#25 art talk – Cone The Weird

Cone The Weird

Cone The Weird est l’une des figures les plus marquantes de la scène de l’art urbain contemporain en Allemagne. Né en 1979 à Munich, Cone The Weird, alias Colin Kaesekamp, a développé très tôt un intérêt pour le graffiti, la bande dessinée et les arts visuels. De cette interface entre la rue et l’atelier est né un style bien à lui, reconnaissable entre tous : surréaliste, ironique, techniquement précis – et toujours avec une pointe de mystère. Pour sa première exposition individuelle depuis 2017, intitulée SAMPLES, Cone The Weird présente des œuvres sur papier, sur toile et une peinture murale. L’exposition est à voir jusqu’au 29 juin à l’Institut für aktuelle Kunst de Sarrelouis.

Photo Credits:

1, 2, 7📸 by Leonie Stark @leoniesinas for @institut_aktuelle_kunst
3.,6,8,9,10,11 Cone The Weird @conetheweird
4, 12 VF @arttrailervf

Portrait d’artiste : Cone The Weird – L’univers surréaliste de Colin Kaesekamp

Nom : Colin Kaesekamp
Nom de l’artiste : Cone The Weird
Année de naissance : 1979
Lieu de naissance : Munich
Lieu de résidence : Sarrebruck
Collectif : The Weird

Un artiste entre les mondes

Colin Kaesekamp, plus connu sous le pseudonyme de Cone The Weird, est l’une des figures marquantes de la scène artistique urbaine contemporaine en Allemagne. Né à Munich en 1979, Cone s’intéresse très tôt au graffiti, à la bande dessinée et aux arts visuels. Cette interface entre la rue et l’atelier a donné naissance à son propre style, unique en son genre : surréaliste, ironique, techniquement précis – et toujours avec une touche d’abyssal.

Style et thèmes

Cone The Weird est un conteur d’histoires. Son style se caractérise par une ligne graphique forte, des contrastes de couleurs vifs et un langage visuel surréaliste rappelant les bandes dessinées, les dystopies et les paysages de rêve.

Sur le plan thématique, Cone oscille entre la critique sociale, l’humour noir et le symbolisme introspectif. Ses œuvres soulèvent des questions sur l’identité, le masquage, l’urbanité et l’aliénation – souvent présentées sous la forme de figures grotesques aux attributs animaux ou mécaniques.

The Weird – un collectif culte

Cone est l’un des membres fondateurs du célèbre collectif d’artistes The Weird, qui se compose d’un groupe d’artistes urbains illustratifs d’Allemagne et d’Autriche. Il compte parmi ses membres des artistes tels que Low Bros, DXTR, Nychos et Look. Ensemble, ils combinent une esthétique détaillée avec des racines street art et un penchant pour l’étrange.

Cone joue un rôle particulier au sein du collectif : ses contours clairs et son imagerie narrative se distinguent sans se détacher de la structure stylistique du collectif. Il en résulte souvent des œuvres murales de grand format dans lesquelles chaque artiste apporte sa signature individuelle à un ensemble collectif.

Expositions et travaux

Cone The Weird a exposé à l’échelle internationale et ses peintures murales ornent les murs de nombreuses villes européennes, dont Berlin, Hambourg, Vienne et Barcelone. Outre son travail dans les espaces publics, Cone est également présent dans les galeries, que ce soit avec des œuvres mixtes, des dessins ou des tirages d’art en édition limitée.

Il travaille également comme illustrateur et graphiste. Les travaux qu’il a commandés comprennent des pochettes d’album, des affiches de festival et des illustrations de livres – toujours avec sa signature distinctive et surréaliste.

Conclusion

Colin Kaesekamp, alias Cone The Weird, est l’exemple d’une génération d’artistes urbains qui ont sorti le graffiti et l’art de la rue de la sous-culture pour les faire entrer dans le canon de l’art contemporain. Avec un trait fin, un humour acéré et un sens aigu de la composition, il crée des mondes dans lesquels l’absurde est la vie de tous les jours – et la vie de tous les jours est absurde. Son art est une invitation à l’émerveillement, à la pause et à la remise en question – au milieu de la frénésie urbaine.

Autres liens

Website of Cone The Weird: https://www.conetheweird.de/
Instagram: https://www.instagram.com/conetheweird/
Facebook: https://www.facebook.com/theweirdcone/

Lire la suite de l’entretien avec Cone the Weird

Verena Feldbausch: Nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux. Nous rencontrons les curateurs et les artistes là où ils exposent actuellement. Avec nous, vous découvrirez l’art contemporain et des espaces artistiques exceptionnels dans notre région. Participez aux discussions en galerie, aux inaugurations d’exposition et aux finissages. art talk s’écoute partout où il y a des podcasts.

Bonjour et bienvenue dans ce nouvel épisode de l’art talk. Nous sommes aujourd’hui à Sarrelouis, et plus précisément à l’Institut für Aktuelle Kunst et nous attendons avec impatience l’exposition de Cone The Weird. L’exposition s’intitule Samples. Ce que cela signifie exactement, nous allons le découvrir à la suite. Je vous souhaite beaucoup de plaisir à l’écouter. Votre Verena Feldbausch.

Je suis très heureuse d’accueillir Colin Kaesekamp. Bonjour Colin.

Colin Kaesekamp: Bonjour.

Le nom d’artiste “Cone The Weird”

Verena Feldbausch: Ton nom d’artiste est “Cone the Weird”. Comment en est-on arrivé là ?

Colin Kaesekamp: “Cone” est en fait mon pseudonyme, que j’utilise depuis… donc j’ai commencé le graffiti à 13 ans en 93, c’est-à-dire il y a longtemps. Et oui, c’est comme ça, on change, on pense de changer son pseudonyme. Mais cela ne s’est pas fait.

“The Weird” est le nom d’un collectif d’artistes dont je suis l’un des dix membres. Et à un moment donné, je l’ai fait fondre comme mon nom d’artiste, parce que Cone est aussi relativement générique.

C’est aussi un peu lié au fait d’être recherché, quand on tape Cone et Graffiti, donc il y a certainement des Cones au monde dans le domaine du graffiti. Ou alors, lors de la recherche d’images, on trouve, bêtement, des tas de cornets de glace ou des joints, ca aussi, exactement. Et “Cone the Weird” est très clair et on sait de quoi il s’agit ou de qui il s’agit.

Verena Feldbausch: Oui, très bien.

Le titre “Samples”

Verena Feldbausch: Ton exposition s’appelle “Samples”. Cela signifie “échantillons, spécimens, exemples”. C’est ainsi que je le traduirais ou comment le traduirais-tu ?

Colin Kaesekamp: Je suis très passionné par la musique, et je l’ai toujours été. pour moi, en fait – donc la traduction est correcte – mais je me réfère plutôt aux samples de la musique.

Donc justement dans la culture hip-hop, qui se base sur les samples, alors ils jouent un grand rôle. Cela signifie aussi que le sampling, c’est-à-dire des morceaux de musique existante, peuvent être utilisé, modifiées ou utilisées de manière différente afin de créer quelque chose de nouveau. Et c’est un principe que j’applique ici aussi dans mes œuvres, que j’utilise souvent dans mes travaux.

C’est pourquoi Andreas Bayer, de l’Institut, qui a trouvé le nom pour l’exposition. En fait, c’est très clair, mais c’est court, c’est percutant, ça a marché.

Verena Feldbausch: C’est beau ! L’exposition ici à l’Institut d’art actuel de Sarrelouis est ta première exposition individuelle depuis 2017.

Exploration de la peinture murale

Verena Feldbausch: Nous voyons des dessins sur papier, sur toile et également cette peinture murale. De quoi s’agit-il pour toi ? Alors peut-être on va d’abord aller voir la peinture murale ?

Colin Kaesekamp: Oui, la peinture murale, c’est quasiment une collection de samples, si on peut dire, c’est-à-dire des éléments qui reviennent sans cesse dans mes tableaux. Ceux qui suivent mes travaux savent que je viens de la culture graffiti, mais que j’ai aussi travaillé dans d’autres disciplines du design et dans le domaine de l’illustration.

Ici, sur cette peinture murale, on voit justement différents éléments que l’on retrouve sur diverses images ici dans la salle, qui ont été réalisées au cours de ces dernières années. Et l’exposition ici est en fait née de la demande de l’Instituts de m’accueillir ici avec mon travail dans les archives. C’est bien sûr aussi un honneur et je m’en suis réjoui, parce que c’est aussi un moyen pour les artistes de se faire connaître.

Je ne suis pas habitué à être représenté dans des adresses et des maisons comme celle-ci. Et puis, il y a eu la demande d’exposition. Et puis j’ai pensé, le mur attirera certainement l’attention, justement parce qu’il se trouve ici, dans l’entrée, notamment par le positionnement et le format lui-même.

Dans ce cas, il serait en fait logique d’utiliser ici aussi une sélection de ces échantillons/samples comme motif d’image. C’est fait également dans la technique de dessin, pour moi cela signifie en fait toujours des couleurs réduites, comme pour un dessin, simplement un moyen de dessin, une couleur et ensuite au lieu du support papier ou toile, ici le mur lui-même.

Verena Feldbausch: Voici encore une petite remarque, tous les œuvres dont nous parlons ici se trouvent en illustration sur mon blog art talk SaarLorLux.

L’univers visuel

Verena Feldbausch: Et maintenant, passons aux travaux précoces, ou aux travaux que je connais. Ton univers visuel est donc aussi marqué par la figure. Je pense maintenant à 2017, au travail dans le parcours d’art urbain à Sarrebruck, dans la Futterstraße, près du cinéma Camera Zwo. Et là, il y a donc, à part des deux personnages, beaucoup de lignes, de hachures, de très nombreux détails. Et typiquement pour ton travail pendant cette période est en effet le renoncement à la couleur. Je pense que c’est noir sur du gris, du gris foncé. Et je crois qu’il y a des bandes argentées ?

Colin Kaesekamp: Blancs.

Verena Feldbausch: C’est donc similaire à ces deux toiles ici. Sont-ils aussi de cette époque ?

Colin Kaesekamp: Elles sont aussi de l’époque, oui. Donc je crois qu’une a été faite un an plus tard.

Fascination pour le figuratif

Verena Feldbausch: Et ce qui te fascine-t-il dans le figuratif ?

Colin Kaesekamp: Donc je pense le figuratif vient simplement en général aussi de la période avant le graffiti, parce que j’avais déjà accès, comme enfant, à des livres, des livres illustrés, mais aussi à des bandes dessinées.

Donc ça veut dire – plus les collections de vinyles -, donc il y avait aussi ce côté visuel, j’aimais regarder des bandes dessinées parce que je ne savais pas encore lire. Ou dans ces livres illustrés de mon père, par exemple, qui avait alors beaucoup de livres sur les civilisations avancées. Que ce soit du Moyen Âge ou les anciens Égyptiens, que ce soit sur les vêtements ou, je ne sais pas, peut-être aussi l’architecture ou, plus généralement, l’imagerie culturelle.

Ou, je m’en souviens aussi, c’était de mon grand-père, je crois, un vestige de l’après-guerre, il y avait des petites cartes illustrées dans les paquets de beurre, des petites cartes qui avaient souvent des motifs bibliques, mais aussi parfois très dérangeantes, un bûcher de sorcières par exemple. Et en tant qu’enfant, c’est très spécial en tout cas.

Et quand j’ai commencé à faire des graffitis, c’était comme ça, que d’une part, les inscriptions m’avaient déjà intéressé, mais aussi le figuratif. Je voulais donc absolument pouvoir faire les deux. Et il y avait justement quelques artistes qui maîtrisaient bien les deux.

Et puis avec le temps, c’est comme ça que je me suis remis en question, ce que j’ai fait comme graffiti, de plus en plus, parce que je n’étais pas un taguer de Graffiti classique, c’est-à-dire que de sortir illégalement, de faire de la quantité pour mettre le nom en grand partout, mais simplement, peut-être faire des motifs d’images plus complexes ou que le personnage était plus important pour moi.

parce que ce n’est pas quelque chose qui peut être déchiffré par un cercle restreint, mais qui s’adresse vraiment à tout le monde de la même manière. Que ce soit des enfants, des retraités, tout ce qui se trouve entre les deux, si on avait déjà eu des contacts avec des graffiti et des cultures du graffiti ou pas. Le figuratif est tout simplement plus lisible.

Et l’aspect physique, ou encore cette série d’autoportraits qui se sont produits, est venue de l’intérieur et puis aussi, je dirais, au début des années 2000, quand le street art a commencé à se développer, à coté de la culture du graffiti, où les motifs figuratifs occupent une place plus importante.

Et on a constaté qu’un personnage ou graphique de signature était très souvent utilisé. Un peu comme les tags dans les graffitis ou le nom qui est répété à l’infini, un motif ou des variations de ce motif qui reviennent sans cesse et qui, justement là encore, la force de la série permet d’attirer l’attention des gens et de les inciter à s’y intéresser peut même s’en souvenir.

Influences et inspirations

Verena Feldbausch: Ce qui me frappe aussi, c’est ce tampon. Je connais cela des artistes japonais qui travaillent aussi de cette manière avec des tampons.

Colin Kaesekamp: En fait, c’est aussi lié à cela. J’ai effectivement reçu des tampons en cadeau, y compris de la part d’artistes de Hong Kong par exemple. Mais je n’ose pas trop, même s’ils ont quasiment écrit mon nom en caractères chinois et m’ont offert ce tampon.

Je dois avouer que je n’ose pas vraiment, car je ne viens pas de la même culture. Je n’ai pas l’habitude d’utiliser ce genre de choses. Et je pense aussi que c’était une sorte de tâtonnement pour savoir comment ou dans quelle mesure on fait sa signature.

Et je dois avouer que jusqu’à présent, je n’ai pas de série à une main. De temps en temps ce sont des tags de graffiti, que je continue à faire, ou j’écris le nom en majuscule, ou fais-le à la manière d’un tampon, comme ici sur la toile.

Verena Feldbausch: Tu as aussi signé le mur ici ?

Colin Kaesekamp: Non, je ne l’ai pas dit. Il m’arrive aussi de ne pas signer du tout. J’espère que le travail en lui-même est suffisamment marquant pour être clairement attribué.

Verena Feldbausch: Sans aucun doute. Tu as développé un langage visuel très inhabituel et original, que l’on reconnaît facilement. Il rappelle les bandes dessinées et les illustrations fantastiques. Je pense aussi au magazine Mad, honnêtement, quand je vois certaines dessins ici. Tu combines justement les éléments du roman graphique et du graffiti dans ton travail. Quel genre de roman graphique te passionne aujourd’hui ?

Inspirations de romans graphiques et de bandes dessinées

Colin Kaesekamp: Boah, il y en a tellement. Le truc, c’est que je trouve cette catégorisation un peu stupide. Il y a donc toujours cette évaluation entre le roman graphique a de la valeur culturelle, le contenu est plus sérieux que celui de la bande dessinée que l’on trouve à la gare.

Les deux ont donc des tonnes d’exemples de travaux vraiment grandioses, mais aussi d’assez mauvaises choses. Dans l’art en général, c’est le cas et je suis aussi dans ce domaine… Alors je ne suis pas trop mal à l’aise de faire du graffiti, je suis aussi souvent actif dans un milieu du graffiti.

De même, pour moi, c’est de Urban Art ou de faire partie d’un groupe d’art urbain, comme ici peut-être, de manière presque générale dans le contexte de l’art. Pour revenir à ta question : J’aime aussi ce spectre, tu as mentionné ce magazine Mad que nous avons en fait, quand j’étais enfant et adolescent, je les ai collectionnés pendant un certain temps.

Donc, cela a certainement laissé des traces. Mon père avait aussi des bandes dessinées du mouvement underground des États-Unis, donc Robert Crumb est un très célèbre représentant. Les bandes dessinées heavy metal, elles sont arrivées un peu plus tard.

Je pense aussi que beaucoup ne sont pas les bandes dessinées elles-mêmes, mais plutôt quelque chose de l’ordre de la bande dessinée, que l’on retrouve également dans la culture des jeux vidéo par exemple. Et bien sûr, dans le graffiti, les personnages de BD ont toujours été soit eux-mêmes créés ou cités.

Qui me vient spontanément à l’esprit dans le domaine du roman graphique est de Belgique, Brecht Evens. C’est un artiste qui m’a beaucoup plu, je l’ai suivi de près pendant un moment. Mais je connais aussi des classiques comme “Ghost World” ou “Maus” aussi, bien sûr.

Verena Feldbausch: Nous vous donnons ensuite les liens dans les shownotes. Vous pourrez ainsi regarder ces artistes.

Colin Kaesekamp: Avec plaisir.

Racines du graffiti et modèles

Verena Feldbausch: Tu l’as déjà dit, tu as commencé à faire des graffitis à 13 ans. C’est tôt.

Colin Kaesekamp: C’est vrai.

Verena Feldbausch: Tu t’es souvent fait prendre ?

Colin Kaesekamp: En fait, pas du tout lors de la création de graffiti elle-même. Pour d’autres bêtises, oui.

Mais je dois aussi avouer que j’ai aussi peint illégalement, mais cela restait limité. Parce que j’ai pris conscience très tôt que j’ai grandi qu’avec ma mère, elle est responsable de mes bêtises.

Et d’autre part, je dois aussi avouer que, même si les actions ont été couronnées de succès, j’étais souvent moins enthousiasmé par mes motifs. Et l’euphorie d’avoir réussi le graffiti est retombée.

Et je me suis inspiré de modèles qui ont tous produit des œuvres de très grande qualité, mais aussi ou surtout dans un contexte légal. Je savais aussi que je n’étais pas parmi ceux qui travaillent vite et peut-être aussi de penser et travailler trop complexes.

Et puis, à un moment donné, il faut bien se rendre à l’évidence. Alors à qui faut-il prouver quelque chose, si ce n’est à soi-même.

Verena Feldbausch: Et quels sont les artistes de graffiti qui te servent de modèles ou que tu admires beaucoup ?

Colin Kaesekamp: Je viens de Munich et à Munich il y avait vraiment très tôt une énorme palette d’artistes internationaux. On peut donc citer Loomit en premier lieu. C’est un artiste de graffiti de première génération d’Europe, qui a également vécu et travaillé à Munich et qui a très, très tôt pratiqué le travail en réseau.

Cela a ensuite conduit à ce que, même avant l’époque d’Internet et en conséquence, oui, des canaux de communication, il n’a pas seulement rendu visite aux gens, mais les a aussi invité à Munich. Il y avait l’ancien aéroport de Munich-Riehm, qui était aussi l’un des premiers endroits où de grandes murales, c’est-à-dire dès le début des années 90.

Et, de ce fait, des peintres comme Monto vivant à Londres ou à Paris, ou encore je crois même qu’il est maintenant à Berlin. En tout cas, c’est un autre Européen de la première génération qui est aussi une belle exemple, pour quelqu’un qui était très bon en écriture de style, très bon en peinture de personnage et surtout, que j’avais appris à connaître à nouveau, notamment par le biais de pochettes de disques.

Il a souvent travaillé pour des jams hip-hop, c’est-à-dire des concerts, où il n’y a pas que de la musique, mais aussi le breakdance, la danse ou le DJing, ou encore le graffiti était représenté en tant que forme d’art visuel sous forme des tableaux peints pendant la journée, qui ont ensuite servi de décors de scène.

Mais aussi un couple de frères qui a beaucoup de succès du Brésil, Os Gemeos, qui font vraiment partie des artistes les plus populaires du pays dans le contexte du graffiti. Ils étaient par exemple déjà présents là très tôt.

Et oui One et Cowboy, c’était un tel duo. One était aussi un très bon artiste qui, très tôt, a reçu beaucoup d’éloges et d’attention de la part de l’académie, qui, jusqu’à aujourd’hui, devrait au moins être connu dans tous les milieux du Graffiti.

Donc on était déjà vraiment riche en, comment dire, artistes locales, mais aussi d’artistes allemands ou internationaux. C’est pourquoi que c’était un grand moment à Munich à l’époque.

Nouvelles œuvres et perspectives futures

Verena Feldbausch: On va peut-être voir les pochettes de disques.

Colin Kaesekamp: Oui, donc c’est aussi, je dirais, une pièce spéciale de l’exposition, qui était aussi pour moi thématiquement très important de montrer ici.

Ce travail est très différent des autres, car c’est le seul travail multicolore que l’on peut voir ici, mais qui joue justement pour moi un rôle clé dans mon travail, parce qu’il était en fait, presque comme le Sonnentor que l’on voit au verso, justement un point de rupture, parmi les travaux réalisés jusqu’alors, justement ces travaux en noir et blanc ou les séries grises, dans lesquelles le personnage a toujours joué un rôle central, et qui ont ensuite évolué vers des motifs partiels plus fragmentés, présentés en séquences, qui sont ensuite presque des collages.

C’était aussi le cas ici, c’est le numéro trois d’une trilogie d’albums d’un musicien qui fait du hip-hop instrumental. J’avais déjà conçu la deuxième partie de l’album pour lui et pour lui, c’était clair, la troisième partie est la conclusion de cette trilogie, qui a bien créé une sensation dans son milieu de l’art.

Il voulait tout simplement que cela se sache, que ça se termine vraiment en fanfare. Pour moi, c’était aussi un défi, de montrer tout cela visuellement.

Ensuite, il m’a montré une image d’un prêtre vaudou, que l’on voit lors d’une danse rituelle. Et cela lui a plu et il a demandé si nous pouvions construire l’image pour la pochette sur cette base.

Et j’ai essayé d’utiliser sa musique qui se servait aussi de samples, mais qui était pour lui aussi une fin de l’époque des samples, et une orientation vers des compositions originales, et aussi vers un propre label, qui était justement aussi comme Wave Planet, justement ce planétaire, ce cosmique, peut-être aussi ce sphérique, des sons de synthétiseurs qui ont fait leur entrée dans son travail, que cela soit également visualisé.

C’est pourquoi on voit en fait sur le recto cette pochette une scène d’un prêtre, pourrait-on dire, ou d’un guérisseur. Je ne voulais pas non plus l’attribuer clairement à une culture, un peu comme également son sampling ou ses historiques de sampling dans le hip-hop.

Il y a donc toujours des époques, là aussi. Au début, c’était plutôt de la soul, du funk, du jazz des États-Unis. Plus tard, il y a eu une vague où beaucoup de choses ont été samplées depuis le Brésil ou la musique sud-américaine en général. L’afrobeat a donc aussi trouvé son temps.

Et c’est pourquoi, en fait, c’est un peu comme Mad Max, vous avez des morceaux, des détails d’éléments de différentes cultures. On voit donc ici ce qui pourrait en fait être plutôt un blouson de bomber ou un t-shirt de flanelle, des casquettes, comme celle que je porte aujourd’hui.

Mais on voit aussi de vieux tambours ou ces clôtures de chantier ou ces masques, qui renvoient alors effectivement plutôt à une culture sud-américaine. Comme ici, ces plantes qui ressemblent à du coton ou à des fumigènes, qui indiquent peut-être plutôt une culture asiatique.

Et le verso, ce qui m’intéressait, c’est que si l’on est déjà intéressé par le cosmique et spirituel, mais aussi le rituel, il y a un contexte pour cela. Il y a souvent une raison à cela.

Et c’est là que j’ai un peu joué avec ça, là aussi cette expérience du passé, quand on se penche longtemps sur un album, qu’on a beaucoup de temps comme enfant p.e., qu’on le regarde un “art work” sur la durée de l’album (une heure), entendre encore et encore, voir encore et encore, reconnaître aussi des détails.

C’est quasiment aussi le cas ici avec la géométrie cosmique, avec les données, qui sont, par exemple, des constellations, des champs magnétiques de planètes, mais qui sont aussi des clés ou des instruments anciens de différentes époques, de différentes cultures, principalement européennes, qui ont été utilisées à cet effet, pour connaître par exemple la position ou les orbites de la Lune, des planètes en général dans le système solaire ou encore des lieux rituels spécifiques, comme ici, ce portail péruvienne, le Sonnentor, où il y a deux fois par an, quand on voit a travers cette portail, quand on trace une ligne dans l’univers, on arrive à une planète particulière, ce qui est généralement lié au solstice d’été ou d’hiver.

Et ce genre de choses étaient pour moi important encore comme arrière-plan à ce guérisseur, à ce prêtre, pour donner quasiment encore plus d’espace à l’ensemble, pour rêver et de découvrir des mondes.

Verena Feldbausch: Très bien, merci beaucoup. Très bonne explication.

Symbolisme des escaliers

Verena Feldbausch: L’architecture, et plus précisément les escaliers, apparaissent régulièrement dans ton travail. J’ai pensé à MC Escher, ce labyrinthe d’escaliers, et aussi le dépliant de l’exposition comporte une échelle avec deux marches cassées et à l’intérieur, il y a un escalier qui ne mène nulle part. On ne sait pas exactement où il mène. On peut acheter ces gravures, de cet escalier, ici à l’institut, pour le prix fou de 120 euros. C’est le petit bloc publicitaire. D’où vient cette fascination pour les escaliers ?

Colin Kaesekamp: J’ai dans mes images, comment dire, ces mêmes “samples” qui sont ici dans le contexte de l’exposition. J’ai des éléments, des symboles, avec lesquels je travaille toujours. L’escalier est l’un d’entre eux.

Ce qui, je crois, tous ces symboles que j’utilise, ont en commun, c’est qu’ils apportent une certaine dualité, c’est-à-dire quasiment aussi la manière de lire ou d’interpréter sont la clé. Car d’abord ils sont des éléments neutres, ici en fait quelque chose créé par l’homme, utilisé par l’homme. C’est quand même quelque chose d’inorganique.

Il y a donc une dualité ou un fort contraste. En même temps, j’aime aussi le fait que ce ne soit pas clair, s’ils mènent à en haut ou s’ils descendent quelque part.

Et par exemple aussi par le biais d’une technique de méditation, je connais cela de telle sorte que l’on choisit quasiment si je dois monter ou descendre les escaliers, et si je vais à un autre niveau.

Et dans le processus, c’est simplement pour moi, comme un élément de construction, que j’utilise en fait toujours, avec lequel j’exprime différentes choses où, en fin de compte, il ne s’agit pas de cet objet de l’escalier même, mais en fait plutôt dans quel contexte il est utilisé.

Pour le motif, qui est ici aussi un motif porteur pour l’exposition, le fait est qu’il y a justement ce livre. Dans ce livre, quand il s’ouvre, on peut découvrir des mondes. Il faut un point d’entrée pour cela, l’échelle s’y appuie, les premiers barreaux que tu as dits ils se sont déjà cassés.

Cela signifie que l’accès n’est pas si simple que cela, car on doit utiliser l’échelle pour accéder à l’escalier et au livre, pour s’immerger et découvrir ce monde ou ce savoir, ou quoi que ce soit d’autre que l’on y trouve.

On ne sait pas si c’est une immersion, si c’est quelque chose de positif ou de négatif. Et j’ai l’impression que c’est, ou ce que je voulais dire par là, que ces premiers pas, en général, sont souvent quelque chose de difficile dans la vie, ils représentent souvent un obstacle.

Si vous avez finalement réussi, cela ne signifie pas non plus qu’il ça mène toujours à quelque chose de bien. Mais au final, cela a le potentiel de nous amener simplement à un autre point et peut-être même un point sur lequel nous pouvons grandir.

Verena Feldbausch: Oui, très beau. Les ventes vont s’envoler.

Colin Kaesekamp: Je n’ai rien contre.

Couleur dans les œuvres récentes

Verena Feldbausch: Dans les travaux les plus récents, depuis 2020, la couleur a fait son entrée dans tes mondes visuels. Comment en est-on arrivé là ?

Colin Kaesekamp: Je vais peut-être dire brièvement comment j’en suis arrivé à me concentrer autant sur le noir et blanc. Parce que j’ai, dans les années 2000, on pourrait dire vers le milieu des années 2000, travaillé pour des sociétés de cinéma, j’ai étudié le design de la communication, j’ai aussi travaillé dans le domaine du design, j’ai aussi fait des graffitis, mais pendant les études en fait, comment dire, pas gardé secret, mais pas non plus rendu public.

Je suis donc allé peindre des murs, j’ai été invité, même dans d’autres pays, pour y faire des graffitis, mais je n’ai jamais eu l’intention d’en faire un métier. Et ça a quand-même grandi de plus en plus.

Mais au milieu des années 2000, j’ai senti que je devais changer quelque chose ou que je voulais faire un redémarrage, je pense, tous ceux qui travaillent dans le domaine artistique, savent que c’est facile à dire et difficile à réaliser.

Je me donnais la tâche, ok, je vais juste revenir à l’esquisse. Je supprime tous les effets. Donc je n’utilise plus que de la peinture noire sur un fond clair, même en peindre les murs, ce qui était plutôt atypique à l’époque.

Et justement, je renonce aux transitions douces, aux effets de lumière, etc. Et je travaille quasiment sur l’essence, à l’époque, à l’essence du design des personnages et à l’aspect figuratif, et à la composition elle-même. Et oui, c’est devenu ma caractéristique.

Et comme il arrive souvent, on travaille d’une certaine manière pendant longtemps et on se rend compte des limites. C’est une façon de travailler qui est souvent utilisée, et je n’ai pas de brevet pour cela.

Mais oui, maintenant je ai travailler comme ça presque 20 ans, je crois. Et c’est maintenant que la morosité s’est installée, qui est venu sur les années Corona et les lockdowns, c’était pour moi simplement comme une conclusion logique de revenir à la couleur.

Ce qui ne veut pas dire que je vais rompre complètement avec l’univers visuel ou le contenu que j’ai créé, mais aussi simplement essayer de nouvelles choses.

Verena Feldbausch: Donc la couleur signifie aussi de peindre sur des supports colorés ou justement avec cette encre colorée ?

Colin Kaesekamp: Aussi, c’est quasiment le compromis, une première étape. L’encre de couleur est en fait en contexte avec la bande dessinée.

Et à l’époque, j’avais juste dit, j’ai travaillé dans le domaine du cinéma, en tant que story-board artist, concept artist et justement dans la bande dessinée, on ne fait pas le dessin préparatoire au crayon, mais on le fait souvent avec une mine de couleur.

Et parce que le crayon, le gris, quasiment aussi présent dans le noir de l’encre de Chine, ce qui signifie en fait pour le numérique, j’efface la couleur, alors je ne touche pas au noir.

Si j’ai fait mon dessin préparatoire en gris, c’est-à-dire dans un noir léger, je saisis pour ainsi dire la couleur de l’image, même lors de l’effacement, le noir de mon encrage s’affiche. Ce n’est généralement pas ce que l’on souhaite. C’est un peu comme ça que ça s’est passé.

Verena Feldbausch: D’accord.

Vases “Valentine I et II”

Verena Feldbausch: J’aimerais bien aller voir les vases là-bas. En effet, je les ai remarqués lors du vernissage de l’exposition, intitulée “Valentine I et Valentine II”. Comment ont-ils été créés ?

Colin Kaesekamp: Ce qui est amusant, c’est que les deux images sont créées à un an d’intervalle. Les deux dessins étaient pour des expositions à Paris. Elles ont été achevés le 14 février, d’où leur nom.

Et c’était d’une part un souhait, un peu comme une variante d’une nature morte classique. Vraiment des vases, des fleurs, des plantes, des choses, des fruits qui traînent là.

Et en même temps, illustrer ou représenter d’une certaine manière le thème de l’amour et de la sexualité, qui n’est pas tout à fait typique, qui est un peu différent. Ou peut-être que pour certains, ce n’est pas aussi évident que l’ensemble est connoté d’être sexuel ou romantique en termes d’amour.

La composition est donc classique, une nature morte avec une perspective centrale, avec un vase au centre d’où jaillissent des plantes ou des éléments végétaux. Autour de cela, on trouve aussi des pièces comme des fragments de vases ou, pas des raisins, mais toute une série d’yeux, par exemple, sur l’une des deux images, on trouve ces bananes coupées. Dans l’autre image, on trouve des éléments similaires.

Ce qui est d’ailleurs souvent le cas. Je me réfère donc avec mon dessin de l’an après à l’image d’un an avant. C’est aussi se réfère au principe de l’échantillonnage ou sampling.

On réutilise donc toujours quelque chose, on travaille avec, on crée des variations. Et donc, il y a aussi une série d’images où il y a souvent partie 1, partie 2, il y aura peut-être une troisième partie. Mais les motifs sont réinterprétés et légèrement modifiés.

Objets trouvés et surréalisme

Verena Feldbausch: Merci. Je voulais ensuite aborder ces travaux. Ce sont des travaux assez récents. Alors, quel est le fond ?

Colin Kaesekamp: Je ne peux pas vraiment le dire. Ce sont des objets trouvés. Ce sont des bons de livraison de trains de marchandises, si l’on veut, qui sont montés sur les trains eux-mêmes.

Peut-être aussi une autre citation de ce genre, un grand hommage à l’époque des graffitis et de la peinture sur les trains.

Verena Feldbausch: Alors là, ça ressemble à un pistolet, on dirait qu’il a fondu. Et il y a différents éléments que tu utilises probablement encore et encore, n’est-ce pas ?

Colin Kaesekamp: Exactement, donc là encore, des symboles différents. Voici les réveils, qui sont là sans cadran. Et ces flèches qui sortent en spaghetti.

C’est en tout cas un motif récurrent. Et puis, bien sûr, ce qui s’est passé ces dernières années, cette fragmentation ou cette découpe droite, ces arêtes fortes qui font allusion à ces panneaux de la bande dessinée, ces extraits.

Et ici, bien sûr, de cette mise en page, de ces bons de livraison et de tous ces champs et des cases qui se créent. Cela a donné, je trouve, un très beau travail.

Et peut-être encore une fois ici, parce que tu as évoqué ce tampon tout à l’heure, ici, c’est en fait encore une fois similaire, ce qu’on retrouve aussi souvent dans le monde asiatique, ces papiers calligraphiés sur lesquels se trouve le tampon rouge, et le verso est également signé de la main de l’auteur.

Verena Feldbausch: Y a-t-il d’autres influences venant de l’histoire de l’art ? Donc si je vois ce réveil sans cadran je pense à Dali ou quelque chose comme ça.

Colin Kaesekamp: Je dois avouer que là aussi, c’est très clair et très cliché. Il est donc certain que le surréalisme a laissé des traces.

Je sais que nous avions aussi des tableaux de Dali dans la maison où j’ai grandi. Ils étaient accrochés dans le couloir le long de l’escalier, donc vraiment sur deux étages toute une rangée.

Là aussi, il s’agissait simplement de volumes de livres et, finalement, il n’était pas rare que je visitais des musées, à Munich. Mais surtout des classiques. La peinture, donc vraiment la Renaissance. Je dirais tout à partir du Moyen Âge, jusqu’à l’époque moderne.

Moins, je pense, le cubisme, le pointilisme. Kandinsky, par exemple, je le trouvais très mauvais, pendant un certain temps.

Parfois, il faut un peu de temps ou les goûts changent avant de trouver quelque chose. Ou encore MC Escher, tu viens de dire tout à l’heure, je l’avais plutôt vu à l’école, mais comme tant d’autres, j’ai été fasciné.

Et peut-être que cela a un rapport avec les escaliers et a laissé des traces. Mais nous l’avons aussi vu ici un élément différent, comme la pilule que j’avais utilisée pendant un certain temps. C’est un peu la même chose.

En soi, il n’y a donc rien de purement positif ou de négatif. Il y a bien sûr toujours avoir avec la dose qui fait le poison, ou alors, à quoi on l’utilise.

Est-ce que c’est la drogue qui me permet de m’amuser ou est-ce que j’en ai besoin pour élargir ma conscience ? Est-ce que c’est un rituel ? Est-ce que j’abuse de cette drogue ou est-ce que je l’utilise comme médicament pour me soigner ? C’est quelque chose de positif ?

Et bien sûr, cette représentation clichée de cette pilule allongée avec le corps en deux parties, qui est ensuite coloré différemment, l’indique naturellement encore une fois, comme les escaliers, il est vrai qu’il y a en fait toujours les marches qui montent en haut, qui reflète la lumière, le positif. Ensuite, on a le vertical, ce qui soit le plus neutre, soit le plus sombre, le plus négatif.

Projets futurs

Verena Feldbausch: Tu es né en 1979 à Munich et tu es arrivé en Sarre grâce à tes études de design de communication visuelle. Tu as étudié à l’école supérieure des beaux-arts et tu as ensuite cofondé l’agence “Büro Stabil” à Sarrebruck. De 2022 à 2024, tu as été professeur invité à la HBK Saar. Quels sont tes projets à venir et sur quoi travailles-tu actuellement ?

Colin Kaesekamp: En ce moment, je suis en train de créer un concept pour la peinture murale d’une salle de concert. Je n’y ai pas été invité seul en tant qu’artiste, mais j’ai aussi participé au placement d’artistes qui collaborent.

C’est une chose. Ensuite, il y a aussi la saison des peintures murales qui commence pour cette année. Je vais donc me rendre la semaine prochaine au lac Ammersee, pour faire un travail de commande.

Ensuite, les festivals commencent déjà. C’est donc en France que nous allons cette année plusieurs fois. C’est la première fois que je vais en Pologne, ce qui me fait très plaisir, car cela fait longtemps que je voulais aller en Pologne. En effet, c’est fou.

Je ne suis pas allé assez souvent en Europe de l’Est. Et en fait, c’est honteux, parce que c’est tout autant un pays voisin comme l’Autriche, la France ou les autres.

Exactement, c’est pourquoi je m’en réjouis beaucoup. Il y a un meeting de graffiti pour lequel je fais aussi la communication, c’est-à-dire toutes les illustrations, les affiches, les invitations, etc.

Ensuite, je suis avec deux artistes, un luxembourgeois et un berlinois, dans le cadre d’une série d’expositions. Cela commencera aussi en juillet. Il y a donc certainement beaucoup à faire.

Et maintenant, après le professorat, ce qui est vraiment une réalité formidable et très spéciale. Il n’était pas non plus évident dès le départ que cela s’étendrait sur deux ans ou presque.

J’ai été très heureux de pouvoir faire le travail, de découvrir sous un autre angle. Toute ma vie d’adulte, j’ai toujours donné des ateliers ou des masterclasses.

Mais cela m’a montré que le travail dans l’enseignement, je le peux très bien imaginer de le continuer. Et d’après le feedback de mes collègues et surtout des étudiants ce travail me convient aussi.

Alors peut-être que c’est quelque chose que j’aimerais faire un peu plus à l’avenir. Mais maintenant, même après deux ans, je n’ai rien contre le fait d’avoir un peu de temps pour moi, de m’occuper un peu plus de mon art.

Verena Feldbausch: Oui, très bien. Merci beaucoup.

Donc, à moins que tu as encore quelque chose à nous dire ?

Colin Kaesekamp: Oui, peut-être tout simplement parce que nous venons d’en finir avec ce sujet. Cela a donc été un plaisir et un honneur pour moi de pouvoir occuper ce poste de professeur invité.

Et également d’être inclus dans les archives, dans le dictionnaire de l’institut, et de pouvoir l’exposer. Et là aussi, dans les deux cas, c’est quelque chose que je ne considère pas comme allant de soi.

Je vois que les gens qui viennent d’une sous-culture n’ont peut-être pas un accès si naturellement. C’est peut-être aussi ce qui fait que ce petit État fédéral, dont on se moque souvent un peu, la Sarre, qui, dans mon cas, a également permis de faire ce chemin.

J’espère que cela ouvrira des portes à d’autres artistes, justement peut-être aussi du domaine de la bande dessinée ou justement du domaine élargi du graffiti, de l’art urbain, le domaine du street art, quel que soit le nom qu’on lui donne.

Et si Dieu le veut, cela fera un jour son entrée dans les universités. Ce serait mérité, je pense. Il serait temps de le faire.

Peut-être aussi prenant exemple de la musique, ça m’a irritée aussi. Oui le jazz a fait son entrée, mais il s’est passé tellement de choses, ce qui est tout simplement aussi hautement complexe, hautement génial, hautement touchant, que cela devrait en tout cas avoir lieu sur des scènes plus larges.

Et oui, pour cela, je dis merci dans l’éther et merci à toi aussi pour l’interview et l’invitation.

Verena Feldbausch: Avec plaisir. Comme d’habitude, vous trouverez les images des œuvres discutés sur mon blog et toutes les autres informations dans les notes de spectacle.Oui, j’espère que vous vous êtes autant amusés et je me réjouis de vous voir à la prochaine édition. Merci beaucoup de nous avoir écoutés et à bientôt, votre Verena Feldbausch. As-tu aimé les discussions sur l’art ? Alors laisse 5 étoiles et recommande-nous à tes amis. Tu trouveras plus d’informations sur le podcast dans les Show Notes et sur notre blog. Sois de nouveau de la partie quand nous parlons d’art chez art talk, le podcast d’art de SaarLorLux.