ai un carnet de croquis dans un sac à dos ou une poche et un crayon.

C’est donc pour moi la forme la plus rudimentaire d’expression. Il fonctionne partout. Je n’ai pas besoin d’électricité, je n’ai pas besoin de Wifi. Je m’assieds n’importe où, que ce soit en vacances, devant un paysage, dans un bar ou n’importe où, si quelque chose m’intéresse, si une pensée me traverse, je peux démarrer immédiatement.
Je n’ai pas besoin de couleur. C’est la chose la plus simple qui fonctionne toujours. Et on ne s’en lasse jamais. Ce qui est drôle, c’est que ça ne se démode jamais, parce qu’à part moi, Dieu merci, il y a encore beaucoup, beaucoup d’autres collègues qui le font.
Et c’est quelque chose qui m’accompagne vraiment depuis plus de la moitié de ma vie. Je n’imagine même pas que cela puisse s’arrêter un jour.

Verena Feldbausch: Oui, donc ça veut dire que tu as une collection folle, probablement de carnets de notes. Et je crois qu’il y a aussi un écran derrière.

Quand on entre, il y a un écran à droite et on y voit des extraits des carnets qui ont été écrits ces quatre dernières années, non ?

Armin Rohr: Non, je ne sais pas exactement sur quelle période ils ont été réalisés. Je pense que j’ai simplement pris des carnets de croquis qui, je crois, contiennent parfois des croquis datant d’environ dix ans.

J’ai essayé de rassembler tout cela pour l’exposition. Il y a donc beaucoup de portraits ou d’histoires figuratives. Ce sont aussi des notes de paysage que je fais de temps en temps, quand je me promène dans la ville, à Sarrebruck, où je me dis, regarde là, le soleil, l’ombre, je vais m’asseoir et commencer à dessiner.

Il y a aussi beaucoup d’histoires personnelles, mais cela devait être un peu adapté à l’exposition, j’ai donc pris un peu de recul.

Verena Feldbausch: Et je veux dire, tu tiens un blog. Est-ce qu’il est quotidien, c’est-à-dire que tu y mets quelque chose tous les jours pour que tes amis ou tes followers puissent voir ce que tu as fait ? Ou c’est plutôt pour toi ?

Armin Rohr: Tout d’abord, l’idée de départ était que j’avais un site web qui était incroyablement compliqué à mettre à jour. Et c’est là que je suis tombé sur ces blogs à un moment donné en 2007, je crois.

Cela a été relativement rapide. En l’espace de cinq minutes, il était possible de configurer le tout via des modèles. Et puis j’ai compris que j’allais finir par laisser mourir le site web, parce que je peux ajouter des choses assez rapidement au blog, et j’ai commencé par une série d’autoportraits, ce qui est assez drôle.

Et je ne savais pas non plus que cela prendrait autant de temps. Je me suis dit que j’allais le faire. Et si j’ai une idée pour un site web plus facile à mettre à jour, je le ferai peut-être plus facilement un jour.

Et soudain, le blog, c’était en quelque sorte l’histoire d’un journal intime. Il y a des moments où je ne peins pas, pas de grands tableaux, alors j’actualise là presque tous les jours.

C’est-à-dire que ce sont des dessins, des notes, ce sont des choses très banales. Ce sont aussi souvent des dessins qui sont réalisés dans les cours avec les étudiants, quand nous sommes dehors, je fais toujours des dessins explicatifs et je participe ensuite moi-même au dessin.

Il y a beaucoup de choses qui sont en fait stupides ou qui ne sont pas sérieuses. Mais cela a toujours un rapport avec moi. Et avec les dessins, c’est parfois très personnel. Je n’ai pas peur de montrer ce genre de choses.

Entre-temps, cela fait presque 20 ans que cela fait partie de ma vie. Et maintenant, l’année dernière, en raison de la taille des tableaux, si j’ai peint un jour un tableau comme ça, je n’ai évidemment plus fait de dessin.

Cela signifie que les entrées n’étaient plus aussi régulières maintenant. Mais il y aura certainement d’autres moments où les choses seront différentes. Et je ne peux plus m’imaginer continuer sans ce blog.

En dehors de cela, Dieu merci, il y a d’autres artistes qui le font. Pas beaucoup, mais il y en a.

Verena Feldbausch: Et je m’imagine que tu as tous ces carnets de croquis dans ton bureau ou dans ton atelier, tu les as classés par année ou par mois ? Alors comment tu trouves quoi ?

Ou tu regardes à nouveau ? Je veux dire, c’est censé être une aide à la réflexion parfois. Alors comment tu t’y retrouves ?

Armin Rohr: Pas du tout. Je suis quelqu’un de très désordonné. Total, déjà.
Et lorsque j’ai fait des recherches, toutes les images qui sont maintenant visibles dans ce moniteur, tous les dessins, j’ai toujours, Dieu merci, pris des photos pour le blog au cours des années.

Et quand j’ai fouillé dans les étagères, que j’ai sorti quelques carnets de croquis et que j’ai vu qu’il y avait plein de croquis que je n’avais pas pris en photo. Mais il n’était pas non plus possible de le faire dans le temps imparti.

Malheureusement, je suis complètement désordonné et bâclé et je vais peut-être photographier d’autres choses au fur et à mesure. Mais cette histoire de blog est plus importante pour moi, pour voir ce qui s’est passé au fil des ans, qu’un entrepôt d’images ou ces carnets de croquis.

Je regarde souvent les carnets de croquis. Et si par hasard j’en sors un de l’étagère qui a 20 ans, je retrouve immédiatement ce sentiment ou cette ambiance, c’est selon.

Encore plus que sur la photo. Quand je suis assis quelque part devant un paysage et que je le dessine, selon le temps que cela prend, tu le perçois très, très différemment, et il reste en mémoire très différemment, comme une photo.
Cela signifie que je retrouve immédiatement l’ambiance ou l’état d’esprit dans lequel j’ai fait ce dessin.

Verena Feldbausch: Intéressant, oui. Et maintenant, j’ai encore une question sur la série. Oui, alors maintenant je te cite à nouveau.
“Des nuages sombres adoucissent ma journée. Je te remercie, Dieu de la série”. L’art sériel repose donc sur le principe de la répétition et de la variation. Tu peins toujours en série.

Nous l’avons vu avec le portrait. Quand est-ce qu’un sujet est épuisé pour toi ?

Armin Rohr: C’est juste un sentiment. Cela signifie que je travaille sur un thème jusqu’à ce que j’arrive à l’atelier et que j’aie peur de me répéter ou que je ne trouve plus rien.

Et ensuite, je dois commencer autre chose. C’est pourquoi, c’est ainsi que s’expliquent les ruptures, qui sont souvent incompréhensibles pour beaucoup.

Pourquoi peint-il maintenant de manière figurative tout le temps, et tout à coup on voit une peinture murale abstraite ou non figurative. C’est vraiment souvent une sorte d’ennui.

Parfois, il arrive simplement que l’on s’ennuie et je dois alors faire quelque chose de nouveau, parce que je ne veux tout simplement pas me reproduire. Mais il se peut que je recommence des années plus tard, parce que quelque chose me revient.
Mais ce travail en série s’est simplement avéré très bon et important pour moi.

Verena Feldbausch: Les lieux forestiers ne sont probablement pas encore terminés. Je veux dire, quelques tableaux ont déjà été créés, mais il y a probablement encore beaucoup de potentiel, j’imagine, non ?

Projets à venir

Armin Rohr: Maintenant, il y a eu une rupture. Ces quatre dernières semaines, je n’ai vraiment pas pu travailler à l’atelier. Et maintenant, je suis moi-même impatient. Bien sûr, les lieux de la forêt sont principalement des toiles et des tableaux sur bois, même de petits formats.

Il y a quelques très rares dessins, des travaux sur papier, qui ne sont pas exposés ici, car ils n’auraient pas été adaptés. Mais ce que je peux tout à fait imaginer, c’est que je peux maintenant pousser un peu plus loin ces lieux forestiers dans des travaux sur papier, parce que sur le papier, en tant que dessinateur, je suis complètement libre. Je peux faire ce que je veux.

Je peux de toute façon le faire en tant que peintre, mais dans le dessin, tu peux essayer des choses beaucoup plus rapidement. Si ça donne quelque chose, c’est bien. Si ce n’est pas le cas, jette-le.

Et je pense que je vais peut-être maintenant me diriger davantage vers le papier ou m’éloigner des lieux forestiers et peut-être déplacer le tout dans un environnement urbain, dans des espaces urbains.

Même en ce qui concerne les objets, je n’aurais jamais imaginé, jusqu’à il y a trois ou quatre mois, que je peindrais un jour une voiture ou une caravane. Ce sont des découvertes totalement nouvelles pour moi.

En tant que dessin, peut-être, bien sûr, mais plutôt en tant que paraphe, lorsqu’il se trouve quelque part dans le paysage. Mais cela m’intéresse aussi maintenant, bien sûr, de savoir comment je peux traiter de tels objets de manière picturale.
Il y a encore beaucoup de potentiel. Je pense que cela va continuer.

Verena Feldbausch: Magnifique, super. Merci beaucoup. C’est tout.
Sauf si tu veux dire quelque chose que j’ai oublié de demander.

Armin Rohr: Je crois que nous avons abordé tellement de choses. Je pense que nous avons couvert l’essentiel et qu’il y avait aussi de superbes questions.

Merci beaucoup de m’avoir invité. Cela m’a fait très, très plaisir.

Verena Feldbausch: C’est bien. Oui, ça me fait plaisir aussi. Tu me viens à l’esprit depuis que je fais des podcasts, depuis 2023.
Mais je lie toujours cela à une exposition. Oui, parce que je trouve que les gens peuvent alors y aller.

Et j’ai discuté avec Nicole Nix-Hauck (la commissaire) de la création d’un code QR qui permettrait au visiteur d’écouter le podcast.
Armin Rohr: J’ai hâte de voir ça. Je l’essaie tout de suite ! Belle idée.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Merci beaucoup, Armin. Un catalogue a été publié à l’occasion de l’exposition.
Il y a des visites guidées publiques de l’exposition et tu trouveras toutes ces informations dans les shownotes. Il y aura également un entretien avec l’artiste Armin Rohr et la commissaire et directrice de la Städtische Galerie Neunkirchen, Nicole Nix-Hauck, le 18 mai, le jour du finissage.

J’espère que vous avez pris autant de plaisir que moi et je me réjouis déjà de la prochaine fois. D’ici là, votre Verena Feldbausch.
Tu as aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les shownotes et sur notre blog.

Rejoins-nous pour parler d’art avec art talk, le podcast d’art de SaarlorLux.

-FIN-

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#23 art talk – Anne-Marie Stöhr

Verena — Fri, 07 Feb 2025 05:13:16 +0000

Entretien avec Anne-Marie Stöhr

Je parle avec la peintre et performeuse Anne-Marie Stöhr de son exposition actuelle à la Maison des artistes de la Sarre, intitulée « … went out on a limb », qui se tient jusqu’au début du mois de mars. Le titre de l’exposition signifie « a pris un risque » et fait référence aux risques émotionnels ou fatidiques que l’on peut prendre en tant qu’individu.

Anne-Marie Stöhr, qui a des origines culturelles en France, en Suède et en Allemagne, a étudié entre autres à Göteborg et à la Hochschule der Bildenden Künste (HBK) Saar. Après avoir passé 17 ans en Californie, elle vit à nouveau à Sarrebruck depuis 2019.

Photo Credits:

Ich und Du, 2023*
Déchirures (My Fortune on a string), 2024
Pieces of Paper, 2024*
Les aléas de la source, 2024*
Ich und Du, 2023*
Argent argenté (The skin you are in), 2024*
Oiseau Rebelle, 2024*
TV Jacket, 2023*
Katalog zur Ausstellung „…went out on a limb“

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Lire l’interview avec Anne-Marie Stöhr en entier

Verena Feldbausch:
Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les curateurs* et les artistes* là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participe aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Verena Feldbausch:
Bienvenue dans ce nouvel épisode de l’art talk. Aujourd’hui, je m’entretiens avec l’artiste Anne-Marie Stöhr, qui présente actuellement l’exposition “…went out on a limb” à la Maison des artistes de la Sarre (Saarländisches Künstlerhaus). Qu’est-ce qu’une maison d’artistes ? Ce n’est pas un musée, mais un lieu où tous les artistes d’une région se retrouvent sous un même toit, rassembler sous un même toit, et ne pas seulement les artistes plasticiens, mais aussi les musiciens, les écrivains, les acteurs, les cinéastes, les étudiants, car ils ont trouvé ici un lieu de travail et de la dispute créative. Grâce à la situation de la Sarre au cœur de SaarLorLux, la maison des artistes sarroise a une vue également au-delà des frontières et thématise de plus en plus l’art contemporain de cet espace culturel. Un lieu idéal donc pour notre podcast artistique “art talk SaarLorLux”. Comme toujours, vous trouverez sur mon blog des illustrations des ouvrages d’Anne-Marie Stöhr dont il a été question et également sur le blog et sur YouTube, vous trouverez les différentes versions linguistiques, donc notre interview sous-titrée en allemand, français et anglais. Je vous souhaite beaucoup de plaisir à l’écoute, bien à vous, Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch:
Chère Anne-Marie Stöhr, bienvenue dans notre podcast artistique “art talk”. L’occasion est ton exposition actuelle à la maison des artistes de la Sarre, intitulée “…went out on a limb”, à voir jusqu’au début du mois de mars. Permets-moi de te présenter brièvement. Tu es peintre et performeuse. Tu es né en 1969 à Sarrebruck et tu vis et travailles à Sarrebruck. Ces données ne révèlent toutefois pas que tu es polyglotte. Tu es né d’un couple germano-suédois et tu as longtemps vécu aux États-Unis. Pourquoi parles-tu si bien français en plus de l’allemand, du suédois et de l’anglais ?

Anne-Marie Stöhr:
Oui, parce que j’ai grandi de l’autre côté de la frontière, j’ai été à l’école là-bas, à Spichern en France. Et mes parents étaient francophiles, ils se sont rencontrés dans le sud de la France. Mon père travaillait en France. Ma mère adorait cette langue. Ils ont aussi beaucoup lu en français. Et oui, c’est pourquoi.

Verena Feldbausch:
Oui, c’est très intéressant. Tu peins de manière non figurative et tu considères la peinture comme ta cinquième langue. Que veux-tu exprimer avec ton art ou que veux-tu dire par là ?

Anne-Marie Stöhr:
Eh bien, ce que je ressens, c’est que je peux dire beaucoup de choses avec les couleurs et les variations de couleurs. Donc, que les couleurs en elles-mêmes sonnent. Et c’est peut-être quelque chose qui est plus musical que ce qui est maintenant plus axé sur le langage. Je sépare cela et, plus précisément, j’ai les titres littéraires que portent souvent les œuvres, lyriques ou littéraires ou drôles, mais qui travaillent aussi souvent avec le langage, ces titres sont en fait en contradiction avec les images. Ce ne sont donc pas des explications des images, mais peut-être des titres, qui me viennent à l’esprit pendant que je travaille et qui, en contrepartie, apportent un monde concrète et littéraire, mais qui n’a rien à voir avec le contenu.

Verena Feldbausch:
Exactement, nous allons parler des titres dans un instant. Concernant ta formation, au début de la vingtaine, tu as étudié la peinture à Göteborg.

Anne-Marie Stöhr:
A 20 ans.

Verena Feldbausch:
À 23 ans, tu es entré à la Hochschule der Bildenden Künste Saar (École supérieure des beaux-arts de la Sarre) où tu as étudié l’art libre avec une spécialisation en peinture chez Bodo Baumgarten et les nouveaux médias chez Ulrike Rosenbach. Qu’as-tu fait après tes études et pourquoi as-tu déménagé en Californie en 2002 ?

Anne-Marie Stöhr:
Oui, après mes études, j’ai obtenu une bourse de travail de l’Office franco-allemand pour la jeunesse (OFAJ). J’ai passé six mois à Grenoble et j’y ai travaillé. Et puis je suis rentré en Allemagne et je ne savais pas vraiment où j’allais. Au départ, je voulais aller en Suède, je crois, mais j’ai rencontré mon mari de l’époque et nous sommes partis ensemble, il était américain, nous sommes allés ensemble à San Francisco dans sa ville natale.

Verena Feldbausch:
Oui, c’était la raison. D’accord.

Anne-Marie Stöhr:
C’était la raison.

Verena Feldbausch:
Et puis, tu as vécu 17 ans aux États-Unis. Tu es revenu à Sarrebruck en 2019. Comment cette période aux États-Unis t’a-t-elle influencée sur le plan artistique ?

Anne-Marie Stöhr:
C’est très fort et cela concerne aussi les couleurs. Donc au début, ce n’était pas facile, c’était donc un changement. Sur le plan linguistique, je n’avais pas de problème, je parlais déjà bien anglais, mais quand même la culture est très différente et on est très loin de chez soi. Et ce que j’ai trouvé là, c’est tout simplement l’amour de la nature. La nature est magnifique et très, très belle. A l’époque, je me promenais aussi beaucoup avec mon fils et je me sentais très à l’aise. Je me suis senti chez moi dans la nature. Et c’est justement là que les conditions de lumière sont très particulières en raison de l’océan Pacifique, que j’aime particulièrement. Et grâce au climat, elle fleurit aussi deux ou trois fois par an. Et toutes ces plantes que nous avons ici comme plantes d’intérieur ou comme plantes de jardin, y poussent à l’état sauvage. Ainsi, les lis de Kala fleurissent partout au printemps et les bougainvilliers sont énormes. Et il y a tout simplement beaucoup de couleurs. Et puis en plus, le ciel bleu, puis les “Painted Ladies”, les maisons de San Francisco. Tout cela m’a beaucoup marquée, colorée, et s’est ensuite répercuté assez directement dans mes images.

Verena Feldbausch:
Donc si tu compares tes travaux, quasiment ceux que tu faisais encore en Allemagne, donc avant ton séjour en Californie avec celles d’après, y a-t-il une réelle variation de couleur ?

Anne-Marie Stöhr:
Oui, absolument. C’est là que ma palette de couleurs a beaucoup changé. Il faut dire que j’ai travaillé pendant des années avec le soufre, même pendant mes études, puis j’ai commencé à travailler à l’encre sur papier. Et là, c’était très porté par l’encre noire avec des nuances de couleurs. Ensuite, j’ai aussi fait des installations où je peignais des bandes de couleur et j’y ai accroché mes dessins. Et quand mon fils était tout petit, j’ai beaucoup dessiné, parce que c’était plus facile quand il était bébé, c’est-à-dire quand je n’avais pas à m’occuper de lui. J’ai pu réaliser très rapidement des dessins de petit format et je n’avait plus peint. Donc il y avait de moins en moins de couleur, c’était très réduit et puis sur des bandes de papier grand format j’avais encore beaucoup de surface blanche, même si j’utilisais de plus en plus d’encre de couleur. Et oui, cela a lentement évolué vers les encres de couleur que j’utilise encore aujourd’hui mais ils sont devenus de plus en plus forts.

Verena Feldbausch: De retour à Sarrebruck en 2019, comment s’est passé pour toi le fait de vivre et de travailler en Allemagne ? Et comment as-tu repris pied ici sur le plan artistique ?

Anne-Marie Stöhr: J’avais déjà un peu planifié aux États-Unis, que je retournerai probablement en Europe, soit en Suède, soit en Allemagne. J’ai commencé à exposer une fois en Suède à partir de 2015, je crois, puis en Allemagne, puis de nouveau en Suède, puis de nouveau en Allemagne, afin de pouvoir également ouvrir une voie, pour que ce soit plus facile pour moi, mais aussi pour renouer des contacts avec mes amis artistes. Le fil n’a jamais été rompu avec certains d’entre eux, et l’atterrissage s’est donc fait en douceur.

Et le fait que j’ai étudié ici, ainsi que beaucoup de mes camarades de classe, qui sont encore là, la connexion a été relativement facile. Cela a beaucoup aidé et c’était très, très agréable de se retrouver. J’ai trouvé qu’ici, en Allemagne, en Europe, les conditions de travail sont bien sûr beaucoup mieux qu’aux États-Unis et c’était génial.

C’était facile, il faut le dire, c’est génial, parce qu’aux États-Unis, il n’y a simplement pour le milieu des artistes pas de possibilités de soutien, pas de maisons comme maintenant la maison des artistes etc., qui sont subventionnés et non pas une maison-atelier comme le Kuba (Kulturbahnhof). Et c’est très important. Et que les artistes soient soutenus pour qu’ils puissent aussi faire leur travail et être perçus comme tels. Et cela m’a fait beaucoup de bien.

Quoi, eh bien, sinon, c’est évidemment très différent si tu passes ensuite d’un pays à l’autre et 17 ans, c’est presque toute une vie. Je suis déjà très influencé par la Californie et je suis aussi devenu différente. Et là aussi, il me manque beaucoup.

Verena Feldbausch: Est-ce que tu y es régulièrement, de retour en Californie, pour rendre visite aux amis ?

Anne-Marie Stöhr: J’aimerais pouvoir le faire plus régulièrement, mais c’est une question de coût.

Verena Feldbausch: Oui, bien sûr. Tu es également membre de l’association des artistes sarrois depuis 2017.

Anne-Marie Stöhr: Oui.

Verena Feldbausch: Et ici aussi, à la maison des artistes, tu as été active.

Anne-Marie Stöhr: Exactement, j’ai fait partie du conseil d’administration pendant deux ans. Oui, j’ai beaucoup aimé. J’ai trouvé cela très bien, encore une fois, sur le plan de la politique culturelle, de mettre en place quelque chose avec d’autres artistes et avec des écrivains.

Verena Feldbausch: Dans ton exposition actuelle à la Maison des artistes de la Sarre, tu présentes six œuvres de grand format abstraites sur toile. Et le titre de l’exposition “…went out on a limb” se traduit par “…a pris un risque” ou “… je me suis trop avancé”. À quoi te réfères-tu et quels risques prends-tu dans ta peinture ?

Anne-Marie Stöhr: La première chose à laquelle je me réfère est bien sûr mon déménagement des États-Unis ici en Allemagne, vers l’Europe. Parce que c’est un risque énorme et c’était une décision très difficile à prendre. Je n’ai pas dormi pendant des semaines. J’aurais tout aussi bien pu rester là-bas et il aurait été bon que j’y reste. C’est devenu une bonne chose que je sois venu ici. Ce sont donc des décisions de ce genre. Heureusement, je suis parti en bons termes. C’est une bonne chose. Oui, mais c’est évidemment un risque, un risque énorme. Et c’est à cela que je fais référence.

Et celui-ci, donc en peignant, je prends à chaque fois un risque, car je ne fais pas d’esquisses en fait. Je n’ai pas d’image qui existe déjà concrètement et que je peux ensuite appliquer d’une manière ou d’une autre sur la toile ou sur le papier, mais il naît pendant le processus de création. Et c’est justement la grande surprise. Et c’est important pour moi, en tant qu’artiste, de développer cela aussi. Après tant d’années, je le fais depuis plus de 30 ans, 35, 40 ans, longtemps maintenant et que cela reste intéressant pour moi.

Verena Feldbausch: C’est-à-dire que tu ne fais pas de dessins préparatoires, tu ne planifies pas la composition, est-ce que tu prévois les couleurs ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, je n’appellerais pas ça planifier, mais c’est souvent comme ça que je travaille dans les séries ou que je travaille par périodes. J’ai alors une palette particulière, et c’est ainsi que naît peut-être aussi une image de la suivante, de la précédente. Et cela se développe ensuite dans une certaine période, puis les palettes changent ou s’il y a quelque chose d’autre qui veut être là.

Verena Feldbausch: De combien de temps as-tu besoin – tu ne peux probablement pas le dire de manière générale – combien de temps a duré la peinture de ce tableau, par exemple ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, je ne peux toutefois pas le dire de manière générale, car cela dépend toujours beaucoup de la situation, si je suis et à quel point je suis dans le flux en ce moment. Donc il faut dire que les grands formats, c’est une performance très physique. Je les entoilerai et les apprêterai moi-même, et c’est physiquement épuisant. Et je ne suis pas la personne la plus douée pour les travaux manuels. Je me bricole, je me bats toujours avec ces pièces, je tape et j’entoure. Et puis ils sont tendus, puis je dois mettre une couche de fond, puis je dois toujours attendre. C’est toujours la pire des choses. On ne peut donc pas commencer à peindre directement. Et selon le nombre de fois où je l’apprête, je dois attendre.

Ensuite, la première phase de la peinture est celle qui pose les bases et c’est la phase de l’encre de Chine. L’image est à plat sur le sol et ensuite je travaille avec le pinceau. Et en fonction, donc, cela dépend simplement du pinceau que je prends, de la couleur que je choisis, quelle couleur j’aimerais avoir en ce moment. Et quand j’ai l’impression que c’est bon pour l’instant, je laisse et alors je dois attendre 24 heures parce que ça met tellement de temps à sécher. Quand j’arrive le lendemain, tout dépend si j’ai l’impression d’avoir fait une erreur, je veux y retourner avec de l’encre de Chine. Ensuite, je dois attendre encore 24 heures jusqu’à la prochaine phase, puis seulement là la phase avec la peinture acrylique commence. Et puis c’est tout à fait normal, donc appuyé contre le mur et puis je peins. Et comme je réagis toujours d’une application de peinture à l’autre, tout dépend de cela.

Parfois, ça tombe vraiment bien, oui, alors le processus est peut-être plus rapide, l’image sera peut-être plus rapide. Ensuite, tout dépend si j’y retourne le lendemain, est-ce que ça s’assoit vraiment ou est-ce que c’est ennuyeux ? Je vais peut-être y retourner. Donc ça peut, oui, aller de deux semaines à un mois et peut-être que l’image s’avérera alors toujours pas considéré comme terminé. On ne peut pas vraiment le dire.

Verena Feldbausch: Est-ce qu’il t’arrive de jeter des toiles ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, beaucoup. Je lance et je détruis beaucoup de choses.

Verena Feldbausch: Et cette encre de Chine, c’est ce geste que l’on voit ainsi, ces larges coups de pinceau qui sont peint à l’encre de Chine, non ?

Anne-Marie Stöhr: Oui…

Verena Feldbausch: Exactement, maintenant je voudrais revenir sur les titres des images. Tu choisis souvent des titres littéraires pour tes tableaux. Que penses-tu des titres ? Viennent-ils de livres que tu es en train de lire ou d’où proviennent les titres ?

Anne-Marie Stöhr: Cela aussi est très différent. Donc ici, par exemple, “Moi et toi” est le titre du livre de Martin Buber. “Moi et toi” et cela m’a beaucoup ému. Et c’est pourquoi je l’ai repris tel quel, parce que c’est aussi, j’aime aussi le langage simple et des titres simples parfois.

Oui, cette image s’appelle “Built”, mais B-U-I-L-T, c’est bien sûr un jeu de langage. Et ça, oui, j’ai trouvé ça drôle. J’ai maintenant ces briques en néon, qui apparaissent dans mes œuvres depuis 2018. Ça a commencé quand j’ai fait une exposition aux États-Unis, où j’ai posé un tableau au mur sur deux blocs de couleur fluo. Et c’était simplement comme ça dans la phase de création, j’ai travaillé avec le néon dans l’image et alors il y avait aussi ces blocs devant mon atelier. Et je les ai peints avec l’orange fluo et ça m’a beaucoup plu, aussi parce que d’un côté, cette brique est très chargée, elle a quelque chose à voir avec construire et bâtir. C’est une couleur qui est devenue un matériau, qui va dans l’espace et la combinaison m’a bien plu.

Et si je parle si longtemps de cette image, c’est parce qu’elle est centrale dans le contexte avec l’installation ici devant, “Nomad One”, il s’agit aussi du nomadisme et la construction, le montage et le démontage.

Verena Feldbausch: C’est souvent le cas chez toi, tu as des images et des installations quelconques, qui sont colorés, tu les mets devant les oeuvres, en bois aussi parfois, donc maintenant avec ces briques, c’est vrai, mais en bois aussi. Et maintenant nous passons volontiers à l’œuvre qui occupe tout l’espace, “Nomad One”. Il s’agit donc d’un tableau peint des deux côtés, suspendu au plafond et orné avec des cordes colorées, lestée comment une tente. Tu peux m’en parler ? Quelle a été ton approche ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, donc j’ai eu une résidence au château de Wiepersdorf en 2023 et c’est comme ça, donc c’est dans le Brandebourg. J’y suis allé avec ma petite voiture et j’ai réfléchi à ce que je pourrais faire en deux mois. Je ne savais pas ce que j’allais faire là-bas au cours des prochains mois et comment je vais pouvoir le transporter. Là, j’ai simplement utilisé de la toile, de la toile enroulée et non tendue, mais j’avais justement peint des tableaux de grand format, comme je le fais toujours, et ensuite, cependant les bords, cousu à la main et justement avec une telle poinçonneuse ces rivets estampé et des fils de nylon, des fils de nylon colorés également utilisés en couleur. Et c’est de là qu’est née l’idée que je pouvais aussi peindre un tel tableau des deux côtés ou peut-être le tendre à travers la pièce et expérimenter à nouveau avec l’accrochage.

L’espace, c’est-à-dire l’atelier à Wiepersdorf, ils sont très, très grands, et là je pouvais me permettent vraiment cette liberté de voir grand. Et je l’ai fait la-bas, j’ai fini ce travail ici à Sarrebruck, mais je l’ai vu pour la première fois ici, dans la maison des artistes, bien accroché, car mon atelier n’est pas grand, n’était pas assez élevé.

Verena Feldbausch: Et Nomad One fait en effet référence aux nomades, donc à une tente.

Anne-Marie Stöhr: Grâce à la portabilité et à la mobilité de cette image et au fait que l’on peut l’enrouler, l’emporter avec soi, et peut-être aussi réfléchir à l’endroit où cela pourrait se faire, cela pourrait aussi se faire à l’extérieur, cela pourrait être accroché dans la forêt, cela pourrait être accroché dans l’église, cela pourrait être justement accroché dans le White Cube. C’était l’idée, mais aussi comme ça l’idée de la tente ou de la voile. Donc, qu’ensuite l’ image se détache du cadre et peut-être comme un espace de protection. Eh bien, parce que la couleur, donc justement dans cette monumentalité, a un effet encore différent. Donc, il y a une force supplémentaire. Et c’est là que je le vois un peu comme un abri, comme une maison ou une tente de protection. Oui, on peut aussi le pendre autrement. La même œuvre peut être accrochée et présentée différemment.

Verena Feldbausch: Oui, c’est vrai. Et dans la première pièce, tu veux qu’on y aille une minute ?

Anne-Marie Stöhr: Oui.

Verena Feldbausch: Il y a encore différents objets accrochés au mur. Ce sont donc des toiles qui sont en fait déchirées?

Anne-Marie Stöhr: C’est du papier, du papier qui a été déchiré. Ici aussi, il s’agit de “Déchirures (My Fortune on a String)”. “My Fortune on a String”, c’est venu d’une chanson. J’ai entendu Cat Power en peignant et il y a une phrase de la chanson. Elle chante ça, et je l’ai pris. Et j’ai trouvé intéressant de percer un rivet dans le papier et de le traiter en tant qu’objet et de le transformer à nouveau en tant qu’objet, en tant qu’image tridimensionnelle.

Verena Feldbausch: Est-ce que c’était quelque chose que tu avais en fait déjà déchiré ou est-ce que c’était quelque chose que tu as créé comme ça ?

Anne-Marie Stöhr: Non, c’était un tableau qui n’a pas abouti et que j’ai déchiré avec colère et puis j’ai réalisé, wow, ça a l’air bon. Et puis, de cette destruction furieuse est né à nouveau un éclair de créativité.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Et c’est probablement similaire ici. Alors comment s’appelle cette œuvre maintenant ?

Anne-Marie Stöhr: “Pieces of Paper”, donc un titre très simple. C’était un peu pareil et ça a été bricolé.

Verena Feldbausch: Alors, passons maintenant aux travaux sur papier. C’est aussi de l’encre de Chine maintenant ?

Anne-Marie Stöhr: C’est de l’encre de Chine.

Verena Feldbausch: Y a-t-il des titres ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, la plupart s’appellent “Summer Breeze” ou une variation de ce nom “Summer Breeze 1, 2, 3, 4”. Celui-ci s’appelle, je crois, “Pink and Purple”. C’est là qu’interviennent les couleurs, alors il y a quelque chose avec le soleil ou Sun breeze, quelque chose qui flotte. Je les ai aussi dessinés à Wiepersdorf. Les travaux sur papier. C’était bien sûr l’été et il faisait très chaud. Et juste comme ça, cette liberté dans cet été, dans cet atelier spacieux et puis le capturer, l’effet du temps, de la chaleur et de la nature autour de soi. C’est un peu ce que l’on voit ici avec ces coups de pinceau.

Verena Feldbausch: Je trouve que ça passe aussi totalement.

Anne-Marie Stöhr: Un bonheur simple.

Verena Feldbausch: Nous sommes maintenant dans la deuxième salle d’exposition avec les six tableaux de grand format. On se promène comme ça ?

Anne-Marie Stöhr: Exactement… Le tableau s’intitule “Les Aléas de la Source”. On me l’a donné, ce titre.

Verena Feldbausch: Oui, par qui ?

Anne-Marie Stöhr: D’un ami.

Verena Feldbausch: Il a dit que ça pourrait s’appeler comme ça ?

Anne-Marie Stöhr: Exactement.

Verena Feldbausch: C’est aussi une belle idée de demander à un ami s’il a un titre pour cela. C’est un écrivain ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, exactement.

Verena Feldbausch: D’accord, cela est bien sûr très poétique. Et cette image là c’est presque des couleurs de camouflage. Le vert est une couleur de camouflage, mais il y a aussi beaucoup de rose ou de rose. Quel est le titre ?

Anne-Marie Stöhr: “Moi et toi” librement inspiré de Martin Buber.

Verena Feldbausch: Exactement.

Anne-Marie Stöhr: Je ne peux pas vraiment dire de quoi il s’agit pour moi. Il ne s’agit pas d’un processus intellectuel, mais d’une véritable perception des couleurs, avec le sens de l’espace, l’été, la liberté. Je pense que je suis très influencée par les couleurs qui m’entourent.

Verena Feldbausch: Venons-en à l’image où le gris prédomine. Quel est le titre ?

Anne-Marie Stöhr: “Agent Argenté” – “The Skin You’re In”. C’est là que j’ai utilisé de l’argent. C’est pourquoi cet agent d’argent, donc comme “agent”, agent d’argent, comme moyen de transport, donc une couleur comme un véhicule, pour ainsi dire.

Verena Feldbausch: Tes titres sont souvent en français et en anglais.

Anne-Marie Stöhr: Oui, pour le moment.

Verena Feldbausch: Oui ? Ont-ils déjà été suédois et allemand ?

Anne-Marie Stöhr: Oui, certainement. Je pense que oui, donc les travaux précédents, quand je venais encore plus fraîchement de Suède. Par exemple, j’écris mon journal en suédois, mais j’avais maintenant, J’ai pris l’habitude de faire la plupart des titres en anglais aux États-Unis, du fait que j’y ai vécu. Cela change encore un peu maintenant, mais l’anglais est toujours très présent.

Verena Feldbausch: Et puis je dirais, venons-en à cette image ici.

Anne-Marie Stöhr: Cela s’appelle “Oiseau Rebelle”. “Oiseau Rebelle”, d’accord.

Verena Feldbausch: L’oiseau rebelle.

Anne-Marie Stöhr: Oui, ça vient de l’aria. “L’amour est un oiseau rebelle”, n’est ce pas?

Verena Feldbausch: Oui, ça fait évidemment quelque chose, ces titres, avec les œuvres abstraites, donc avec les œuvres non-figuratives, disons. On y cherche en quelque sorte un oiseau.

Anne-Marie Stöhr: Non, ce n’est pas un oiseau. Non. C’est le vol de l’oiseau.

Verena Feldbausch: Oui, on peut y faire beaucoup d’interprétations.

Anne-Marie Stöhr: Ou le chant de l’oiseau.

Verena Feldbausch: Nous avons déjà parlé de cette image au début. Il s’appelle “Built” et est placé sur ces pavés en néon. Et enfin, il reste celle-ci, où l’on voit beaucoup de nuances de bleu. Alors ça, c’est de l’encre de Chine ?

Anne-Marie Stöhr: Tout ça, c’est de l’encre de Chine. C’est de l’acrylique. C’est de l’encre de Chine. Donc tu vois, tout s’enchaîne comme ça.

Verena Feldbausch: Et quel est le titre de cette image ?

Anne-Marie Stöhr: “TV Jacket”. C’est un peu mystérieux, oui.

Verena Feldbausch: Un catalogue est également publié à l’occasion de l’exposition. Quand sera-t-il publié ?

Anne-Marie Stöhr: Il paraîtra le 14 février. Il y a aussi un entretien avec l’écrivain Jörg Gronius à quatre heures et demi. Donc à quatre heures et demie, le vendredi 14 février.

Verena Feldbausch: C’est aussi un autre événement qui est maintenant fixé dans le cadre de ton exposition.

Anne-Marie Stöhr: Oui, exactement.

Verena Feldbausch: Oui, merci beaucoup. Ou as-tu quelque chose à ajouter ?

Anne-Marie Stöhr: Eh bien, j’espère que beaucoup de gens viendront ici pour voir l’exposition. Je trouve que la couleur a absolument une force et aussi une dynamique. Et j’espère que ca passe que j’essaie de dire, avec de la couleur et du dynamisme.

Verena Feldbausch: Très bien, merci beaucoup. Super.

Anne-Marie Stöhr: Je te remercie.

Verena Feldbausch: Je vous invite à visiter cette exposition haute en couleurs d’Anne-Marie Stöhr à la Maison des artistes de la Sarre. Elle est visible ici jusqu’au 2 mars. Et avant cela, le 14 février, un entretien avec l’artiste Jörg Gronius aura lieu ici. Comme toujours, vous trouverez toutes les informations dans les Show Notes. Merci beaucoup pour votre intérêt et à la prochaine fois, votre Verena Feldbausch. Tu as aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les Show Notes et sur notre blog. Participe à nouveau à l’émission art talk, le podcast sur l’art de SaarLorLux.

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#22 art talk – The True Size of Africa – deuxième partie

Verena — Mon, 30 Dec 2024 07:00:28 +0000

Entretien avec la professeure Christiane Solte-Gresser sur l’exposition au Patrimoine culturel mondial Völklinger Hütte

Dans la deuxième partie de notre podcast sur l’art, je m’entretiens avec la professeure Christiane Solte-Gresser de la contribution du Käte-Hamburger-Kolleg für kulturelle Praktiken der Reparation (Collège Käte-Hamburger pour les pratiques culturelles de la réparation) de l’Université de Sarrebruck à l’exposition du patrimoine mondial Völklinger Hütte. L’accent est mis sur les artistes Zineb Sedira, Géraldine Tobe et Memory Biwa, qui ont été invités à collaborer à l’exposition sur place en tant qu’artistes en résidence et fellows. Vous découvrirez également qui était Käte Hamburger et les thèmes de recherche du Kolleg ici à Sarrebruck. Nous vous invitons à en apprendre davantage sur cette exposition fascinante à l’aide de nos podcasts d’art – parties 1 et 2 – avant ou après votre visite à Völklingen, afin de pouvoir réellement mieux mesurer la véritable grandeur de l’Afrique.

Foto Credits:

1 Zineb Sedira: Standing Here Wondering Which Way to Go, 2019
2 Zineb Sedira, Standing Here Wondering Which Way to Go, 2019
3 Memory Biwa: Ozerandu, 2024
4 Biwa Memory : Ozerandu, 2024
5 Memory Biwa: Ozerandu, 2024
6 Géraldine Tobe: Extrait de Empty Song/Vide Cantique 2022
7 Géraldine Tobe: Empty Song/Vide cantique 2022
8 Géraldine Tobe: Travaux en atelier au WKE VH, 2024

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Lire l’entretien complet avec la professeure Christiane Solte-Gresser :

Bonjour et bienvenue dans ce nouvel épisode de l’art talk. Avant de commencer, une remarque à titre personnel. Toutes les œuvres dont nous allons parler sont disponibles en images sur mon blog. Le lien se trouve dans les notes de l’émission.

Aujourd’hui, dans la deuxième partie de notre podcast, je m’entretiens avec la Prof. Dr. Solte-Gresser. Elle dirige, avec le Prof. Dr. Markus Messling, le Käte-Hamburger-Kolleg à Sarrebruck et nous parle de la contribution du Collège à l’exposition The True Size of Africa. Je suis Verena Feldbausch et je suis heureuse que vous écoutiez.

Verena Feldbausch : Bonjour, Dr. Solte-Gresser, et merci beaucoup d’avoir pris le temps de me parler. Notre thème est la coopération entre le Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte et le Collège Käte-Hamburger sur les pratiques culturelles de la réparation à l’Université de la Sarre pour l’exposition The True Size of Africa. Quelle est la contribution du Collège à cette exposition ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Oui, cela fait un bon moment que le directeur général de la Völklinger Hütte, Ralf Beil, nous a demandé si nous voulions participer à ce projet gigantesque, l’exposition. Nous en avions très envie. C’était une excellente occasion de diffuser nos réflexions sur la recherche auprès du grand public.

Nous avons donc accompagné tout ce projet d’un point de vue scientifique. Nous avons apporté nos réseaux, et très concrètement, cela signifie que nous avons par exemple participé à l’édition du catalogue de l’exposition et travaillé sur des textes pour l’exposition avec notre équipe. Nous avons beaucoup discuté de ce concept.

Verena Feldbausch : Mais quelle a été la contribution la plus importante et passionnante de votre collège ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Pour nous, le plus important et le plus passionnant aussi, et ce que l’on voit maintenant avec cette exposition, c’est que nous avons toujours des artistes et des scientifiques dans notre collège, qui ont contribué à cette exposition. Parmi eux, Elara Bertho, une africaniste, a apporté son expertise. Il y a également trois artistes en résidence : Zineb Sedira, Memory Biwa et Géraldine Tobe, qui ont été invités chez nous pendant de nombreux mois. Nous avons beaucoup parlé de cette exposition et préparé des œuvres d’art que l’on peut maintenant voir dans l’exposition. Cela a été un long et passionnant processus.

Verena Feldbausch : Comment s’est passée la collaboration avec les artistes ? Parlons d’abord de Zineb Sedira. Elle est française d’origine algérienne. Elle était artiste en résidence et a réalisé l’œuvre intitulée Standing Here, Wondering Which Way to Go pour l’exposition. Pouvez-vous nous en dire plus sur cette collaboration ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Cette collaboration a une certaine histoire. Zineb Sedira a pris en charge le pavillon français de la Biennale de Venise en 2022 et y a déjà présenté un peu de son salon. Markus Messling la connaît bien, ayant fait des recherches et travaillé sur son œuvre. Nous avons pu renouer ce contact, ce qui était très enrichissant.

Verena Feldbausch : Et qu’en est-il de sa relation avec le site de la Völklinger Hütte ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Nous avons travaillé ensemble de manière étroite, allant jusqu’à visiter le site de la Völklinger Hütte avec elle. Elle a été impressionnée par les lieux, comme tous les artistes qui découvrent cet espace. C’est un cadre exceptionnel pour exposer. Elle a également beaucoup contribué intellectuellement à la problématique des réparations en participant à un atelier avec nous sur plusieurs jours. Elle a présenté son œuvre, que nous avons discutée avec nos fellows, douze scientifiques du monde entier.

Verena Feldbausch : De quoi parle son œuvre, et pourquoi a-t-elle installé son salon là-bas ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : C’est son salon londonien, mais il évoque l’Algérie des années 60. Les visiteurs peuvent traverser cette pièce, s’asseoir sur le canapé, parcourir les étagères de livres. L’atmosphère y est empreinte de cette époque particulière en Algérie après l’indépendance, marquée par un espoir panafricaniste.

Verena Feldbausch : Passons à Memory Biwa. Sa couleur rouge joue un rôle central dans son installation. Pouvez-vous nous en dire plus sur son œuvre ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Son installation, intitulée Ozerandu, associe le rouge de la Namibie – celui de la poussière et du sable – au rouge des braises de la production sidérurgique de la Völklinger Hütte. Cela symbolise un lien entre différents espaces, temps et matériaux, mais aussi une réflexion sur les impacts du colonialisme et de l’extraction des matières premières.

Verena Feldbausch : Enfin, Geraldine Tobe, qui travaille avec la fumée sur toile. Pourquoi utilise-t-elle cette technique, et que représente-t-elle ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Cette technique unique utilise la fumée et la suie pour créer des formes. Son œuvre Empty Song est un cycle d’images explorant l’histoire congolaise et son propre vécu, notamment son expérience en tant qu’enfant victime d’exorcismes.

Verena Feldbausch : Merci beaucoup pour ces explications passionnantes. Avez-vous un dernier message pour nos auditeurs au sujet de l’exposition ?

Prof. Dr. Solte-Gresser : Je veux souligner l’importance de l’art et de la culture pour comprendre notre monde. The True Size of Africa est une expérience sensorielle qui nous invite à redécouvrir nos relations avec ce continent.

Verena Feldbausch : Merci encore pour votre temps et vos précieuses contributions.

Prof. Dr. Solte-Gresser : Merci beaucoup.

Verena Feldbausch : Rendez-vous au Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte pour découvrir cette magnifique exposition. Cela en vaut la peine. À bientôt pour de nouveaux épisodes.

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#21 art talk – The True Size of Africa – première partie

Verena — Mon, 23 Dec 2024 08:08:27 +0000

Entretien avec Dr. Ralf Beil sur l’exposition au Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte

Dans la première partie de notre podcast sur l’art, je m’entretiens avec Dr. Ralf Beil, commissaire de l’exposition THE TRUE SIZE OF AFRICA et directeur général du Patrimoine Mondial Völklinger Hütte. Nous nous concentrons sur les œuvres d’art contemporain, dont 26 positions sont à découvrir ici. « Des œuvres d’art significatives des dernières décennies rencontrent des installations sonores et spatiales réalisées spécialement pour l’exposition par des artistes d’Afrique et de la diaspora mondiale. Il en résulte un réseau dense d’impulsions et de possibilités de perception qui font vivre durablement et à plusieurs niveaux THE TRUE SIZE OF AFRICA dans le passé et le présent ». (Patrimoine Mondial Völklinger Hütte). Nous vous invitons à vous informer sur cette exposition fascinante à l’aide de notre podcast artistique – avant ou après votre visite à Völklingen – afin de pouvoir réellement mieux mesurer la véritable grandeur de l’Afrique.

Foto Credits:

7 © – Omar Victor Diop, Courtesy Galerie MAGNIN-A, Paris
8, 9 – © Zanele Muholi, courtesy of Southern Guild
10, 11 – © William Kentridge, Courtesy Kentridge Studio
12 – © ADAGP, Paris, 2023 Courtesy de l’artiste
13 – © courtesy of the artist and Galerie Barbara Thumm
12 – © The Singh Twins: www.singhtwins.co.uk
22 – © Courtesy of the artist and Selebe Yoon, Dakar
24 – © Kara Walker, Courtesy Sprüth Magers and Sikkema Jenkins & Co.
25, 26, 27 – © Smoking Dogs Films; Courtesy Smoking Dogs Films and Lisson Gallery.

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