#24 art talk – Armin Rohr

A propos de l’exposition d’Armin Rohr

La Städtische Galerie Neunkirchen ouvre la scène à Armin Rohr (*1961). Il présente de nouveaux mondes visuels énigmatiques dans une exposition individuelle intégrale intitulée « Malgré toute la futilité, je continue à chanter ma chanson. Sur les anomalies, les coïncidences et les probabilités ». du 14 mars au 18 mai 2025.

La figure humaine, qu’il place dans une relation ambiguë ou difficile à interpréter avec son environnement, est au centre de son travail. Fixées par le dessin et variées à maintes reprises dans des esquisses, des figures posant comme pour des photos de téléphone portable apparaissent dans des scènes bizarres ou banales de la vie quotidienne, des vacances et de la famille. Dans sa nouvelle série de portraits, il contrecarre également la culture du selfie et la transformation numérique omniprésente de l’image. Dans le groupe d’œuvres « Wald-Orte », l’artiste travaille avec le répertoire de motifs des séries policières télévisées : Des bandes de délimitation marquent certaines zones de la forêt comme des scènes de crime, des personnages sans visage en combinaison de protection fouillent le terrain à la recherche d’éléments inconnus. Des « indices » isolés dans des décors paysagers colorés suggèrent des relations mystérieuses, mais les arrière-plans restent dans l’ombre.

Le potentiel narratif des travaux d’Armin Rohr semble inépuisable, mais ils sont loin d’être illustratifs. Car les histoires qui y sont racontées échappent finalement à l’observateur.

Source : Nicole Nix-Hauck, catalogue d’exposition Städtische Galerie Neunkirchen

Vous trouverez plus d’informations, le podcast, un portrait de l’artiste Armin Rohr et l’interview complète à lire ci-dessous.

Photo Credits:

2 á 29: Armin Rohr
1 et 30: Verena Feldbausch

Portrait de l’artiste Armin Rohr

Armin Rohr, né en 1961 à Hemsbach, au-dessus de Weinheim, vit et travaille depuis son enfance en Sarre. Il a commencé sa formation artistique par des études de design à la Fachhochschule de la Sarre, qu’il a achevées en 1988 avec un diplôme de designer. Il a ensuite étudié la peinture libre de 1994 à 1998 à la Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBKsaar), où il a été élève-maître du professeur Bodo Baumgarten.

Depuis 2003, Rohr enseigne le dessin à la HBKsaar en tant que chargé de cours. Son atelier se trouve dans le centre culturel de l’EuroBahnhof à Sarrebruck. Au cours de sa carrière, il a reçu plusieurs distinctions, dont la bourse d’encouragement de la capitale du Land de Sarrebruck (1996), le prix artistique Saar-Lor-Lux de la ville d’Ottweiler (1997) et une bourse de travail à la Cité Internationale des Arts à Paris (2002). Institut d’art actuel.

Armin Rohr est un artiste contemporain actif dans différents domaines artistiques, notamment la peinture et la sculpture. Né en Allemagne, il s’est fait connaître par ses œuvres exceptionnelles, qui présentent souvent un mélange d’abstraction et de représentation figurative. Rohr est connu pour sa capacité unique à expérimenter avec les couleurs et les formes et à explorer des thèmes émotionnels et philosophiques plus profonds.

Parcours artistique et style

Rohr a fait ses études dans les domaines de l’art et du design dans des institutions renommées et s’est particulièrement concentré sur les formes d’art abstraites et expressionnistes. Dans ses travaux, il traite souvent de sujets sociaux, personnels et politiques, n’hésitant pas à aborder des thèmes difficiles ou controversés. Ses œuvres se caractérisent par des couleurs puissantes, des compositions dynamiques et un fort impact émotionnel.

Un aspect important de l’art de Rohr est sa capacité à travailler avec différents matériaux et techniques, ce qui fait de lui un artiste polyvalent. Outre des peintures et des sculptures, il a également créé des installations et des projets artistiques interactifs qui invitent le spectateur à s’immerger dans l’œuvre et à établir un lien personnel avec elle.

Influences et inspirations

Rohr est souvent influencé par différents courants de l’art moderne, dont l’expressionnisme, notamment les expressionnistes allemands, ainsi que l’informel allemand, qui l’ont fortement marqué. 

Il s’oriente ainsi vers des artistes classiques tels qu’Edvard Munch, Paul Gauguin et Franz Marc, qui font partie du modernisme classique, mais aussi vers des maîtres de l’époque baroque comme Vermeer et Velázquez. Il s’inspire en outre de l’approche expérimentale des artistes contemporains.

Ses œuvres reflètent souvent les tensions et les contradictions de la société actuelle et témoignent d’une profonde réflexion sur des thèmes tels que l’identité, la liberté et la condition humaine.

Expositions et reconnaissance

Armin Rohr a exposé dans différentes galeries et musées, tant en Allemagne qu’à l’international. Son travail a toujours suscité une grande attention, tant de la part des critiques d’art que des collectionneurs d’art. Parallèlement à son activité artistique, il s’engage également dans la promotion de la scène artistique et soutient de jeunes artistes émergents.

Les œuvres de Rohr ont été présentées dans de nombreuses expositions, tant dans l’espace public que dans des galeries et des musées. Un exemple récent est son exposition individuelle « Aller Vergeblichkeit zum Trotz ich weiter singe mein Lied. Über Anomalien, Zufälle & Wahrscheinlichkeiten », qui se tiendra du 14 mars au 18 mai 2025 à la Städtische Galerie Neunkirchen au centre culturel KULT.

Conclusion

Armin Rohr est un artiste dont les œuvres séduisent par leur profondeur émotionnelle et leur approche expérimentale de la technique et des matériaux. En associant l’abstraction et la représentation figurative, il défie le spectateur et ouvre de nouvelles perspectives sur le monde. Ses œuvres sont un jeu fascinant de formes, de couleurs et de significations qui invitent toujours à de nouvelles interprétations.

Lire l’entretien complet avec Armin Rohr

Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les commissaires d’exposition et les artistes là où ils exposent. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participe aux discussions de la galerie, aux inaugurations d’expositions et aux journées de clôture. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Bonjour et bienvenue pour un nouvel épisode de art talk, notre podcast sur l’art pour SaarLorLux. Aujourd’hui, nous sommes à la Städtische Galerie Neunkirchen pour l’exposition d’Armin Rohr intitulée “Aller Vergeblichkeit zum Trotz, singe ich weiter mein Lied. Über Anomalien, Zufälle und Wahrscheinlichkeiten”. On peut y voir des peintures grand format ainsi que des dessins et des aquarelles réalisés depuis 2019.

Comme toujours, les photos des œuvres discutées sont visibles sur mon blog. Vous pouvez écouter notre podcast sur le podcatcher de votre choix et aussi ici, sur place, à Neunkirchen, dans la Städtische Galerie, car il y a un code QR qui vous permet d’accéder directement à l’entretien avec Armin Rohr.

Cet épisode de art talk a été soutenu par le ministère de l’Éducation et de la Culture de la Sarre. Nous vous en remercions vivement. Je me réjouis maintenant beaucoup de la visite guidée exclusive par l’artiste Armin Rohr en personne et vous souhaite beaucoup de plaisir à l’écouter. Votre Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Bonjour Armin et bienvenue sur art talk. Tout d’abord, j’aimerais te présenter brièvement ou évoquer ton parcours. Donc tu es né à Hemsbach, c’est près de Mannheim. Tu as étudié le design de 1983 à 1988, et tu as suivi les cours de base du professeur Oskar Holweck. Ensuite, tu as fait tes études spécialisées en design auprès des professeurs Diethard Adt, Heinrich Popp et Robert Sessler. Et enfin, de 1994 à 1998, tu as étudié la peinture avec le professeur Bodo Baumgarten. Et tu as été nommé maître-élève de Bodo Baumgarten en 1998. Tu vis et travailles à Sarrebruck.

Qu’as-tu fait entre 1988 et 1994 et qu’est-ce qui t’a poussé à prendre la voie de l’artiste à cette époque, c’est-à-dire au début des années 90 ?

Armin Rohr parle de sa carrière artistique

Armin Rohr: Oui, en principe, j’ai remarqué pendant mes études de design graphique à l’école supérieure que ce n’était pas du tout ma voie. J’ai certes déjà travaillé comme graphiste pendant mes études, j’avais mes propres clients avec un ami, mais j’ai été relativement vite sûr que ce n’était pas ma voie de vie, ou que je ne voulais pas faire ça jusqu’à la fin de mes jours. Tout simplement parce que j’ai trouvé et vu beaucoup plus de possibilités d’expression dans le dessin et la peinture. Ou plutôt, si je travaille comme graphiste, je suis prestataire de services. Cela signifie que quelqu’un vient me voir avec une demande particulière et que je dois essayer de répondre aux souhaits du client en discutant avec lui, puis de faire quelque chose que je ne ferais pas normalement.

C’est certes une histoire créative, mais finalement, je me voyais simplement plus dans cet art libre, des peintures libres, du dessin libre, ce que je faisais déjà beaucoup à l’époque. Je suis allé à Stuttgart parce que je voulais étudier l’art à l’Académie de Stuttgart, voire à Karlsruhe. J’ai donc postulé dans différentes académies après mon premier diplôme et j’ai été refusé deux, trois, quatre fois. La raison invoquée était que nous avions besoin ici de jeunes gens malléables. Vous avez déjà un diplôme, faites donc votre truc et les dessins, ça va, qu’est-ce qu’il vous faut de plus, des études d’art.

Et puis j’ai travaillé quelques années à Stuttgart, d’abord comme graphiste indépendant, pour gagner de l’argent. Mais d’un autre côté, j’ai essayé d’avoir des contacts avec des artistes. J’ai essayé d’exposer, ce que j’ai réussi à faire dans des contextes plus petits.
J’ai participé deux ou trois fois aux expositions de l’association artistique de Ludwigsburg, puis j’ai déménagé à Sarrebruck, où j’ai repris mes études d’art en 1994. C’est là que ça a marché.

Verena Feldbausch: Oui, d’accord, c’est bien. Donc je veux dire, c’est pour ça que tu es retourné à Sarrebruck. Exactement. La Städtische Galerie Neunkirchen présente une exposition complète de tes nouveaux travaux réalisés depuis 2019, qu’il s’agisse de peintures, de dessins ou d’aquarelles.

Avant d’aborder les différents positions, j’aimerais savoir ce qu’il en est du titre de l’exposition. Le titre est donc “Malgré toutes les futilités, je continue à chanter ma chanson.” Qu’est-ce que tu veux dire ?

La signification du titre de l’exposition

Armin Rohr: Ces dernières années, j’ai souvent fait de petites expositions, même en dehors de la Sarre. Et au bout d’un moment, les titres ont toujours eu un rapport avec moi, avec mon état d’esprit, avec mon attitude de peintre face à la situation sociale ou politique actuelle.
Parfois, il s’agissait vraiment d’histoires biographiques. Et cela s’est simplement établi au fil du temps. Au tout début, quand j’étais étudiant, les titres étaient simplement, je ne sais pas, peinture et dessin. Et en fait, on ne fait plus rien de tout cela.

Et comme j’écris de temps en temps des textes ou des petites remarques sur mon site web qui ont beaucoup à voir avec ma façon de penser, avec ma façon de penser la peinture ou le dessin, ou même avec le vaste monde en général, cela s’est fait comme ça à un moment donné. Et j’ai aussi longuement réfléchi à ce titre maintenant à Neunkirchen.

Et maintenant, la situation dans notre monde ou dans la société est telle qu’elle est. Nous connaissons tout cela, qu’il s’agisse des problèmes environnementaux ou de la situation politique, de la guerre en Ukraine. Cela signifie qu’il y a beaucoup de choses auxquelles je me confronte et qui me marquent ou m’influencent quelque part, sans que cela ne se reflète directement dans ma peinture, ou alors je ne veux pas m’y confronter directement en peinture.

Je ne suis pas un artiste politique en ce sens. Mais malgré tout, cela me fait quelque chose en tant qu’être humain et peintre ou dessinateur. Et malgré toute la futilité, il y a eu environ 50 variations avec des mots, des compositions différentes.

Philosophie du titre et hasard dans l’art

En dépit de toute la futilité, la question est aussi de savoir pourquoi tu fais encore cela à cette époque ? Pourquoi peins-tu ? Pourquoi vas-tu tous les jours à l’atelier, recommences-tu toujours ? Mais quelque chose me motive. C’est presque une obsession.
Et c’est pourquoi, malgré …et puis aussi l’histoire avec des anomalies, des coïncidences et des probabilités. C’est bien sûr aussi ce que nous essayons de faire en permanence en tant qu’êtres humains, de rythmer notre vie, de la structurer. Et rien ne doit s’interposer.

Et nous en faisons quotidiennement l’expérience, quel que soit le rythme de la vie, quel que soit le métier que nous exerçons, il y a toujours quelque chose qui vient briser ta journée, qui te donne un travail quelque part, qui interrompt ton travail. Tu ne peux pas te concentrer à cent pour cent sur ce que tu voudrais, parce qu’il y a un téléphone qui sonne, quelque chose qui se passe.

C’est l’anomalie à laquelle nous sommes confrontés. Il y a trois, quatre ou cinq ans, il était justement normal que nous vivions en paix et soudain, la guerre, qui était une anomalie, est devenue quotidienne pour nous. Donc ça nous contourne tous les jours. Cela signifie donc que nous sommes quotidiennement confrontés à des anomalies.

Et les coïncidences, pour une fois, c’est ce que j’intègre naturellement toujours dans mes travaux en tant qu’artiste. Cela commence par les aquarelles, où il se passe beaucoup de choses qui ne sont pas contrôlables. Et j’aime beaucoup travailler avec le hasard.
Et même dans ma peinture, c’est souvent comme ça que j’ai une idée d’un tableau, mais pendant la peinture, quelque chose se développe sur une pensée ou sur quelque chose que j’ai lu ce jour-là, qui me pousse à utiliser dans le tableau quelque chose que je ne savais peut-être même pas dix minutes auparavant. Autant pour le hasard. Et cela inclut bien sûr la question de la probabilité. En ce sens, tout cela… Pour faire court. Non, ce n’est pas court, le titre est vraiment long.

Verena Feldbausch: Exactement, merci beaucoup aussi, parce que ça a été très, très éclairant pour moi maintenant. J’ai également lu cette citation de toi dans le catalogue qui vient de sortir ici à l’occasion de ton exposition, à propos du hasard.
“Le hasard joue un grand rôle, il m’a fait apparaître les plus belles et les plus étonnantes feuilles d’une main légère”. J’ai trouvé cela très beau. “Je lui dois beaucoup”.

Sur le rôle de l’aléatoire

Armin Rohr: Oui, d’accord, il y a aussi des collègues qui essaient d’exclure le plus possible le hasard, où l’on voit vraiment que l’on procède de manière très planifiée, c’est-à-dire que l’on procède dans le travail. Et cela ne m’a jamais vraiment convenu.
J’étais plutôt très… c’était l’autre titre de l’exposition il y a deux ou trois ans à Burbach, “Ich meändere durch die Welt” (Je méandre dans le monde). D’une part, cela a un rapport avec moi, avec la manière dont je perçois le monde, dont je me promène dans le monde, mais d’autre part, cela a aussi un rapport avec mon travail, où je suis aussi des chemins très tortueux et où je poursuis aussi des approches très différentes dans mon travail.

Verena Feldbausch: Oui, ok, bon. Tu présentes aussi bien des peintures de grand format, le format est généralement de 1,50 par 2 mètres, à l’acrylique et à l’huile sur toile, que des dessins et des aquarelles de plus petit format.
Lorsque nous arrivons à l’exposition, nous nous trouvons en fait directement devant ces œuvres de grand format, et celles-ci sont en partie composées de personnages, mais aussi en partie d’objets. Ce sont ce qu’on appelle des lieux de forêt. Presque toutes tes œuvres s’appellent, je crois, sans titre.

J’aimerais maintenant en venir directement à la première image que l’on voit quand on arrive à l’exposition. La première grande image, qui s’appelle “sans titre” entre parenthèses “la dernière image” et qui a été peinte en 2025. Pourquoi appelles-tu tous les œuvres “sans titre” ?

La philosophie du titre

Armin Rohr: Cela s’est produit il y a très, très longtemps, lorsque je travaillais encore par phases de manière non figurative. Et j’ai peint et dessiné de nombreux travaux pendant très longtemps, d’un tableau à l’autre, et je ne me suis d’abord pas du tout demandé ce que je pouvais donner à ces travaux pour ou à ces séries comme thèmes généraux, titres ou légendes.
Et puis j’ai aussi remarqué qu’à ce stade, le titre n’apporte pas forcément grand-chose, parce que chacun voit ce qu’il veut voir dans des œuvres non-figuratives. Mais il y a quand même eu des titres pour lesquels j’ai remarqué qu’il y avait des travaux où l’on retrouvait soit une certaine couleur, soit une certaine structure.

Ou alors, un jour donné, j’ai lu dans le journal ou dans un livre quelque chose qui m’a fait une association avec l’une des images peintes et figuratives. Et puis j’ai commencé à mettre le titre entre parenthèses, parce que j’avais le sentiment que si quelqu’un voyait une telle image dans 100 ans, il n’aurait pas forcément besoin d’y mettre le titre.

Le titre est utile ou parfois contrasté par rapport à l’image, mais il n’est pas nécessairement lié de manière essentielle à l’image en cette période abstraite, en cette période non figurative. Mais cela s’est ensuite poursuivi ainsi dans ces travaux figuratifs.
Il y a bien des expositions où, pour un tableau que j’ai montré dans le passé, je trouve dans une autre exposition, selon le thème général, un autre titre qui me plaît mieux. Donc la parenthèse dit en fait pour moi qu’il n’y a pas forcément de caractère obligatoire à ce titre. Il peut changer en fonction du contexte.

Verena Feldbausch: Ok, alors j’ai compris. Bien. Nous allons maintenant regarder cette première image ici. Donc nous voyons presque une idylle, à première vue, cela ressemble à une idylle, mais d’une certaine manière, ce n’est pas une idylle.

Tu vois donc ce peintre, assis en arrière, est-il épuisé ou se repose-t-il simplement et tu vois alors devant lui cette palette et ces tubes de peinture. En arrière-plan, la forêt qui brûle de manière menaçante.

Est-ce que c’est toi qui es assis là ou comment te sens-tu après ce processus de création très intense, même après cette phase de création très intense ? Te sens-tu si épuisé ?

Armin Rohr: Le tableau n’a rien à voir avec ce long processus, il a fallu presque un an de travail intensif pour terminer cette exposition, du moins pour les grands travaux. Mais en fin de compte, ce sont justement les nouveaux travaux, les grandes toiles, qui sont pour moi des métaphores visuelles.

C’est-à-dire aussi la série, comme on dit, des scènes de crime ou ce qui se passe dans les images, que ce soit des objets que l’on voit, que ce soit la forêt, on y évoque des choses qui fonctionnent en fait à un niveau méta, de sorte que les images sont vraiment à voir plutôt comme des métaphores.

Et c’est aussi le cas dans ce tableau. Tout d’abord, il se trouve que dans l’un des premiers tableaux, j’ai peint un ciel rouge sang. Et cela m’a tout de suite fait penser à la combustion, au feu, aux incendies de forêt.
Et la première image a été peinte il y a environ un an. Et puis je me suis dit que je pourrais probablement encore travailler avec ça dans une prochaine œuvre. Et il m’a fallu vraiment beaucoup, beaucoup de temps pour arriver à ce tableau, où j’ai également mis en œuvre le thème du feu et de la forêt.

Mais comme je l’ai dit, c’est vraiment plus une métaphore. Maintenant, pas comme la forêt en feu, mais plutôt comme un état, un état intérieur ou un symbole de ce qui m’anime et de ce qui se passe en ce moment. En ce sens, oui, c’est une bonne entrée en matière.

Et dans ce tableau aussi, comme dans les grands tableaux en général, on ne savait pas du tout quels objets allaient entrer dans le tableau, ni même si une personne allait y entrer. Au départ, nous avions simplement pensé à cette scène de forêt avec du feu, également dans l’accompagnement.

Et puis je suis tombé quelque part sur la personne assise là. Ce n’est même pas encore moi comme point de départ, mais ça pourrait être moi. Et puis la toile qui est venue ensuite, ce sont des choses qui se sont vraiment imposées dans ce processus pictural de mise en valeur.
Et tout d’un coup, le tableau avait pour moi une narration, une histoire qui était cohérente et qui, bien sûr, avec le recul, avait peut-être aussi quelque chose à voir avec l’exposition, avec la préparation. Mais je le laisse… car on m’a souvent demandé, même pendant le vernissage, ce qui se cachait vraiment derrière ce tableau, qui c’était.

Cette personne est-elle morte ou est-elle simplement épuisée et, et, et. Je crois que je n’ai pas envie de raconter quoi que ce soit à propos de cette image, car j’ai l’impression que beaucoup y voient leur propre histoire.

Sur l’ouverture des œuvres

Et j’ai trouvé intéressant d’entendre de nombreux visiteurs et visiteuses lors de l’inauguration les idées qui ont effectivement traversé l’esprit des gens pour ce tableau, des choses auxquelles je n’avais pas encore pensé. C’est donc une image que j’aimerais le moins expliquer. Pour moi non plus, ce n’est pas clair.

Verena Feldbausch: Ce n’est certainement pas clair. Mais ce feu de forêt ici, je l’interpréterais aussi comme une catastrophe naturelle.

Armin Rohr: Oui, je parle aussi de l’histoire de l’épuisement. En fin de compte, quelqu’un est assis dans le paysage, il y a une toile blanche, il y a le feu en arrière-plan. La réaction la plus naturelle serait de se lever et de s’enfuir. Mais justement.
Il y a tellement de possibilités d’entrer dans cette image, notamment par le biais des couleurs de l’arrière-plan.

Verena Feldbausch: C’est à chacun d’inventer sa propre histoire.

Armin Rohr: En principe, j’attends des gens qui viennent voir mon exposition, comme je le fais quand je vais voir une exposition de peinture, je ne me demande pas “qu’est-ce que veut dire l’artiste?”, mais qu’est-ce qu’il se passe dans le tableau? Qu’est-ce que le tableau veut vraiment raconter ?

Je l’examine en fonction des objets ou de la manière dont elle est composée, comment la couleur est utilisée, quelles sont les structures. Et je pense qu’en tant qu’observateur, on peut aussi essayer d’élaborer quelque chose de manière aussi autonome que possible. Je trouve cela beaucoup plus passionnant.

Verena Feldbausch: C’est vrai, c’est aussi très attrayant, en tout cas. Ces peintures de grand format ont été réalisées entre 24 et 25 ans. Et en effet, ils contiennent des objets et des personnages.

Par exemple, il y a derrière une chaise de camping abandonnée, un perchoir, une voiture cassée, un ours en peluche, une chaussure de sport et aussi ces rubans de signalisation rouges et blancs qui sont maintenant ici aussi sur le sol dans la galerie.
J’ai lu dans le catalogue que les modèles proviennent de photos et d’extraits vidéo de films pertinents. De quels films s’agit-il et quelle est la signification de ces objets ? Ou est-ce que chacun doit imaginer son histoire ?

Les sources d’inspiration

Armin Rohr: Tout d’abord, l’origine des photos ou d’où cela vient-il. D’une part, cela fait très longtemps que je réfléchis à ces images. Cela signifie que de temps en temps, pendant que je regardais un film policier à la télévision ou en streaming sur le net, j’arrêtais le film et je prenais une photo. Je me suis dit qu’on pourrait en faire quelque chose un jour. Parce que je ne savais pas encore exactement ce que c’était. Il me manquait simplement l’entrée en matière. C’était juste l’idée de faire quelque chose à l’avenir.

Et quand il est devenu clair que l’exposition 2025 ouvrirait ici en mars, il y a un an, nous nous sommes un peu concertés, je me suis dit que c’était peut-être l’occasion de faire quelque chose avec ces photos. Et il s’est avéré très vite, dès la première image, que je ne prenais pas une photo et que je la transposais, mais que j’utilisais ces décors, ces personnes en costume blanc, comme on le connaît dans les romans policiers, ce cliché typique. Et dans beaucoup de polars, cela commence par le fait que l’on voit une scène de crime et que des gens fouillent quelque part, cherchent quelque chose. C’était le point de départ. Et en fait, je n’ai pris ces images que comme un prétexte pour composer des images C’est-à-dire qu’il y a peut-être une ou deux images où j’étais plus ou moins sur l’image, sur la photo. Mais la plupart sont finalement, tout comme “das letzte Bild”, composées de tête. Autrement dit, les forêts telles qu’on les voit, les paysages n’existent pas en tant que photo.

J’ai ensuite plusieurs modèles où j’ai regardé comment, quels types d’arbres j’y mets, comment je gère les structures. Voilà pour les scènes. Et aussi les gens, il y a tableau au format vertical au fond, il y a 9-10 personnes qui se promènent dans le paysage.
La plupart sont peints de tête. Cela se fait alors relativement vite et en un clin d’œil. L’important, c’est que la perspective soit raisonnablement bonne.

Cela s’est fait parce que j’ai beaucoup dessiné des nus dans le passé, on a un certain répertoire de formes en tête et des gens en costume qui ont de toute façon l’air un peu difformes. C’est relativement simple.

Et pour certaines autres situations, j’avais aussi des gens qui se penchaient ou faisaient quelque chose, que je plaçais ensuite quelque part dans mes paysages. Et cela s’est poursuivi avec ces objets, qui sont parfois venus s’ajouter à la fin, avant que je ne sache vraiment, c’est-à-dire au début, comment l’image allait se développer. Je décide de beaucoup de choses dans ces images de manière très, très intuitive.

Verena Feldbausch: Donc tu ne fais pas de croquis, par exemple, ou tu fais des croquis avant et tu réfléchis, aha, c’est là que l’arbre va aller ?

Armin Rohr: Il y a une image où j’ai effectivement fait une esquisse, mais plutôt comme aide-mémoire pour que je n’oublie pas de commencer par cette image. Parce qu’on a tellement de choses en tête et qu’on les oublie ensuite.
Et justement, pour le dernier tableau, celui qui a été réalisé en 2025, celui avec les gens et les caisses, je me suis dit qu’il fallait que tu le gardes, que tu notes cette pensée, comme une petite esquisse dans ton carnet de croquis, sinon elle disparaîtra le lendemain. Car cela arrive relativement souvent.

Mais en général, j’aborde les images sans croquis. C’est-à-dire que je commence par un fond acrylique et je place deux ou trois arbres quelque part, par exemple dans un paysage, je me demande si l’horizon est plutôt bas ou haut.
Et au cours de la peinture, il pourrait arriver que l’arbre de devant soit trop grand, il faut donc l’éloigner et le réduire. Je fais des allers-retours jusqu’à ce que je sois sûr. Ensuite, je commence à travailler le tout avec de l’huile.
Contrairement à de nombreuses autres images, qui ont effectivement été réalisées ici aussi d’après des photos. Pas un pour un, mais ce sont des fils différents que je travaille et des méthodes différentes pour trouver des images. Il en a toujours été ainsi.

Verena Feldbausch: Est-ce que l’acrylique est donc quasiment la couche de fond pour la peinture à l’huile, d’un point de vue purement technique ?

Armin Rohr: Techniquement, c’est en fait comme ça, avant il y avait des fondus à la tempera à l’œuf. C’est ce que j’ai fait pendant un certain temps lorsque j’étais étudiant.

Mais le problème, c’est que si l’image est dans un certain état, il faut attendre qu’elle sèche. La tempera à l’œuf est un peu plus rapide, surtout s’il ne s’agit pas d’une tempera grasse, mais plutôt d’une tempera à l’eau.
Et puis, à un moment donné, j’ai eu l’idée d’essayer l’acrylique, parce que, bien sûr, on a des temps de séchage incroyablement rapides. Et selon ce que je peins, je peux alors peindre en une journée dix tableaux différents, dans la taille des toiles.
Je peux essayer, est-ce que c’est mieux de faire le ciel vert, le ciel rouge, une figure plus petite ou plus grande. Et cela me convient très bien, car je travaille de manière très spontanée.

Et cela signifie que ces peintures acryliques ne sont finalement rien d’autre qu’un fond classique, même clair-obscur. Où placer les accents, c’est important pour moi avant de commencer vraiment à utiliser de l’huile.
C’est aussi une question de vitesse. L’acrylique va très vite, la peinture gicle, coule, la peinture est très fine. Et avec l’huile, le tout est un peu ralenti et j’entre alors dans un autre flow, dans un autre mode.

Verena Feldbausch: Où as-tu peint ces grands tableaux ? Je veux dire, tu as un atelier au KuBa (KulturBahnhof), c’était là-bas ? Ah bon, d’accord.

Armin Rohr: L’atelier n’est pas grand, mais il suffit. En fin de compte, il suffit que les images passent par la porte.

Verena Feldbausch: C’est vrai. Mais alors, peux-tu travailler sur plus d’un tableau ?

Armin Rohr: Ça, oui. Oui, oui, je dois faire des changements de temps en temps. Mais ça va, ça marche.

Verena Feldbausch: D’accord, d’accord, bon. Oui, alors nous arrivons en fait au deuxième groupe d’images. Après les lieux forestiers, tu as exposé ici des portraits.

Ils sont en fait maintenant, quand on entre, directement sur le côté droit. Ce sont des portraits classiques et ce ne sont pas vraiment des portraits, car on ne peut pas identifier clairement qui est dessus.
A l’exception du selfie qui se trouve à l’entrée, on te reconnaît. Pourquoi ne peut-on et ne doit-on pas les reconnaître ? Il y a de nouveau les “sans titre” et, entre parenthèses, il y a parfois un nom ou une référence. Quelle est l’idée derrière tout cela ?

Armin Rohr: C’est une bonne question. J’ai toujours fait des portraits. Il y a également eu une série de portraits pendant les études, réalisée à partir d’autoportraits.

C’est devant le miroir qu’ils sont été créés, et qui ont parfois une certaine ressemblance avec ces portraits qui sont actuellement accrochées au mur. Mais comme je l’ai dit, ils ont été prises devant le miroir, même dans une autre taille.
Et c’était quelque part une sorte de dissolution de la figure, du portrait, parce que c’est par cette dissolution que j’en suis venu peu à peu, pendant un certain temps, à ces travaux non figuratifs.

Et puis nous revenons aussi au thème des portraits, comme je l’ai dit, je le fais en fait depuis toujours, même à l’époque où je peignais de manière figurative. Que ce soit pour dessiner les gens directement lorsque je suis assis quelque part, dans un bar ou autre, pour simplement garder une trace de quelque chose dans mes carnets de croquis.

Ou lorsque j’ai des modèles de photos et que je transforme effectivement des photos en peinture ou en dessin. Mais la différence avec les choses que je faisais avant à l’université, les portraits ou les photos, ils servent de point de départ.

C’est juste un coup de fouet pour peindre quelque chose. Elles ne servent pas à reproduire les personnes une à une. Au bout d’un moment, ça ne m’intéresse pas non plus de savoir à quoi ces personnes ressemblent plus tard.

Personne ne doit se retrouver personnellement dans ces images. Donc personne dont j’ai utilisé la photo n’a été contacté directement. C’est simplement une façon de peindre un tableau. Voilà, c’est une chose.

Armin Rohr sur ses influences personnelles

Il y avait, avant que l’exposition ne soit planifiée ici, je peignais un portrait de ma mère, qui est démente depuis trois ans. Et cette image était relativement, entre guillemets je dirais, réaliste.

Cela signifie que ma mère était représentée de manière reconnaissable dans les traits essentiels de son visage, mais qu’elle ne fonctionnait soudain plus pour moi, parce que je me suis dit que de semaine en semaine, l’état progressait relativement vite. Elle se dégrade de manière inquiétante. La personnalité disparaît donc.

Et puis j’étais à nouveau dans ce thème que j’avais aussi à l’université, cette dissolution. Une telle personnalité se dissout. Elle est tout simplement de moins en moins présente, car elle ne peut plus se souvenir.

Et au cours de ce processus de peinture, j’ai peint de plus en plus les traits essentiels du visage de cette image réaliste, de sorte qu’il en résulte cette image où, finalement, il n’y a plus rien d’humain dans ce tableau.

Mais soudain, cela coïncidait avec ce que je ressentais maintenant en pensant à ma mère. Et c’était un peu l’image de départ pour les prochaines, qui ont toujours été créées entre-temps.

Là aussi, l’idée est déjà là, j’avais comme point de départ dans la peinture, dans l’accompagnement, des images similaires toujours reconnaissables. Cela signifie que les gens se sont reconnus. Une fois, j’ai peint ma fille là-bas et ma femme est arrivée quand les sous-couches acryliques étaient terminées, elle a dit : “Oh, laisse ça, c’est vraiment génial”.
Mais je ne pouvais pas laisser les choses en l’état, parce que ça ne correspondait pas à ce que je voulais exprimer… De plus, beaucoup des photos que j’utilise, y compris celle de ma mère, sont le fruit d’instantanés que je prends ou que je remarque d’une manière ou d’une autre sur le web.

En d’autres termes, il ne s’agit pas de photographies de portraits classiques, mais simplement d’instantanés, où les éléments essentiels d’un portrait de personne manquent de toute façon. Il manque la parole, il manque le mouvement et pour moi, une telle photo est très insuffisante, je ne peux pas représenter la personnalité d’une personne à partir d’une photo.

J’ai besoin d’autre chose. Et puis par la résolution, par la peinture, j’ai aussi eu le sentiment de passer d’une image personnelle à une image générale, où peut-être même plus de gens s’identifient à elle qu’à une image classique, où quelqu’un demande qui c’est, c’est lui de toute façon, ah oui.

Et c’est soudain un tout autre débat. Et j’avais aussi l’impression que j’allais plutôt vers un côté sombre. Dr. Jekyll et Mr. Hyde, euh, l’histoire de Jekyll et Hyde, qui est quelque part en chacun de nous.

Et cela m’a toujours plus intéressé, ce côté sombre. Il en va de même pour les films et les livres. En principe, je m’intéresse plutôt à ce côté sombre qui se trouve en chacun de nous, même dans la peinture.

Couleurs, dessins et avenir

Verena Feldbausch: Et pourtant, tu utilises vraiment des couleurs très vives et claires et en fait joyeuses. Je ne les trouve pas sombres. Je trouve qu’il y a une explosion de couleurs dans tes tableaux.

Est-ce qu’elle s’est encore intensifiée ces dernières années ? J’ai maintenant plus d’aquarelles ou de travaux sur papier en tête. En fait, ils ne sont pas si colorés que ça. Mais ici, ces images grand format et aussi les portraits, je les trouve déjà très colorés.

Armin Rohr: Oui, je ne pense pas que cela ait augmenté. Il y a aussi eu des phases où j’ai travaillé de manière très réduite, il y a 15 ans. Une phase où je peignais vraiment des visages presque blancs.

Seule une couleur, généralement rouge ou bleue, était encore visible quelque part de manière un peu discrète. Mais dans l’ensemble, cette coloration m’a toujours intéressé, même à l’Académie.

Et maintenant, en ce qui concerne les thèmes abordés dans l’exposition, il s’agit bien sûr d’un contraste complémentaire. D’un côté, il y a cette noirceur qui est en partie contenue dans les images, ce que les gens ressentent aussi lorsqu’ils m’en parlent.
Mais d’un autre côté, on a ces couleurs qui, justement en ce qui concerne les paysages, ont d’abord quelque chose de plutôt idyllique, quelque chose qui attire immédiatement les gens. On voit des couleurs relativement nombreuses et vives et les images se créent un tout autre espace.

Et si je m’imaginais qu’ils étaient maintenant plutôt en noir et blanc ou en couleurs atténuées, il me manquerait une dimension, quelque chose ce qui donne aussi une autre tournure aux images.

Verena Feldbausch: Oui, absolument. Parlons maintenant des aquarelles et des dessins. Ce sont en effet des formats plus petits, généralement sur papier, au crayon, à l’encre, à la craie, au feutre et ainsi de suite.
Il s’agit souvent de groupes de personnes ou d’individus. Pour moi aussi, cela ressemble parfois à des photos de vacances, est-ce qu’il y en a aussi ? On pourrait faire un tour.

Maintenant celui-ci, il y a deux personnes et la personne de droite porte un t-shirt à rayures.

Armin Rohr: Les photos ont donc été prises la plupart du temps après des instantanés de vacances. Soit je les trouve par l’intermédiaire d’amis, de parents, de connaissances, on me les envoie.

On part en vacances ensemble et on échange des photos. Il y en a que je fais. Souvent, d’un point de vue de la composition, je prends une photo et je la reproduis une à une, sans trop de changements.

Mais il y a aussi des photos où j’omets complètement certains éléments ou où j’ajoute des personnes. Ce qui m’a frappé à un moment donné, c’est que pendant Corona, j’ai peint beaucoup de tableaux d’après ce peintre baroque Pompeo Batoni.
Oui, c’était un peintre qui vivait à Rome et qui peignait des touristes qui vivaient à Rome pendant un certain temps et qui, bien sûr, ramenaient en souvenir un portrait, un portrait représentatif peint par lui, pour montrer, regarde là, c’est moi, j’étais à Rome.
Elles étaient enrichies de symboles, d’objets, il y avait peut-être aussi parfois un chien ou une sculpture, tout cela avait une certaine signification. Mais la manière dont les gens ont posté avant les paysages n’est rien d’autre que ce qui est désormais téléchargé des millions de fois sur le web.

Toutes les poses quelque part devant un paysage, c’est quelque chose qui n’est pas nouveau. C’est pourquoi cela m’a intéressé à un moment donné, cette mise en scène de personnes, des histoires en quelque sorte très banales, que j’essaie ensuite d’ironiser un peu, notamment dans les dessins, pour pousser le tout un peu plus loin.

Et lorsqu’il s’agit de paysages, j’essaie bien sûr d’introduire un peu de malaise par le biais de couleurs qui n’ont rien à voir avec ce que nous connaissons, comme le ciel rose ou rouge, ou peut-être un vert vénéneux subliminal.
Et je crois que c’est aussi ce qui, je l’espère, se retrouve un peu tout au long de l’exposition, ce qui constitue un peu le fil conducteur de ces trois groupes d’œuvres, disons. Ce malaise, qui est aussi mon malaise face au monde en général, que je remets sans cesse en question, par exemple à travers ces histoires d’images.

Il se trouve que dans ces images, il y a plusieurs photos, dont certaines sont déjà très anciennes, que j’ai trouvées dans des caisses de mes parents. Ce sont des photos du voyage de noces de mes parents, il y a déjà 60 ans.
Rien ne les distingue dans le dessin, dans la peinture, de ce qui avait été pris il y a un an. En ce sens, c’est un thème très ancien.

Verena Feldbausch: C’est vrai, oui, tout à fait. Cela s’étend vraiment sur des décennies. On le sait, on le fait tous.
Tu as aussi dit une fois, je te cite encore dans le catalogue, qu’un dessin au crayon est toujours un très bon concept. Qu’est-ce que tu veux nous dire par là ?

L’importance du dessin

Armin Rohr: J’ai en effet commencé comme dessinateur, même avant mes premières études de design graphique. J’ai toujours dessiné et, en fait, depuis ces premières études, chaque fois que je sors de chez moi, j’ai un carnet de croquis dans un sac à dos ou une poche et un crayon.

C’est donc pour moi la forme la plus rudimentaire d’expression. Il fonctionne partout. Je n’ai pas besoin d’électricité, je n’ai pas besoin de Wifi. Je m’assieds n’importe où, que ce soit en vacances, devant un paysage, dans un bar ou n’importe où, si quelque chose m’intéresse, si une pensée me traverse, je peux démarrer immédiatement.
Je n’ai pas besoin de couleur. C’est la chose la plus simple qui fonctionne toujours. Et on ne s’en lasse jamais. Ce qui est drôle, c’est que ça ne se démode jamais, parce qu’à part moi, Dieu merci, il y a encore beaucoup, beaucoup d’autres collègues qui le font.
Et c’est quelque chose qui m’accompagne vraiment depuis plus de la moitié de ma vie. Je n’imagine même pas que cela puisse s’arrêter un jour.

Verena Feldbausch: Oui, donc ça veut dire que tu as une collection folle, probablement de carnets de notes. Et je crois qu’il y a aussi un écran derrière.

Quand on entre, il y a un écran à droite et on y voit des extraits des carnets qui ont été écrits ces quatre dernières années, non ?

Armin Rohr: Non, je ne sais pas exactement sur quelle période ils ont été réalisés. Je pense que j’ai simplement pris des carnets de croquis qui, je crois, contiennent parfois des croquis datant d’environ dix ans.

J’ai essayé de rassembler tout cela pour l’exposition. Il y a donc beaucoup de portraits ou d’histoires figuratives. Ce sont aussi des notes de paysage que je fais de temps en temps, quand je me promène dans la ville, à Sarrebruck, où je me dis, regarde là, le soleil, l’ombre, je vais m’asseoir et commencer à dessiner.

Il y a aussi beaucoup d’histoires personnelles, mais cela devait être un peu adapté à l’exposition, j’ai donc pris un peu de recul.

Verena Feldbausch: Et je veux dire, tu tiens un blog. Est-ce qu’il est quotidien, c’est-à-dire que tu y mets quelque chose tous les jours pour que tes amis ou tes followers puissent voir ce que tu as fait ? Ou c’est plutôt pour toi ?

Armin Rohr: Tout d’abord, l’idée de départ était que j’avais un site web qui était incroyablement compliqué à mettre à jour. Et c’est là que je suis tombé sur ces blogs à un moment donné en 2007, je crois.

Cela a été relativement rapide. En l’espace de cinq minutes, il était possible de configurer le tout via des modèles. Et puis j’ai compris que j’allais finir par laisser mourir le site web, parce que je peux ajouter des choses assez rapidement au blog, et j’ai commencé par une série d’autoportraits, ce qui est assez drôle.

Et je ne savais pas non plus que cela prendrait autant de temps. Je me suis dit que j’allais le faire. Et si j’ai une idée pour un site web plus facile à mettre à jour, je le ferai peut-être plus facilement un jour.

Et soudain, le blog, c’était en quelque sorte l’histoire d’un journal intime. Il y a des moments où je ne peins pas, pas de grands tableaux, alors j’actualise là presque tous les jours.

C’est-à-dire que ce sont des dessins, des notes, ce sont des choses très banales. Ce sont aussi souvent des dessins qui sont réalisés dans les cours avec les étudiants, quand nous sommes dehors, je fais toujours des dessins explicatifs et je participe ensuite moi-même au dessin.

Il y a beaucoup de choses qui sont en fait stupides ou qui ne sont pas sérieuses. Mais cela a toujours un rapport avec moi. Et avec les dessins, c’est parfois très personnel. Je n’ai pas peur de montrer ce genre de choses.

Entre-temps, cela fait presque 20 ans que cela fait partie de ma vie. Et maintenant, l’année dernière, en raison de la taille des tableaux, si j’ai peint un jour un tableau comme ça, je n’ai évidemment plus fait de dessin.

Cela signifie que les entrées n’étaient plus aussi régulières maintenant. Mais il y aura certainement d’autres moments où les choses seront différentes. Et je ne peux plus m’imaginer continuer sans ce blog.

En dehors de cela, Dieu merci, il y a d’autres artistes qui le font. Pas beaucoup, mais il y en a.

Verena Feldbausch: Et je m’imagine que tu as tous ces carnets de croquis dans ton bureau ou dans ton atelier, tu les as classés par année ou par mois ? Alors comment tu trouves quoi ?

Ou tu regardes à nouveau ? Je veux dire, c’est censé être une aide à la réflexion parfois. Alors comment tu t’y retrouves ?

Armin Rohr: Pas du tout. Je suis quelqu’un de très désordonné. Total, déjà.
Et lorsque j’ai fait des recherches, toutes les images qui sont maintenant visibles dans ce moniteur, tous les dessins, j’ai toujours, Dieu merci, pris des photos pour le blog au cours des années.

Et quand j’ai fouillé dans les étagères, que j’ai sorti quelques carnets de croquis et que j’ai vu qu’il y avait plein de croquis que je n’avais pas pris en photo. Mais il n’était pas non plus possible de le faire dans le temps imparti.

Malheureusement, je suis complètement désordonné et bâclé et je vais peut-être photographier d’autres choses au fur et à mesure. Mais cette histoire de blog est plus importante pour moi, pour voir ce qui s’est passé au fil des ans, qu’un entrepôt d’images ou ces carnets de croquis.

Je regarde souvent les carnets de croquis. Et si par hasard j’en sors un de l’étagère qui a 20 ans, je retrouve immédiatement ce sentiment ou cette ambiance, c’est selon.

Encore plus que sur la photo. Quand je suis assis quelque part devant un paysage et que je le dessine, selon le temps que cela prend, tu le perçois très, très différemment, et il reste en mémoire très différemment, comme une photo.
Cela signifie que je retrouve immédiatement l’ambiance ou l’état d’esprit dans lequel j’ai fait ce dessin.

Verena Feldbausch: Intéressant, oui. Et maintenant, j’ai encore une question sur la série. Oui, alors maintenant je te cite à nouveau.
“Des nuages sombres adoucissent ma journée. Je te remercie, Dieu de la série”. L’art sériel repose donc sur le principe de la répétition et de la variation. Tu peins toujours en série.

Nous l’avons vu avec le portrait. Quand est-ce qu’un sujet est épuisé pour toi ?

Armin Rohr: C’est juste un sentiment. Cela signifie que je travaille sur un thème jusqu’à ce que j’arrive à l’atelier et que j’aie peur de me répéter ou que je ne trouve plus rien.

Et ensuite, je dois commencer autre chose. C’est pourquoi, c’est ainsi que s’expliquent les ruptures, qui sont souvent incompréhensibles pour beaucoup.

Pourquoi peint-il maintenant de manière figurative tout le temps, et tout à coup on voit une peinture murale abstraite ou non figurative. C’est vraiment souvent une sorte d’ennui.

Parfois, il arrive simplement que l’on s’ennuie et je dois alors faire quelque chose de nouveau, parce que je ne veux tout simplement pas me reproduire. Mais il se peut que je recommence des années plus tard, parce que quelque chose me revient.
Mais ce travail en série s’est simplement avéré très bon et important pour moi.

Verena Feldbausch: Les lieux forestiers ne sont probablement pas encore terminés. Je veux dire, quelques tableaux ont déjà été créés, mais il y a probablement encore beaucoup de potentiel, j’imagine, non ?

Projets à venir

Armin Rohr: Maintenant, il y a eu une rupture. Ces quatre dernières semaines, je n’ai vraiment pas pu travailler à l’atelier. Et maintenant, je suis moi-même impatient. Bien sûr, les lieux de la forêt sont principalement des toiles et des tableaux sur bois, même de petits formats.

Il y a quelques très rares dessins, des travaux sur papier, qui ne sont pas exposés ici, car ils n’auraient pas été adaptés. Mais ce que je peux tout à fait imaginer, c’est que je peux maintenant pousser un peu plus loin ces lieux forestiers dans des travaux sur papier, parce que sur le papier, en tant que dessinateur, je suis complètement libre. Je peux faire ce que je veux.

Je peux de toute façon le faire en tant que peintre, mais dans le dessin, tu peux essayer des choses beaucoup plus rapidement. Si ça donne quelque chose, c’est bien. Si ce n’est pas le cas, jette-le.

Et je pense que je vais peut-être maintenant me diriger davantage vers le papier ou m’éloigner des lieux forestiers et peut-être déplacer le tout dans un environnement urbain, dans des espaces urbains.

Même en ce qui concerne les objets, je n’aurais jamais imaginé, jusqu’à il y a trois ou quatre mois, que je peindrais un jour une voiture ou une caravane. Ce sont des découvertes totalement nouvelles pour moi.

En tant que dessin, peut-être, bien sûr, mais plutôt en tant que paraphe, lorsqu’il se trouve quelque part dans le paysage. Mais cela m’intéresse aussi maintenant, bien sûr, de savoir comment je peux traiter de tels objets de manière picturale.
Il y a encore beaucoup de potentiel. Je pense que cela va continuer.

Verena Feldbausch: Magnifique, super. Merci beaucoup. C’est tout.
Sauf si tu veux dire quelque chose que j’ai oublié de demander.

Armin Rohr: Je crois que nous avons abordé tellement de choses. Je pense que nous avons couvert l’essentiel et qu’il y avait aussi de superbes questions.

Merci beaucoup de m’avoir invité. Cela m’a fait très, très plaisir.

Verena Feldbausch: C’est bien. Oui, ça me fait plaisir aussi. Tu me viens à l’esprit depuis que je fais des podcasts, depuis 2023.
Mais je lie toujours cela à une exposition. Oui, parce que je trouve que les gens peuvent alors y aller.

Et j’ai discuté avec Nicole Nix-Hauck (la commissaire) de la création d’un code QR qui permettrait au visiteur d’écouter le podcast.
Armin Rohr: J’ai hâte de voir ça. Je l’essaie tout de suite ! Belle idée.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Merci beaucoup, Armin. Un catalogue a été publié à l’occasion de l’exposition.
Il y a des visites guidées publiques de l’exposition et tu trouveras toutes ces informations dans les shownotes. Il y aura également un entretien avec l’artiste Armin Rohr et la commissaire et directrice de la Städtische Galerie Neunkirchen, Nicole Nix-Hauck, le 18 mai, le jour du finissage.

J’espère que vous avez pris autant de plaisir que moi et je me réjouis déjà de la prochaine fois. D’ici là, votre Verena Feldbausch.
Tu as aimé art talk ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les shownotes et sur notre blog.

Rejoins-nous pour parler d’art avec art talk, le podcast d’art de SaarlorLux.

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