Art Trailer Verena Feldbausch

#29 art talk – Mahbuba Maqsoodi

Verena — Tue, 28 Apr 2026 04:38:26 +0000

Die Bildwelten der international renommierten afghanisch-deutschen Künstlerin Mahbuba Maqsoodi

Mahbuba Maqsoodi ist Malerin, Autorin und eine Stimme zwischen Kulturen, denn sie baut mit ihrer Kunst immer wieder Brücken. Sie ist geboren in Afghanistan und lebt heute in Deutschland.

Ein breiteres Publikum wurde auf Mahbuba Maqsoodi aufmerksam durch ein außergewöhnliches Projekt: die Gestaltung der Kirchenfenster der Benediktinerabtei Tholey im Saarland. Das ist ein Ort, der Tradition, Spiritualität und zeitgenössische Kunst miteinander verbindet. Gleichzeitig zeigt Mahbuba Maqsoodi aktuell ihre Werke in der Städtischen Galerie Neunkirchen, in der Ausstellung GLAUBHAFT, wo ihr künstlerisches Schaffen in all seinen Facetten zu erleben ist.

Wir sprechen mit Mahbuba Maqsoodi über Kunst zwischen Religion und Identität, über Licht und Farbe, über menschliche Fragestellungen und spirituelle Themen – und über einen Lebensweg, der geprägt ist von Umbrüchen und von kreativen und künstlerischen Neuanfängen.

Shownotes:

Mahbuba Maqsoodi: https://maqsoodi.de
Benediktinerabtei Tholey: https://www.abtei-tholey.de/abtei/weltkunst-in-der-abtei.html
Städtische Galerie Neunkirchen: https://staedtische-galerie-neunkirchen.de/aktuell/
Produziert von art trailer feldbausch: https://feldbausch.com/
Alle Kunstpodcasts art talk SaarLorLux findest Du hier : https://feldbausch.com/blog/

Foto Credits:

1-9, 12-14: © Anton Midas, Atelier Maqsoodi

10,11: Verena Feldbausch

Bio – Mahbuba Maqsoodi: Brückenschlag zwischen Herat und München

Mahbuba Maqsoodi ist eine zeitgenössische Künstlerin, die durch ihre beeindruckende Verbindung von afghanischer Tradition und europäischer Moderne internationale Anerkennung gefunden hat. Ihr Werk umfasst Malerei, Zeichnung und die Gestaltung von sakralen Räumen durch Ihre Kunst auf Glas.

Herkunft und Ausbildung

Mahbuba Maqsoodi wurde 1957 in Herat, Afghanistan, geboren. In ihrer Heimatstadt absolvierte sie ein Studium der Pädagogik und Kunst, bevor sie in den 1980er Jahren ein Stipendium für die Sowjetunion erhielt. An der Akademie der Künste in Leningrad (heute St. Petersburg) promovierte sie im Fach Kunstwissenschaft.

Aufgrund der politischen Instabilität in Afghanistan suchte sie 1994 gemeinsam mit ihrer Familie politisches Asyl in Deutschland und ließ sich in München nieder.

Künstlerisches Schaffen

Das Werk von Maqsoodi ist geprägt von einer tiefen Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, Weiblichkeit und der Suche nach Identität zwischen verschiedenen Kulturen.

Malerei auf Glas: Ein herausragendes Merkmal ihrer Karriere ist die Arbeit mit Glas. Maqsoodi gilt als eine der wenigen Künstlerinnen, die die klassische Technik der Glasmalerei in eine moderne, abstrakte und zugleich figurative Formensprache überführt haben.
Stilistik: Ihre Bilder zeichnen sich oft durch filigrane Linienführung, leuchtende Farben und eine erzählerische Tiefe aus, die Einflüsse aus der afghanischen Heimat ausweisen und trotzdem im Kontext der westlichen Moderne stehen.

Bedeutende Projekte

Einen Meilenstein in ihrer Vita stellt die Gestaltung der Glasfenster für die Abteikirche Tholey im Saarland dar. Während die Entwürfe für drei große Chorfenster vom weltberühmten Künstler Gerhard Richter stammen, gestaltete Maqsoodi die übrigen 34 Fenster der Abtei.

Mahbuba Maqsoodi:

“Die Fenster erzählen Geschichten von Heiligen und biblischen Szenen, eingewoben in ein Spiel aus Licht und Farbe, das den Kirchenraum transformiert.”

Auszeichnungen und Bedeutung

Mahbuba Maqsoodi wurde für ihr kulturelles Engagement und ihre künstlerische Leistung mehrfach geehrt, unter anderem 2023 mit der Bayerischen Staatsmedaille für soziale Verdienste. Sie gilt als wichtiges Beispiel für eine gelungene kulturelle Symbiose und zeigt, wie Kunst als universelle Sprache fungieren kann, die Grenzen und politische Konflikte überwindet.

Heute lebt und arbeitet sie weiterhin in München, wo sie in ihrem Atelier sowohl an privaten Aufträgen als auch an großformatigen öffentlichen Projekten arbeitet.

Das ganze Interview mit Mahbuba Maqsoodi zum Nachlesen

Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen KuratorInnen und KünstlerInnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. art talk hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt.

Verena Feldbausch: Hallo und herzlich willkommen zu art talk SaarLorLux, dem Podcast für Kunst und Kultur in unserer Großregion, in dem wir mit spannenden, kreativen Menschen sprechen. Mein Name ist Verena Feldbausch und heute habe ich eine ganz besondere Künstlerin zu Gast. Eine Frau, deren Lebensweg ebenso beeindruckend ist wie ihre Kunst, Mahbuba Maqsoodi. Sie ist Malerin, Autorin und eine Stimme zwischen Kulturen, denn sie baut mit ihrer Kunst wirklich Brücken. Sie ist geboren in Afghanistan und lebt heute in Deutschland. Ein breiteres Publikum, gerade hier in unserer Großregion, wurde auf Mahbuba Maqsoodi aufmerksam durch ein außergewöhnliches Projekt. Die Gestaltung der Kirchenfenster der Benediktinerabtei Tholey hier im Saarland. Das ist ein Ort, der Tradition, Spiritualität und zeitgenössische Kunst miteinander verbindet. Gleichzeitig zeigt sie aktuell ihre Werke in der städtischen Galerie Neunkirchen, in der Ausstellung Glaubhaft, wo ihr Mahbuba Maqsoodi künstlerisches Schaffen in all seinen Facetten erleben könnt. Wir sprechen heute über Kunst zwischen Religion und Identität, über Licht und Farbe, über menschliche Fragestellungen und spirituelle Themen und über einen Lebensweg, der geprägt ist von Umbrüchen und von kreativen und künstlerischen Neuanfängen. Wie immer findet ihr Abbildungen der hier besprochenen Werke in unserem Blog und den Link dahin gibt es in den Show Notes. Diese Folge von art talk SaarLorLux wird gefördert durch das Ministerium für Bildung und Kultur des Saarlandes. Wir danken herzlich für die Unterstützung, die es ermöglicht, künstlerische Stimmen wie die von Mahbuba Maqsoodi hörbar zu machen und den kulturellen Dialog in unserer Region und darüber hinaus zu stärken. Nun wünsche ich euch viel Spaß beim Zuhören.

Verena Feldbausch: Liebe Mahbuba Maqsoodi, ich freue mich sehr, dass Sie heute hier sind. Herzlich Willkommen!

Mahbuba Maqsoodi: Danke für die Einladung!

Erste Eindrücke und Befinden

Verena Feldbausch: Ich starte gern ganz offen. Wie geht es Ihnen? Mitten in der Ausstellung und in Ihren Projekten.

Mahbuba Maqsoodi: Ich fühle mich wohl und ganz zufrieden.

Verena Feldbausch: Schön!

Lebensweg und künstlerische Anfänge

Verena Feldbausch: Sie haben einen außergewöhnlichen Lebensweg hinter sich, von Afghanistan nach Deutschland. Sie sind 1957 in Afghanistan geboren und haben dort persische Miniaturmalerei gelernt bei Ihrem zukünftigen Mann. War Kunst für Sie von Anfang an klar oder hat sich das mit der Zeit entwickelt? Wie waren Ihre künstlerischen Anfänge?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, das ist, wie Sie erwähnt haben, ein sehr langer Weg. Und ich denke, von den ersten Schritten in der Miniaturmalerei in Herat, über das Studium an der Kunstakademie in St. Petersburg, als erste bewusste Begegnung mit europäischer Kunst und Kultur, bis hin zu den Erfahrungen mit der Kunst in Deutschland, haben all diese Stationen meinen Weg geprägt und mich zu dem geführt, was ich heute bin oder wie ich mich heute fühle. Aber doch, der Weg bleibt immer noch offen.

Verena Feldbausch: Schön!

Verena Feldbausch: In Afghanistan lag der Schwerpunkt zunächst auf persischer Miniaturmalerei. Dann kamen Sie und Ihr Mann durch Stipendien in die ehemalige Sowjetunion nach St. Petersburg. Dort haben Sie sich mit europäischer Kunst auseinandergesetzt und Ihr künstlerisches Handwerkszeug weiterentwickelt. Sie haben also unterschiedliche Techniken im Zeichnen und Malen ausprobiert. Und außerdem haben Sie dort Kunstkeramik studiert. Was ist Ihnen aus dieser Zeit noch sehr gut in Erinnerung?

Mahbuba Maqsoodi: Als ich nach St. Petersburg kam, ich habe ja, wie Sie erwähnt haben, etwas ganz anderes erfahren, die Miniaturmalerei. Und in St. Petersburg bin ich ja zum ersten Mal bewusst mit der europäischen Kunst in Berührung gekommen. Das war ein neuer Anfang. Ich musste wirklich vieles, was die anderen, meine Kommilitonen, schon hinter sich hatten, musste ich erst selber erlernen. Und das heißt für mich viel Arbeit. Dadurch, dass ich so neugierig bin und liebe, was etwas Neues betrifft, dann war ich ja bereit, alles, was möglich ist, zu lernen. Und in der Akademie, diese Türen waren fast 24 Stunden offen, ja. Und ich habe versucht, jeden Tag, jede Möglichkeit in Auditorien, beim Malen, beim Zeichnen, in der Kunstgeschichte, in den Räumen der Museen. Allein in der Eremitage sind ja, man sagt, 24 Kilometern. Und wir sind hier, wie dort von der antiken bis modernen Kunst. Das war ein Meer von Möglichkeiten. Und ich versuchte, alles, alles zu benutzen. Und dafür bin ich dankbar, weil, als ich nach Deutschland kam, im Grunde genommen, europäische Kunst und Kultur war mir in vielen Bereichen bekannt. Nun, hier in Deutschland habe ich etwas dazu entdeckt und versuchte, mich zu vertiefen.

Ankunft in Deutschland und neue Techniken

Verena Feldbausch: Da sie nicht nach Afghanistan zurück konnten, sind sie ja dann nach Deutschland gekommen und haben zunächst figurativ und abstrakt gearbeitet und schließlich das Malen auch auf Glas entdeckt. Kann man das so sagen, ja? Wie hat dieser Weg ihre künstlerische Perspektive geprägt?

Mahbuba Maqsoodi: Ich denke, alle Stationen, die in meinem Leben hinter mir waren, haben mich geprägt. Es war bewusst oder unbewusst, intuitiv. Und was den Stoff Glas betrifft, damit hatte ich in der Akademie, in der Kunstgeschichte eine Berührung gehabt. Ich wusste schon, was für eine Bedeutung hatte Glas im Bezug auf gotische Architektur im früheren Mittelalter und auch später. Mein Mann und ich, wir waren beide freiberufliche Künstler. Ich sage, mit einem vollen Rucksack hier gekommen. Auf einmal, wir standen in einer Situation, dass niemand uns in dem Sinne, wie ich gedacht habe, oder wie wir gedacht haben, braucht. Und dann war der Anfang der Suche, dass ich etwas Neues entdecke. Dass ich trotzdem bei meiner künstlerischen Tätigkeiten bleibe. Und so kam ich zum Stoff Glas. Der erste Strich auf Glas war für mich eine fast erschreckende Erfahrung, weil ich suchte die Fläche. Weil Glas lässt das Licht durchgehen. Und das war der interessante, nicht leichte, eigentlich schwere Anfang.

Verena Feldbausch: Das Neue auch.

Mahbuba Maqsoodi: Das Neue natürlich. Genau.

Kunst als Notwendigkeit

Verena Feldbausch: Wann haben Sie gemerkt, dass Kunst für Sie mehr als ein Ausdruck, vielleicht sogar eine Notwendigkeit ist?

Mahbuba Maqsoodi: Schon bei der ersten Begegnung, wie einer Welle, die sich auf einem kleinen Parfümfläschchen bricht, hatte ich das Gefühl, das war schon in Herat, als ich in der 11. Klasse im Gymnasium war. Das war ein Zufall natürlich. Vieles zeigte sich mir von Anfang an in Linien, die bereits Farbe tragen. Nicht nur als Möglichkeit, sondern wie eine leise Bedrängnis. Eine innere Notwendigkeit, die ich mich kaum entziehen kann oder auch konnte. Und das prägt mich weiter.

Intuitiv oder konzeptuell?

Verena Feldbausch: Arbeiten Sie eher intuitiv oder konzeptuell? Oder ist es eine Mischung von beiden?

Mahbuba Maqsoodi: Es ist eine sehr schöne Frage. Und ich denke, die meisten Künstler arbeiten eher intuitiv. Weil für mich bedeutet diese Intuition, diese Gefühlssache. Arbeiten mit Kunst ist ja keine wissenschaftliche Arbeit. Dadurch entsteht so ein Vertrauen durch diesen intuitiven Umgang. Was man gemeinhin Bauchgefühl nennt, denke ich. Aber ich denke, das ist ja komplette innere Wahrnehmung, die den ersten Impuls auslöst und lenkt. Aber im Bereich der Kunst und Architektur, weil das ist ja ein ganz großes Projekt, nicht als Einzelbilder oder ein Triptych. Da denke ich, dieses Konzept braucht man auch. Ja, das ist eine Mischung von intuitiver und konzeptioneller Kunst. Der Raum selbst beginnt zu sprechen, beeinflusst und verlangt nach Aufmerksamkeit. In ihm suche ich nicht nur Form und Struktur im Raum, sondern etwas, das darüber hinausgeht. Die feine Harmonie, die Atmosphäre, die alles verbindet. Alles. Und dem Ganzen seinen eigenen Einklang verleiht. So wie Sie vorher gesagt haben, manchmal ist es eine Mischung.

Kirchenfenster in Tholey

Verena Feldbausch: Eines Ihrer bekanntesten Werke sind die Kirchenfenster in der Benediktiner Abtei St. Mauritius in Tholey. Ein Projekt, das viel Aufmerksamkeit bekommen hat. Wie kam es überhaupt zu diesem Auftrag? Das ist ja kein alltägliches Projekt.

Mahbuba Maqsoodi: Ja, es handelte sich um einen europaweiten Kunstwettbewerb. Und ich bin dazu eingeladen worden.

Verena Feldbausch: Erinnern Sie sich noch an den Moment, als Sie gefragt wurden, was ging Ihnen da durch den Kopf?

Mahbuba Maqsoodi: Es war ja nicht meine erste Arbeit im sakralen Raum. Ja. Davor habe ich auch einige Werke im Stil der Malerei des 19. Jahrhunderts gemacht. Mit meinem Mann, aber auch allein. Der Unterschied war, dass ich in diesem Fall in meiner eigenen Sprache entwarf und mich somit von der Malerei der Vergangenheit verabschiedet habe. Ja. Mein Gedanke war, es zu gewinnen.

Verena Feldbausch: Schön.

Mahbuba Maqsoodi: Und ich erinnere mich, als ich einen Tag mit der Malerei unter dem Arm Richtung Realisierung zur Werkstadt von Van Treeck ging in München, dachte ich, diese Werke werden ein Teil des historischen Ortes. Ich war glücklich, gleichzeitig demütig. Mit einer großen Verantwortung.

Verena Feldbausch: Das glaube ich, ja.

Reaktion der Mönche und Gemeinde

Verena Feldbausch: Kirchenfenster haben eine lange Tradition. Ihre Arbeit lebt von dem Zusammenspiel von Licht und Farbe. Was war Ihre Idee am Anfang für diese Fenster?

Mahbuba Maqsoodi: Für diese Fenster in Tholey. Die Idee war, wie überall, wenn ich im Raum arbeite, dass ich ein Teil mit meinen Werken, ein Teil des Raumes werde. Das heißt für mich Harmonie. Und das heißt ja auch die Geschichte. Und als ich dort war, ganz am Anfang, bevor ich angefangen habe zu entwerfen, ich habe dieses Gefühl im Raum gehabt, hier muss ich etwas ermöglichen, dass das Spirituelle einen Eingang zu dem tagtäglichen Leben hat. Weil ich betrachte nicht, dass Religion und sakrale Räume müssen von Menschen getrennt bleiben. Weil ich denke, wenn so etwas passiert, dann hat es überhaupt den Kern der Botschaft verloren. Ich versuchte in dem Sinne zu verstehen, was hier die Geschichte bedeutet. Was ist hier die Thematik und wie verbinde ich diese Thematik zeitgemäß? Beispiel. Das Thema Adam und Eva. Das ist ein uraltes Thema in allen drei monotheistischen Glauben. Und das war eines von den Werken. Ich denke, ich konnte ja nicht wie früher diese Themen interpretieren, weil ich davon überzeugt bin, dass die Position von Mann und Frau von Gott gleich geschaffen ist. Und der Rest ist von der Menschheit gemacht. Also gleiche Rechte, gleiche Verantwortung. Und so ist das gesamte Zyklus später auch entstanden.

Verena Feldbausch: Ah ja, sehr schön. Sehr interessant, ja. Ja.

Licht und Emotion

Verena Feldbausch: Welche Rolle spielt Licht für Sie dabei? Also nicht nur technisch, sondern auch emotional?

Mahbuba Maqsoodi: Ja. Ich denke, Licht ist ein Grundlegendes der Existenz. Also wir können ja ohne Licht nichts haben. Und es ist auch ein ständiger Begleitprozess des Schaffens. Weil durch das Licht kann auch etwas Unverwechselbares in dem Ausdruck des Kunstwerks entstehen, in der Musik, in der Malerei. Und das heißt, es ist sehr individuell. Und durch diese Individualität, der Umgang mit dem Licht, schafft man auch einen emotionalen Ausdruck. Und dadurch entsteht natürlich auch emotionale Wahrnehmung des Bildes in der Wahrnehmung des Betrachters. Ja. Und ich hoffe natürlich, dass meine Werke in dem Sinne auch Menschen berühren.

Religiöse und spirituelle Aspekte

Verena Feldbausch: Gab es religiöse oder spirituelle Aspekte, die Sie persönlich besonders berührt haben in dieser Arbeit?

Mahbuba Maqsoodi: Es ist ja so, alles was ich mache in der Kunst, ob im Bereich Kunst und Architektur ist oder einzelne Bilder. Spiritualität spielt eine ganz zentrale Rolle bei meiner Arbeit. Und wenn die Werke entstehen für einen sakralen Raum, diese sakralen Räume, nicht alle, aber die meisten haben auch diese Wahrnehmung der Spiritualität. So. Und dadurch beeinflusst es nochmal sozusagen zusätzlich das, was ich in dem Sinne ausdrücke. Und unabhängig von der Thematik.

Erfahrungen mit sakralen Räumen

Verena Feldbausch: Jetzt habe ich noch eine Zwischenfrage. Sie sagen ja, das ist ja nicht der erste sakrale Bau, also die Fenster des ersten sakralen Baus, die Sie gestaltet haben. Können Sie ein kleines bisschen erzählen, wie das anfing und wie Sie überhaupt dazu gekommen sind, Fenster für Kirchen auch zu gestalten?

Mahbuba Maqsoodi: Es ist wirklich eine sehr berechtigte, gute Frage. Wie gesagt, ich habe ja meinen Weg gesucht und dann kam ich zum Stoff Glas und dann arbeitete ich mit einer Firma in München, die auch jahrelange Erfahrungen in Bezug auf Kunst und Architektur zu hatten. Und so entstand eigentlich diese Zusammenarbeit im Sinne des Entwurfsstils des 19. Jahrhunderts, weil wir, ich sage immer wir, mein Mann und ich, in St. Petersburg studierten. Und diese 19. Jahrhundertmalerei ist eine vergangene Zeit in Europa, aber in Amerika, man redet dort davon. Also man hat ja komplett moderne Kunst und auch 19. Jahrhundertmalerei. Und dadurch kamen wir zu Aufträgen, ich sage hier wirklich Aufträgen im Stil der 19. Jahrhundertmalerei. Und es entstanden mehrere Projekte wie im Nashville Tennessee, in Texas, auch ungefähr in dieser Art und Weise zwei Kapitole in der Stadt Albany, also New York, private Häuser und und und. Also das Projekt in Tholey war nicht meine erste Erfahrung, wie ich vorher gesagt habe. Nur dieses Mal war es meine eigene Sprache, die ich dafür jahrelang ausgearbeitet habe.

Verena Feldbausch: Ja, okay. Super, da haben wir das auch nochmal geklärt. Genau.

Reaktion der Mönche und Gemeinde

Verena Feldbausch: Wie haben die Mönche und oder die Gemeinde auf Ihre Entwürfe reagiert? Gab es Diskussionen oder war direkt Vertrauen da?

Mahbuba Maqsoodi: Als die Entscheidung der Jury veröffentlicht wurde, gab es zwischen mir und dem Konvent überhaupt keine Diskussion. Da entstand ein tiefes, tiefes Vertrauen.

Verena Feldbausch: Ah, schön.

Mahbuba Maqsoodi: Und das hat sich auch nach der Einweihung in der Gemeinde deutlich widergespiegelt.

Verena Feldbausch: Schön. Also ist gut angenommen worden.

Mahbuba Maqsoodi: Ja, also nach der Einweihung. Betone ich das.

Verena Feldbausch: Sehr schön. Sehr schön, ja, ja.

Zusammenarbeit mit Gerhard Richter

Verena Feldbausch: In der Abtei Tholey sind ja auch Fenster, die von dem sehr bekannten Künstler Gerhard Richter gestaltet sind. Wie ist es, zusammen mit einem solchen Ausnahmekünstler die Fenster einer Abtei zu gestalten? Also nebeneinander. Sie haben ja nicht zusammengestaltet. Hat dieses Projekt irgendwas mit Ihnen persönlich auch gemacht?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, ich denke, jedes Projekt macht etwas Persönliches. Sogar auch jedes Kunstgespräch und Lesung. Zum Beispiel gestern hier in diesem wunderbaren Raum. Zum ersten Mal habe ich gelesen, nach mehreren Lesungen in unterschiedlichen Zusammenhängen, in einem Raum, wo meine Bilder hängen. Das war wieder komplett neu, neue Wahrnehmung. Und so war das auch mit dem Projekt in Tholey. Aber ich bin davon überzeugt, dass jeder Mensch und jeder Künstler unabhängig von seiner Bekanntheit seine eigene Rolle trägt und eine unverwechselbare Position in der Welt einnimmt oder einnehmen kann. Was die Erfahrung betrifft, hat sie mein menschliches Verständnis in vieler Hinsicht übertroffen. Das Gute zeigte sich für mich im Ergebnis in einer Harmonie, in der sich alle Bilder im Raum gegenseitig ergänzen.

Verena Feldbausch: Ja, sehr schön.

Kultureller Brückenschlag

Verena Feldbausch: Kann man sagen, dass diese Arbeit auch ein kultureller Brückenschlag ist zwischen Ihrer Herkunft und dem europäischen Kirchenraum?

Mahbuba Maqsoodi: Ich denke, ja. Wir haben bis jetzt darüber gesprochen, dass viele Stationen meines Lebens mich geprägt haben. Und über alle diese Stationen von Afghanistan bis zur Sowjetunion und dann hier. Trotz aller Unterschiede habe ich immer etwas Gemeinsames entdeckt. Und das ist auch, was ich mit meinen Arbeiten ausdrücken kann. Ja, wir sind unterschiedlich, aber wir haben etwas Gemeinsames. Und ich denke, die Kunst konnte und kann auch nicht die Welt retten. Das ist auch nicht die Aufgabe der Kunst, sondern etwas zu sagen, ist die Aufgabe der Künstler. Und wenn ich mit meinen Werken, ob das jetzt in sakralen Räume sind oder so wie hier in der Ausstellung, die Menschen, von deren festen Position ein wenig, sogar einen Millimeter loslasse, dann ist es ja wunderbar.

Verena Feldbausch: Ja, das ist sehr gut beschrieben. Danke.

Die Ausstellung „Glaubhaft“ in Neunkirchen

Verena Feldbausch: Jetzt kommen wir zu der Ausstellung in der Städtischen Galerie Neunkirchen, wo wir auch das Interview hier machen. Neben diesem großen sakralen Projekt zeigen Sie aktuell Ihre Arbeiten in der Städtischen Galerie Neunkirchen in der Ausstellung “Glaubhaft”. Und hier finden wir auch eine Anzahl von Zeichnungen und Skizzen zu den Kirchenfenstern in Tholey. Was erwartet die Besucher*innen in Ihrer Ausstellung?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, es ist ja so, ich bin durch die in der Öffentlichkeit Arbeitende, eher bekannt für Kunst- und Architekturwerke. Und jetzt kommen wir zu dieser Ausstellung. Die Besucher werden vielleicht auf einmal etwas sehen, was eigentlich damit nichts zu tun hat. Das ist eine Seite. Meines Ziels in dieser Ausstellung. Zweite ist, dass die Werke, die am Ende ins Glas umgesetzt werden, haben hinter sich intensive Arbeitsschritte, die vielen nicht bekannt ist. Das sind mehrere Studienzeichen, es sind Malereien, dass die am Ende ins Stoff Glas oder in einen anderen Stoff umgesetzt werden können. Das wollte ich eigentlich zeigen, weil streng genommen sind sie bereits eigenständige abgeschlossene Werke, die in ein anderes Material überführt werden.

Verena Feldbausch: Ja, das stimmt. Also man sieht hier auf der Empore Skizzen, Bleistiftskizzen wahrscheinlich. Ja. Und hier sieht man ja auch Acryl, auch wieder Skizzen oder Ausschnitte eigentlich, oder?

Mahbuba Maqsoodi: Es ist ja so, dass hier aus dem Tholey-Zyklus habe ich nur ein einziges Werk, “Gut und Böse”, den sogenannten Satan-Sturz, präsentiert. Sie sehen daneben diess einzelnen Formate, so wie sie in Tholey am Ende sozusagen ins Glas umgesetzt wurde. Ja. Aber ich habe hier das gesamte Fenster mit 40 Bildern auseinander getrennt und in eine neue Komposition daneben präsentiert. Damit wollte ich sagen, meine Werke können auch unabhängig vom Raum funktionieren. Jedes Teil ist wie ein Bild.

Verena Feldbausch: Ja, genau. Ja, das ist sehr interessant. Das muss man sich wirklich anschauen.

Mahbuba Maqsoodi: Und jetzt können Sie sich vorstellen, alleine für diese Arbeit gibt es von mir aus gewählt 63 Studienzeichnungen. Hier sind 40 präsentiert und wir haben in Tholey 29 Bilder. Also ich sage Ihnen über 350 Studienzeichnungen und Bilder, Bilder, Bilder. Also da gibt es eine Möglichkeit, weitere Präsentationen im Sinne der Bilder zu zeigen.

Verena Feldbausch: Ja.

Roter Faden in der Ausstellung

Verena Feldbausch: Gibt es einen roten Faden oder ein zentrales Thema, das sich durch die Werke zieht, die wir hier sehen in Neunkirchen?

Mahbuba Maqsoodi: Ja. Ich bin eine Künstlerin, die nicht dekorativ arbeitet, weil ich trage in mir, gewollt oder nicht gewollt, bewusst oder nicht bewusst, vieles. Und die Quelle meiner Inspirationen ist das tagtägliche Geschehen mit Menschen, mit der Natur, mit deren Sorgen, mit deren fröhlichen Empfindungen und so weiter. Und so drücke ich das auch in meinen Arbeiten aus. Und daher sind die Menschen wirklich der sogenannte rote Faden, der durch alle Arbeiten sichtbar wird. Damit möchte ich auch sagen, dass wir Menschen sind ein Teil vom Gesamten. Aber dadurch, dass Menschen eine besondere schöpferische Fähigkeit haben, entsprechend haben die Verantwortung. Klein oder groß. In der Familie oder in der Gesellschaft oder in dem Geschehen in der Welt. Also Menschen sind die wichtige Position in meiner Arbeit. Ja. Im Mittelpunkt steht der Mensch.

Verena Feldbausch: Ja.

Identität, Aufbruch und Zugehörigkeit

Verena Feldbausch: In Ihren Arbeiten geht es oft um Identität, Aufbruch und Zugehörigkeit. Wie spiegeln sich diese Themen konkret in der Ausstellung wider?

Mahbuba Maqsoodi: Dadurch, dass ich vieles erleben konnte. Afghanistan, ein Land, das teilweise vielleicht befindet sich in so archaischen Wahrnehmungen. Dann wieder hat man dort Kopie vom modernen Umgang mit der Welt. Dann Russland oder die Sowjetunion. Ein anderes System. Komplett andere Wahrnehmungen, die wir Menschen im Außen haben. Aber ich habe dort ja circa 14 Jahre gelebt und diese Gesellschaft in allen oder in vielen, besser zu sagen in vielen Bereichen entdeckt. Dann komme ich her. Ja. Am Ende, wie ich vorher gesagt habe, ich sehe alles in einer komplexen Verbindung. So wie man die Erde von oben schaut, das ist wunderbar und sieht man die Grenzen nicht. Vielleicht die Unterschiede. Und so sehe ich auch diese Unterschiede, die wir als Bereicherung, als Reichtum für uns betrachten. Und auch suche ich meine Identität wirklich drin. In dem Gemeinsamen, das wir Menschen haben und das uns ausmacht. Und die Unterschiede sind einfach schön. Ich bin ja Malerin. Wie langweilig wäre, wenn alle gleich wären.

Verena Feldbausch: Das stimmt. Da haben Sie total recht.

Neue Techniken und Motive

Verena Feldbausch: Arbeiten Sie hier mit neuen Techniken und Motiven?

Mahbuba Maqsoodi: Ich suche ja immer neue. Durch die neue Situation ergibt sich auch immer wieder etwas Neues. Obwohl ich ja viel mit Farbe beschäftigt bin und eigentlich sehe ich alles in Farbe. Ich glaube, manchmal kommen auch neue Techniken. Beispielsweise wie ich arbeite. Wenn der Stoff von meinem Glas nicht durchgeht, aber das Licht ist sehr wichtig. In dem Fall zum Beispiel nehme ich dann den Spiegel. Also es kommen immer wieder neue Techniken. Und ich hoffe, wie ich mit dem Glas umgehe, werde ich auch initiieren, dass meine Künstlerkolleginnen und Kollegen auch das Glas für ihre Kunst entdecken können.

Verena Feldbausch: Ja, als neuer Untergrund, genau. Als alternativer Untergrund.

Freie Arbeit vs. Auftragswerk

Verena Feldbausch: Wie unterscheidet sich Ihre freie künstlerische Arbeit von einem Auftragswerk wie den Kirchenfenstern in Tholey zum Beispiel?

Mahbuba Maqsoodi: Also ich sehe keine Trennung. Weil, wie gesagt, ich gehe mit sogenannten biblischen Erzählungen auch nicht so um wie vielleicht in der christlichen Ikonographie bekannt ist. Ich löse mich davon komplett. Ja, das können Sie in Tholey sehen, das können Sie in Cham sehen und so weiter. Ja, die einzige Beschränkung für mich im Auftrag ist diese technischen Beschränkungen. Zum Beispiel das Format des Fensters. Es ist so wie es ist. Also ich muss mich innerhalb des Formates bewegen. Dann natürlich Raum, die Atmosphäre des Raumes, das auch beeinflusst, wie ich dann mein Konzept in dem Sinne als Farbe sehe. Das sind so ungefähr zwei Beschränkungen. Was betrifft die Interpretation, da habe ich genauso wie Einzelbilder meine hundertprozentige Freiheit.

Besonderes Werk in der Ausstellung

Verena Feldbausch: Gibt es ein Werk in der Ausstellung, das Ihnen besonders am Herzen liegt?

Mahbuba Maqsoodi: Auch schwer zu sagen. Wenn ich so genau schaue, ich denke, ein Bild, das auch nicht groß ist, heißt: Die Einzelnen gehen ihren Weg.

Verena Feldbausch: Sollen wir da mal kurz hin?

Mahbuba Maqsoodi: Können wir hingehen. Ja.

Verena Feldbausch: Welche Bedeutung hat dieses Werk für Sie?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, das war ein weiterer Schritt. Die Entstehung dieser abstrakten Figuren, die mal gegenständlich sind und wiederum nicht. Und dieses Thema, dass die Einzelnen gehen ihren Weg, beschäftigt mich. Ich habe vorher gesagt: Drei Kulturen, drei unterschiedliche Positionen von dem politischen, von dem System, von der Religion. Aber ich habe immer wieder das Gleiche entdeckt, dass Menschen zusammen alle in eine Richtung gehen. Es gibt nur einige, die denken: Oh, ich muss hier selber übernehmen und die Verantwortung übernehmen. Das ist, was ich wirklich als Betrachterin beobachte.

Verena Feldbausch: Ja. Das Bild heißt “Der Weg” und ist von 2012. Ja.

Mahbuba Maqsoodi: Genau. 2008 ist so eine kleine Leinwand entstanden und das erste, das ich dann nachher probiert habe, auf Glas war das Bild.

Verena Feldbausch: Schön.

Schreiben und Malen

Verena Feldbausch: Sie sind nicht nur bildende Künstlerin, sondern auch Autorin und Frauenrechtlerin. 2017 haben Sie Ihre Autobiografie veröffentlicht mit dem Titel “Der Tropfen weiß nichts von Meer”. Wie ergänzen sich Schreiben und Malen für Sie?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, das war auch für mich eine neue Erfahrung. Aber wie gesagt, ich sehe doch alles in Farben. Die Idee entstand, dass ich das, was ich erleben musste, durfte, erst in kleinen Bilder nicht male, sondern schreibe. In dem Sinne, dass ich mit meinen Worten das Malen den Leserinnen und Lesern überlasse. Sie sollen selber malen.

Verena Feldbausch: Interessant.

Mahbuba Maqsoodi: Ich bekomme viele Rückmeldungen und können Sie sich vorstellen, dass diese Rückmeldungen, die Wahrnehmung von den Menschen, die ich bekomme, fließen wieder ein in meine Malerei. Also einer ergänzt den anderen. Ja, das beeinflusst mich sehr.

Verena Feldbausch: Ja, das stimmt. Also wenn man etwas liest, dann entstehen Bilder im Inneren. Und das ist ja interessant, dass Sie das dann nochmal aufnehmen.

Verena Feldbausch: Schön.

Persönliche Geschichten in der Kunst

Verena Feldbausch: Ihre Kunstwerke erzählen ja sehr oft persönliche Geschichten. Wie viel von Ihnen selbst steckt da drin?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, wir alle haben eine persönliche Geschichte. Und diese persönliche Geschichte basiert auf dem Geschehen im Leben. Mit Vertrauen, mit Liebe, mit Hoffnung. Auch mit dem Verlust. Das sind Themen, die nicht nur ich erleben muss oder erlebe. Wir alle. Und ob man will oder nicht, es reflektiert sich in unseren täglichen Tätigkeiten. Aber als Maler natürlich auch in den Bildern. Ja, das ist irgendwie normal für mich. Ja. Und damit natürlich auch entsteht die Verbindung zwischen dem Bild und dem Betrachter. Weil wenn das der Fall ist, wenn ich diesen Faden ausdrücken konnte, dann könnte auch diese Verbindung entstehen. Und damit ist auch das Ende des Bildes. Ja. Ich sage nicht, dass ich das Bild zu Ende male, sondern das Ende der Malerei entsteht in der Wahrnehmung der Person, die vor dem Bild ist.

Rolle der Herkunft in der heutigen Kunst

Verena Feldbausch: Welche Rolle spielt Ihre Herkunft heute noch in der Kunst?

Mahbuba Maqsoodi: Ja, vieles. Ich denke, in meiner Herkunft, wir hatten viele so Gedanken, die auch heute mich begleiten. Ja. Beispiel. Voller Respekt miteinander umzugehen. In der Erziehung, in der Familie eher sage ich die Offenheit. Neugierig zu sein für das, was die anderen Menschen machen. So bin ich erzogen. Und vielleicht, dass es nicht bei allen, die in Afghanistan geboren sind, aber mindestens bei mir und das weiterhin in meiner Welt präsent sind. Ja. Aber trotzdem möchte ich sagen, dass Künstler sind frei und ich habe schon längst solche Begrenzungen überschritten.

Familienhintergrund

Verena Feldbausch: Ganz kurz nochmal eine Frage zu Ihrer Herkunft. Sie sind, wie schon gesagt, in Afghanistan geboren und in Ihrer Familie gibt es sieben Mädchen. Also Ihr Vater und Ihre Mutter haben sieben Töchter. Können Sie darüber noch etwas sagen? Weil ich meine, das ist ja schon eine besondere Situation gewesen auch.

Mahbuba Maqsoodi: Auf jeden Fall. Doch auch immer wieder, wenn ich bei der Lesung diesen Satz ausspreche, dass ich in eine Familie hineingeboren bin, dass wir sieben Schwestern waren. Ich sehe schon, oh, also hier ist es sogar auch nicht so klar wahrzunehmen. Afghanistan war so und auch jetzt ist es so. Das Schöne ist, in unserer Familie, das war nie ein Thema, besonders von seitens meines Vaters. Mutter vielleicht hat, ein paar Mal habe ich von ihr gehört, dass sie auch andere Wünsche hatte. Aber warum mein Vater? Darüber habe ich mit ihm leider, als er noch auch im Leben war, keine Chance gehabt. Oder habe ich die Situation nicht so wahrgenommen oder damit mich nicht so tief beschäftigt? Ich denke, er war ein wirklich, wirklich gläubiger Mensch. Er hat als Muslim an Gott geglaubt. Und wenn man so glaubt, ob Mann oder Frau, sind alle sozusagen von Gott uns geschenkt. Dass die weniger Rechte oder mehr Rechte haben, das sind ja Ereignisse, das durch die Geschichte vor allem von Männern geschaffen wurde. Deswegen hat die Frau in keiner monotheistischen Religion die gleiche Position wie ein Mann. Mein Vater hat das anders interpretiert und auch in der Familie überhaupt keinen Raum freigelassen, darüber zu diskutieren. Das war kein Thema. Und wenn man so überzeugt ist, die anderen außerhalb der Familie, im Dorf oder in der Stadt, haben nie ihm so eine Frage gestellt, weil er so überzeugt war. Und das hat er ausgestrahlt. Und so bin ich auch erzogen. Weil sie vorher gesagt haben, dass ich vielleicht auch als Aktivistin, also ich betrachte mich ja wirklich nicht so in dem Sinne, wie man es wahrnimmt als Aktivistin oder Feministin. Ich sehe schon wirklich, dass die Welt besteht aus beiden Geschlechtern und die beiden haben zusammen die Verantwortung, das Leben zu gestalten und haben unterschiedliche Charaktere, auch als Geschlecht. Aber das heißt nicht, dass die Rechte beschränkt werden. Und so ist meine Einstellung. Und in Afghanistan genauso. Und ich denke, in Europa konnten wir auch nicht die Rechte der Frauen so ungefähr jetzt gleich haben wie bei Männern, wenn die Männer nicht mitgewirkt hätten. Ja. Stellen Sie sich die 60er Jahre und 70er Jahre vor. Genau das ist auch in Afghanistan. Wir reden immer über die Frauen. Ich sage, wo sind die Männer? Ja. Weil eigentlich die sind die Täter. Also dann muss man auch dieses Thema mit Männern auch diskutieren und dass denen bewusst ist, was ist ihre Rolle. Und natürlich die Frauen auch, dass sie sich nicht immer als untergeordnete Person sehen, sondern bewusst damit umgehen. Das ist mein Wunsch. Und ich denke, auch sogar in sakralen Räumen entsteht dieses Thema, soweit es geht. Als gleichberechtigter Mann und Frau mit dem Bewusstsein, das Rechte und Verantwortung betrifft. Ja.

Aktuelle und zukünftige Projekte

Verena Feldbausch: Womit arbeiten Sie aktuell und was sind Ihre nächsten Projekte?

Mahbuba Maqsoodi: Aktuell arbeite ich an der Teilnahme einer Gruppenausstellung, die im September stattfindet in Köln. Das geht auch über die Grenze. Bleiben wir in der Grenze oder nicht? Ja, das ist eine sehr tiefe Auseinandersetzung in dieser Ausstellung. Ich werde dort mit einer Installation präsent sein, in einem Raum. Und dann entsteht nächstes Jahr eine Ausstellung im Museum für modernes Glas in Linnich. Eine Einzelausstellung. Da bin ich auch beschäftigt, was ich zu dem, was ich habe, noch präsentieren kann. Und dann, es gibt ja Gespräche, es könnte auch in Chiang Chin, in China, eine Ausstellung entstehen. Und was betrifft Projekte, ja, es ist ein wunderbares Projekt, gerade in der Realisierung für das Franziskanerinnenkloster in Reuthe. Ah ja. Und diese heißt “Räume der Stille”, wird für alle da sein, unabhängig von Glauben, Nationalität und und und. Ich habe dieses Werk den Namen “Lebenslinien” genannt. Damit möchte ich die Geschichte dieses Klosters, das vor einigen hundert Jahren gegründet wurde, bis heute eine Verbindung schaffen und auch in die Zukunft. Mit Freude sind alle dabei und nächstes Jahr wird die Einweihung stattfinden.

Verena Feldbausch: Schön, sehr schönes Projekt.

Botschaft der Kunst

Verena Feldbausch: Was wünschen Sie sich, dass die Menschen aus Ihrer Kunst mitnehmen, sowohl jetzt hier in der Neunkircher Ausstellung, aber auch allgemein, wenn sie Ihre Werke betrachten?

Mahbuba Maqsoodi: Wenn ich durch meine Arbeit einen Gedankenanstoß auslösen kann, dann werde ich glücklich und in dem Sinne, das ist auch mein Wunsch.

Abschluss und Dank

Verena Feldbausch: Vielen Dank, liebe Mahbuba Maqsoodi, für das schöne Gespräch.

Mahbuba Maqsoodi: Ich danke Ihnen.

Verena Feldbausch: Wenn ihr mehr über die Kunst von Mahbuba Maqsoodi erfahren möchtet, lohnt sich ein Besuch der Ausstellung in der Städtischen Galerie Neunkirchen und natürlich auch ein Blick in die Benediktinerabtei Tholey, um die beeindruckenden Fenster live zu erleben. In den Shownotes findet ihr wie immer den Link zu meinem Blog, auf dem ihr Fotos der besprochenen Werke seht und natürlich auch Links zu den Orten, an denen ihr die Kunst von Mahbuba Maqsoodi sehen könnt. Das war art talk SaarLorLux. Wenn euch die Folge gefallen hat, abonniert den Podcast und teilt ihn gerne. Vielen Dank fürs Zuhören und bis bald, eure Verena Feldbausch.

Dir hat art talk gefallen? Dann hinterlasse 5 Sterne und empfehle uns deinen FreundInnen. Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Shownotes und in unserem Blog. Sei wieder dabei, wenn es heißt, wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

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Der Beitrag #29 art talk – Mahbuba Maqsoodi erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#28 art talk – die Bildhauerin Sigrún Ólafsdóttir

Verena — Fri, 31 Oct 2025 03:58:50 +0000

Ein Portrait der Bildhauerin Sigrún Ólafsdóttir – ein Gespräch über ihre isländischen Wurzeln, ihre Arbeit mit Holz, Gummi, Stahl und ihre aktuellen Projekte

Sigrún Ólafsdóttir (1963) studierte Bildhauerei in ihrer Heimat Reykjavík in Island, und setzte ihr Studium in Freier Kunst und Bildhauerei bei Wolfgang Nestler an der Hochschule der Bildenden Künste Saar in Saarbrücken fort. Hauptmedien der Künstlerin sind Zeichnung und Skulptur bzw. Plastik.

Ihr zentrales Thema ist das Verhältnis von zwei sich bedingenden Kräften – z. B. Bewegung und Ruhe, Statik und Dynamik, Schwere und Leichtigkeit. Bei den Skulpturen spielt das Material – Stahl, Aluminium, Latex Gummi oder Holz – eine zentrale Rolle.

Zu sehen sind ihre Werke in der Modernen Galerie Saarbrücken in der Ausstellung Gegenwärtige Bewegung, die ab dem 29. November 2025 bis 12. April 2026 läuft. Die seit den 1990er Jahren in Saarbrücken lebende Künstlerin wurde im Jahr 2022 für ihr herausragendes Kunstschaffen mit der Verleihung des Albert-Weisgerber-Preises für Bildende Kunst der Stadt St. Ingbert geehrt. Für die Sonderpräsentation in Kooperation mit der Stadt St. Ingbert hat die Gastkuratorin Andrea Fischer von der Albert-Weisgerber-Stiftung zusammen mit der Künstlerin Exponate aus mehreren Jahrzehnten ausgewählt.

Shownotes:

Die Künstlerin: www.sigrun-olafsdottir.de
Die Ausstellung: https://www.modernegalerie.org/de/ausstellungen…
Der Preis: https://www.wssi.de/sigrun-olafsdottir-erhaelt-den-albert-weisgerber-preis-der-stadt-st-ingbert/

Foto Credits:

1: Das Porträt von Werner Richner.
4: Tänzer von Tom Gundelwein.
5: Duo: Erwin Altmeier
Alle anderen: Sigrún Ólafsdóttir

Das ganze Interview mit Sigrún Ólafsdóttir zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen KuratorInnen und KünstlerInnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. art talk hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt.

Verena Feldbausch: Herzlich Willkommen zu einer neuen Folge von art talk SaarLorLux, dem Podcast über Kunst und kreative Menschen in unserer Region. Ich bin Verena Feldbausch und heute freue ich mich ganz besonders auf ein Gespräch mit der Bildhauerin Sigrún Ólafsdóttir.

Vorstellung von Sigrún Ólafsdóttir

Verena Feldbausch: Sigrún studierte Bildhauerei in ihrer Heimat Reikjavik in Island und setzte ihr Studium in freier Kunst und Bildhauerei bei Wolfgang Nestler an der Hochschule der Bildenden Künste Saar in Saarbrücken fort. Hauptmedien der Künstlerin sind Zeichnung und Skulptur. Ihr zentrales Thema ist das Verhältnis von zwei sich bedingenden Kräften, zum Beispiel Bewegung und Ruhe, Statik und Dynamik, Schwere und Leichtigkeit. Bei den Skulpturen spielt das Material, Stahl, Aluminium, Latex, Gummi oder Holz eine zentrale Rolle. Wir sprechen heute über ihren künstlerischen Weg, über Inspirationsquellen und was es bedeutet, als Bildhauerin zwischen zwei Kulturen zu leben und zu arbeiten.

Verena Feldbausch: Liebe Sigrún, schön, dass wir uns heute in deinem Atelier treffen können. Wenn du dich selbst als Künstlerin in wenigen Worten beschreiben müsstest, wie würdest du das tun?

Sigrún Ólafsdóttir: Das ist schwer zu sagen, weil ich habe nie was anderes gemacht. Und das war immer meine Nische als Kind, wo ich so meine Ruhe hatte und was ich nicht wusste, was damals hieß, Meditation, alleine mit Gott und der Welt zu sein. Bei mir war das Basteln und damit habe ich nie aufgehört.

Verena Feldbausch: Ja, das ist doch eine schöne Aussage schon mal.

Einfluss der isländischen Herkunft

Verena Feldbausch: Du bist in Island aufgewachsen, in einem Land mit einer sehr besonderen Landschaft und Kultur. Wie hat diese Umgebung dein künstlerisches Empfinden geprägt?

Sigrún Ólafsdóttir: Also es gibt Menschen, die sagen, meine Kunst ist sehr nordisch. Ich weiß nicht, was das bedeutet, weil meine Kunst oder mein Werk ist einfach mein Werk, was ich tun muss. Und aus innerer Bewegung steht eine äußere Erscheinungsform. Aber ich glaube, wenn man mit so Extremen aufwächst wie im Norden, wir haben extrem viel Licht und extrem viel Dunkelheit. Und das tragen wir auch in uns. Und ich glaube, das ist die Hauptquelle.

Sigrún Ólafsdóttir: Es war erst später und das ist das Dankbare, wenn man älter werden darf, zu sehen, was ist, im Rückblick, was ist das eigentlich, womit ich mich beschäftigt habe. Und das war immer Ringen ums Gleichgewicht.

Verena Feldbausch: Genau, das ist dein Thema eigentlich.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja, das ist existenziell. Das ist einfach, wieso muss ich um jede einzelne Arbeit ringen, damit sie steht. Weil ich bin eigentlich ein sehr spontanes Wesen. Ich könnte auch flups mit großen Gesten etwa. Aber ich bin immer darauf zurückgekommen, das in Lot zu bringen, was ich in der Welt nehme und auch in meiner Welt wahrnehme.

Sigrún Ólafsdóttir: Und dann war es mir klar, ja, gerade in dieser Beschäftigung, wo ich jetzt nur das Werkzeug bin für das, was gemacht werden will. Ja, das Schönste, was ich mache im Leben. Ja. Und auch aus innerer Notwendigkeit. Es war einfach meine Lebensrettung als Kind zum Beispiel. Während das für andere Bücher oder Sport waren. Ich hatte zwar auch Sport, das hat mir auch sehr, sehr gut getan. Aber das war einfach das, was mir geholfen hat auf dem Weg, um diesen Gleichgewichtspunkt zu finden. Deshalb habe ich oft gesagt, wenn Leute zu sagen, was machen sie von Beruf? Ich bin eine Seiltänzerin.

Verena Feldbausch: Schönes Bild, ja. Es geht um Gleichgewicht, ganz genau.

Weg zur Bildhauerei

Verena Feldbausch: Was hat dich ursprünglich zur Bildhauerei geführt? Gab es einen Moment, in dem du wusstest, das ist mein Medium, damit möchte ich mich näher auseinandersetzen?

Sigrún Ólafsdóttir: Das war die Dreidimensionalität. Ich habe auch Häuser, Räume, alles Mögliche gezeichnet, bevor ich dann mit Material anfing zu skizzieren. Ich hatte das Glück, in einer Stadt, was damals ein Dorf war in Island, wir konnten unendlich viele Materialreste bekommen von den Werkstätten. Holz, es gab auch eine Gummiewerkstatt, Leiterwerkstatt. Das zog mich einfach mehr an, was Plastisches von allen Seiten. Klar habe ich auch viel gezeichnet, aber das war die Faszination von der Vielseitigkeit im wahrsten Sinne. Ein Subjekt hat immer mehrere Seiten, das hat nicht nur eine. Unten, oben, alle Seiten, das war der große Anziehungspunkt.

Leben und Arbeiten in Saarbrücken

Verena Feldbausch: Du lebst und arbeitest inzwischen in Saarbrücken. Was hat dich hierher geführt und wie beeinflusst dieses Leben hier deine Arbeit?

Sigrún Ólafsdóttir: Ursprünglich bin ich gekommen, um nur drei Jahre zu bleiben oder vier. Zum Studium? Ja, zum Studium. Einfach weil ich die Gelegenheit hatte, weil man keinen Abschluss in Island damals machen konnte und ich wollte die Gelegenheit nutzen, ins Ausland zu gehen. Und der Grund, warum ich Saarbrücken gewählt habe, war, dass wir hatten in der Bildhauerabteilung in Island immer Gastprofessoren und die waren aus Deutschland. Und einer davon, der Volker Nestler, hat hier eine Professur, also eine Stelle an der HBK bekommen und hat uns darauf angewiesen, wir sollten uns, wenn wir ins Ausland gehen wollten, das auch anschauen. Weil es wäre nicht unbedingt besser, in den großen Städten zu sein. Und der Hauptgrund war, mein Sohn war damals zwei Jahre alt und ich wusste, es ist in einer kleineren Gemeinde einfach, alleine mit Kind zu sein, als in einer Großstadt. Und das war der Grund, warum ich mir das hier angeschaut habe und ich fand das gut, übersichtlich und habe mich entschlossen, hier dann zu studieren und mein Diplom zu machen.

Verena Feldbausch: Das war damals in Island nicht möglich, dass du ein Diplom machst?

Sigrún Ólafsdóttir: Nicht, das war ein Master. Man konnte Vordiplom machen. So ähnlich wie man BAföG kriegt, kriegt man in Island dann auch, das heißt, Studentendarlehen, wenn man etwas in Island nicht zu Ende studieren kann.

Verena Feldbausch: Ah ja. Okay, das ist interessant, ja.

Arbeitsprozess und Materialwahl

Verena Feldbausch: Die Vorbereitung einer Skulptur ist ja aufwendig. Wie lange dauert dieser Prozess der Vorbereitung? Wie gehst du künstlerisch vor? Machst du Vorzeichnungen? Ich weiß, dass du Modelle baust. Wie passiert das?

Sigrún Ólafsdóttir: Meistens fängt das an als eine grobe Skizze auf Blatt Papier. Dann fange ich an, in Material direkt zu skizzieren, um mindestens auszuschließen, was nicht geht. Und dann Schritt für Schritt weiterzuentwickeln. Oft fängt das mit viel an und dann geht es mir darum, das auf den Punkt zu bringen und alles wegzumachen, was nicht notwendig ist.

Verena Feldbausch: Kannst du sagen, wie lange so ein Arbeitsprozess dauert?

Sigrún Ólafsdóttir: Sehr unterschiedlich. Ich habe vielleicht zwei Werke geschenkt bekommen in meinem Leben, die mir so aus der Hand geflutscht sind oder gerutscht sind. Aber das andere ist alles Ringen. Einige stehen auch hier und sind nicht fertig. Aber manchmal schauen die mich an, nach fünf Jahren, dann weiß ich genau, das ist der Schlussteil. Jetzt weiß ich, wie es gemacht werden muss.

Verena Feldbausch: Das ist ja schön.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja. Das ist unterschiedlich. Es ist natürlich was ganz anderes, wenn ich Werke für Außenbereich mache. Zum Beispiel jetzt dieser Kunst am Bau in Island. Das muss erdbebensicher sein. Das muss Wind aushalten. Und dann ist die Arbeit mit einem Statiker. Das mache ich auch seit über 30 Jahren.

Verena Feldbausch: Genau. Da kommen wir mal zur Materialität. Also deine Werke sind aus Stahl, Aluminium, Latex, Gummi oder Holz gearbeitet. Wie entscheidest du, welches Material zu einer Idee passt?

Sigrún Ólafsdóttir: Das kommt auf das Werk selbst. Also klar bin ich ein Materialist, weil ich mit Material arbeite. Aber das Material an sich, so wie bei Steinbildhauer oder Stahlbildhauer, war nie mein Medium, sondern einfach das Material, was der Idee entspringt. Zum Beispiel, wenn ich etwas Fragiles, Zerbrechliches machen will, dann mache ich das aus meinem Holz. Weil es sieht aus, als wäre das zerbrechlicher, auch wenn es das nicht ist. Das heißt, die Idee sucht sich das Material, was sie braucht, um sich zu entfalten. Ja. Genauso wie diese, wo ich anfing mit dem Gummi, diese Reihe von Arbeiten, die Entspannung oder Ausdehnung mit dem festen Kern und der Flüssigen… Dann dachte ich, was kann diese Idee unterstützen?

Verena Feldbausch: Und hier nochmal ein Hinweis in einer Sache. Wie bei jedem Podcast stellen wir Bilder der besprochenen Arbeiten in unseren Blog. Und wie ihr zu dem Blog kommt, das seht ihr in den Shownotes. Und nun zurück zum Podcast.

Sigrún Ólafsdóttir: Und dann kam ich zurück, auch auf meine Kindheit, wo wir Gummi hatten, und dachte, ja, das wäre spannend. Einfach das Haptische. Auch das hat fast was wie die menschliche Haut. Das ist auch spannend. Das ist oft in Ausstellungen, wo die Wächter der Ausstellung sagen, Leute wollen, die wollen es anfassen. Und das lädt dazu ein. Das finde ich spannend. Einfach so wie die menschliche Haut.

Verena Feldbausch: Aber diesen Impuls habe ich auch sehr oft, wenn ich in eine Ausstellung gehe mit Skulpturen, dass ich die anfassen möchte. Ja. Also, aber das ist halt nicht immer erlaubt.

Körperlichkeit in der Bildhauerei

Verena Feldbausch: Bildhauerei ist ja auch körperlich sehr anspruchsvoll. Welche Rolle spielt der körperliche Aspekt für dich im kreativen Prozess?

Sigrún Ólafsdóttir: Momentan, wo ich jetzt stehe, kann ich natürlich nur Modelle bauen, was leichtes körperliches. Aber ich habe sehr schwere körperliche Arbeit geleistet früher. Aber jetzt macht das die Industrie. Also ich arbeite mit einem guten Schlosser und er übernimmt dann die Ausführung in entweder Aluminium, Stahl. Dann liefere ich die Zeichnungen, Modelle, was dann vom Statiker geprüft ist.

Verena Feldbausch: Und die Modelle sind in der Regel aus Holz, oder?

Sigrún Ólafsdóttir: In der Regel mache ich meine Modelle aus Holz. Ich habe mein Lieblingsmaterial schon von Anfang an. Das ist das Flugzeugsperrholz aus Finnland, Birken, womit früher die Segelflieger gebaut wurden. Ein tolles Material.

Verena Feldbausch: Diese Modelle, die ich hier sehe, die sind ja oft schwarz. Malst du die dann an, oder?

Sigrún Ólafsdóttir: Genau. Wie gesagt, also meine Arbeiten brauchen keine Farbe. Und trotzdem beinhalten die alle Farben. Weil zwischen dem Weiß im Licht, lichtes Weiß, und dem Schwarz sind alle Farben. Also der Betrachter kann sich seine eigene Farbe aussuchen.

Verena Feldbausch: Ja, das ist das ganze Spektrum der Farben. Zwischen Schwarz und Weiß.

Herausfordernde Werke und Inspiration

Verena Feldbausch: Gibt es ein Werk, oder auch vielleicht mehrere, an dem du besonders gewachsen bist? Vielleicht, weil es dich technisch oder auch emotional herausgefordert hat?

Sigrún Ólafsdóttir: Ich weiß es nicht. Das ist ein kontinuierlicher Prozess. So ist das einfach gewachsen. Manchmal greife ich auch zurück auf alte Ideen, die ich damals nicht so wertschätzen konnte, die mit der jetzigen Erfahrung gewachsen ist. Und diese Kombination ist interessant. Weil ich denke, auch wenn wir das Glück haben, 100 Jahre alt zu werden, deshalb sage ich, kein Werk ist alt. Und was ist mein Lebenswerk? Was ist ein neues Werk? Es entsteht aus Erfahrung. Und diese Tätigkeit ist wie eine Forschung. Diese Neugier und ewige Forschung. Immer wieder ausprobieren. Nie aufhören, neugierig zu sein.

Verena Feldbausch: Das ist auch ein schönes Lebensmotto.

Verena Feldbausch: Kommen wir mal zu den Themen und zur Inspiration. Also es geht in deinen Skulpturen oder Plastiken ja um Gegensätze. Um schwarz und weiß, männlich und weiblich, hart und weich, Weite und Nähe. Was interessiert dich an diesen Gegensätzen?

Sigrún Ólafsdóttir: Mein innerer Gleichgewichtspunkt. Das weiß ich jetzt.

Verena Feldbausch: Das weiß man nach jahrelanger Forschung.

Sigrún Ólafsdóttir: Ich wusste es nicht vor 30 Jahren. Warum habe ich das die ganze Zeit gemacht? Und genau so.

Verena Feldbausch: Und wie findest du das Gleichgewicht zwischen diesen Gegensätzen?

Sigrún Ólafsdóttir: Indem ich das mache. Wie eine Meditation, nicht irgendwie sich hinsetzen zweimal am Tag, sondern den ganzen Tag. Es ist ein wenig, wie auch Musiker sitzen müssen und Noten üben, um die tollsten Werke spielen zu können. Es geht darum, einfach zu probieren, zu probieren, zu probieren. Wegwerfen, weiterprobieren, üben. Bis das irgendwann mal stimmt. Und das meine ich mit dieser Meditation. Das Innehalten, trotz aller Möglichkeiten, die Sachen gegen die Wand zu schmeißen und sagen, wie ich das früher gemacht habe. Ich bin unbegabt. Wofür habe ich acht Jahre Kunst studiert? Wenn daraus nichts kommt. Und das ist jetzt der Unterschied. Und einfach mit mehr Geduld und Verständnis für das Ganze. Das ist einfach Üben, Ausdauer, Entschlossenheit. Und wenn etwas nicht stimmt und anfängt, mich zu ärgern, mich hinsetzen und sagen, okay, jetzt ist Zeit, nach Hause zu gehen und morgen schaue ich mir das an. Ob das wirklich so schlimm ist, wie ich das jetzt genau sehe. Das ist der Unterschied.

Verena Feldbausch: Dass du nicht mehr alles gegen die Wand schmeißt, sondern einfach sagst, okay. Vielleicht ist Pause angesagt.

Sigrún Ólafsdóttir: Genau.

Dynamik und Bewegung in den Skulpturen

Verena Feldbausch: Und deine Plastiken sind oft nicht statisch, sondern eben in Bewegung. Zum Beispiel bei dem Tänzer. Diese Plastik bewegt sich, sie ist dynamisch. Warum ist das wichtig für dich?

Sigrún Ólafsdóttir: Weil ohne Bewegung stagniert das Leben und alles. Nicht alle meine Arbeiten sind so, aber jetzt sprechen wir über den Tänzer. Ich sehe die auch als Körper. Ich habe immer so eins zu eins, ich und mein Gegenüber, der auch etwas Menschliches, ist vielleicht zu viel gesagt, aber es ist auch ein Individuum. Deshalb war ich nie für Sockel. Ich war möglichst für etwas, was selbst alleine auf dem Boden steht, ohne Hilfe zu brauchen. Und irgendwann mal kam es zu dem Tänzer. Und ich wusste, das braucht eine sehr leichte Seite und eine sehr schwere Seite. Und das musste ins Lot gebracht werden. Beide mit der Höhe und Form des Flügels und diesem Halbkugelsegment, das stabil genug sein muss, das trotzdem leicht genug ist, sich bei Wind zu drehen.

Sigrún Ólafsdóttir: Und da habe ich mit meinem Statiker gesprochen, wie kann ich das machen. Und da hat er gesagt, das kann ich nicht. Weil ich muss eine feste Form haben. Ja. Einen festen Punkt. Also dann ging das wieder, wie gesagt, das ewige Experiment los. Und das ist so bei, ich habe verschiedene Arten von Tänzern gemacht. Und jeder ist nur für sich selbst gemacht. Ich kann ihn nicht zweimal machen. Und das ist so bei, wie die Gewichte und wie diese Halbkugelschale ausgelotet wird, ist eine einmalige Sache. Wo es ständig probiert werden muss. Mit der Bewegung des Flügels, mit der Neigung des Flügels. In Kombination mit dem Durchmesser, was da unten steht. Und dass es trotzdem sich bewegen kann. Und das ist einfach, es ist sehr menschlich. Es ist einfach, das Stehen trotz aller Möglichkeiten zu fallen. Es ist eigentlich ein Wunder, dass wir leben. Wie oft haben wir die Möglichkeit gehabt, einfach ein für allemal zu fallen und nicht wieder aufzustehen. Und die sind auch alle so austariert, dass die auch bei höchsten, ja natürlich nicht beim Weltuntergang, aber beim stärksten Wind sind die so austariert, dass die nicht wegfliegen.

Sigrún Ólafsdóttir: Aber das Spannende ist, früher hatten die nicht diesen Drehkranz mit Kugellager, damit die an einem Ort bleiben. Weil wenn die das nicht hatten, diesen Halt mit Kugellagern, dass es sich bewegen kann, dann sind die gewandert bei Wind. Und das war natürlich nicht gut, wenn die über die Straße wandern und irgendwie in die Stadt spazieren gehen. Das heißt, die Idee hat sich weiterentwickelt, damit die einfach an Ort und Stelle bleiben, aber sich trotzdem sich drehen und bewegen können.

Verena Feldbausch: Ja. Genau.

Verena Feldbausch: Und wie wir schon jetzt gesagt haben, bei Deinen Arbeiten geht es ja oft um den kurzen Moment, wenn beide Gegensätze gleich stark sind. Also wenn sie im Gleichgewicht sind. Ich zitiere die Cornelieke Laagerwart: Es geht um die Pause zwischen Ein- und Ausatmen, zwischen Ebbe und Flut, zwischen Flieh und Anziehungskraft. Wenn der hochgeworfene Ball einen Augenblick lang in der Luft hängt. Wie findest du diesen Moment?

Sigrún Ólafsdóttir: Er kommt zu mir, wenn ich dafür bereit bin. Und oft muss ich lange auf ihn warten. Den kann ich nicht erzwingen.

Verena Feldbausch: Das hast du ja auch gesagt, mit dem Wegstellen, die Arbeit nochmal wegstellen und dann nochmal anschauen. Und dann, das kann dann auch Jahre dauern.

Sigrún Ólafsdóttir: Ich glaube, dafür machen die meisten Künstler das. Für diese, wir können das Belohnung nennen, aber du ringst so lange, du bist so lange am Sitzen, am Üben, Noten üben. Wie die Musiker, die müssen lange sitzen. Dann plötzlich kommt das. Und das ist der Moment, wo ich sage, es nicht ich, die ich das tue, sondern es geschieht. Wo man einfach nur das Werkzeug ist, was bereit ist zu geschehen.

Verena Feldbausch: Das zuzulassen.

Sigrún Ólafsdóttir: Zuzulassen und offen dafür zu sein. Es geht auch um diese Offenheit für diesen Moment. Und diesen Moment kann ich nicht erzwingen. Das ist das A und O. Das ist, glaube ich, das, da wo es mir ziemlich früh klar war, ich kann mir nichts anderes vorstellen, als das zu machen. Als solche Momente zu erleben dann auch, wo alles stimmt und wo alles dann ins Gleichgewicht fällt. Das andere ist Übung, klar. Es fängt oft sehr leicht mit einer Idee an. Dann kommt der Prozess und man denkt, was ist das eigentlich? Und dann einfach, wie gesagt, diese Geduld, diese Verständnis für das, was geboren werden will, da nicht aufzugeben.

Einfluss der isländischen Kultur

Verena Feldbausch: Spielt Deine isländische Herkunft auch inhaltlich eine Rolle in deinen Skulpturen oder Plastiken? Also ich denke an die Mythen von Naturgeistern, von Elfen und Trollen, von Symbolen und von der sehr besonderen Landschaft in Island.

Sigrún Ólafsdóttir: Mit Sicherheit. Mit Sicherheit. Also alleine diese Extreme. Es ist einfach ein verrücktes Volk. Mit verrückten Naturelementen. Hell, dunkel, Erdbeben, Vulkanausbrüche. Umso bewusster wird es uns, dass wir nur auf so eine hauchdünne Kruste wie einer Apfelschale, wenn man einen riesen Apfel hat, dann ist alles innen drin ein glühender Kern. Und es braucht nur einen klitzekleinen Unfall, damit es alles wegwischt. Weil es ist bei uns erlebbar. Und ich bin auch auf so einem Ort in Island aufgewachsen, wo man entweder Erdbeben in Wellen sieht, und dachte, auf der Wiese ist man plötzlich auf dem Meer, oder aus dem Küchenfenster schaut man auf einen spuckenden Vulkan. Für uns ist das natürlich, weil wir nichts anderes kennen. Diesen Respekt auch für diese Naturkräften haben wir. Und mit Sicherheit hat das auch mit diesen Gegensätzen und den hellen und dunklen Seiten in mir zu tun. Ja. Ich glaube, mittlerweile denke ich und fühle, dass es die DNA der Isländer ist und aller, die so weit im Norden leben.

Umgang mit Tod und Spiritualität

Verena Feldbausch: Geht man denn auch anders in Island mit dem Tod um?

Sigrún Ólafsdóttir: Weißt du, das ist so. Wir haben durch den Heidentum und auch Christentum eigentlich das Beste von beiden. Als die unterwegs waren, die Christen. Dann hat unser heidnischer Häuptling sich Tag und Nacht unters Fell gesetzt. Und hat zu seinem Volk gesagt, wir nehmen das Christentum so. Sonst werden die uns alle schlachten. Aber die kommen nur zweimal im Jahr, um uns zu checken. Und das haben wir das Schönste von beiden. Ja. Jeder Opa geht mit einem Kind, spätestens, auch wenn er sagt, was ist das für ein Aberglaube, das gibt keine Elfen und Trolle, und sagt dem Enkelkind das. Ich sage, mein Opa war mein Ein und Alles. Ich hatte das Glück. Meine Eltern waren so jung, die waren 20 und 23 und kannten sich nicht mal, als ich gezeugt wurde. Meine Mutter fand es irgendwie Zeit, zu probieren, Sex zu haben, weil ihre Freundinnen das alle gemacht hatten. Und die ist beim ersten Mal schwanger geworden. Daran hat sie nicht gedacht. Und die kannten sich nicht, meine Eltern. Und ja, man lebt einfach anders damit. Das ist einfach … wir werden auch manchmal beneidet. Ich sage auch, weißt du, die weggegangen sind wie mein Opa. Der war mein Ersatzvater. Ich war das erste Enkelkind und an seinem Geburtstag geboren. Und er hat lange darauf gewartet, weil meine Oma und Opa hatten die drei ersten Kinder verloren bei der Geburt. Und meine Mutter und meine Tante haben gelebt. Das heißt, er liebte Kinder und hat auf Kinder gewartet. Und die Beziehung zwischen meinen Eltern war sehr schwierig. Und ich hatte immer meine Nische bei Oma und Opa. Und ich dachte, Gott wird sterben, als ich 14 war und mein Opa im Sterben lag. Und dann hat er gesagt, Sigrún schon, du weißt, ich werde nie von dir weggehen. Auch wenn du mich nicht mehr siehst. Ich werde immer bei dir sein. Und du brauchst mich nur rufen und ich komme. Und das schwöre ich dir.

Verena Feldbausch: Ja, schön.

Sigrún Ólafsdóttir: Und das ist auch immer so gewesen. Wir sind nicht in Gottes Angst oder Gottes Fürcht. Wir sind gläubig, aber nicht religiös. Ja. Das ist der Unterschied. Wir glauben, aber es ist nicht so der strafende Gott. Wir gehen in die Kirche immer Weihnachten und so, weil es ist einfach für die wunderschöne Musik. Die Pfarrer halten das auch kurz, weil sie wissen die Leute kommen für die schöne Weihnachtsmusik und für das Ganze. Für die Atmosphäre so. Ja, und mein Urgroßvater war der berühmteste Pastor, den er in Island gab. Über ihn wurden mehrere Bände geschrieben. Weil er so, der war Sozialarbeiter. Der hat selbst elf Kinder bekommen. Die haben alle gelebt. Es gab viel Kindestod. Er ist von Bauernhof zu Bauernhof geritten. Der war auf dem Land, um Menschen einfach Sauberkeit beizubringen. Und weißt du, so das Menschliche. Und auch wenn er auf dem Land war und die Bauern kamen zur Kirche sonntags, dann hat er die Predigten auch kurz gehalten, weil die Leute waren da gekommen, um zu schnuppern und zu küssen. Und weißt du, die jüngeren Leute wollten lieber Hand in Hand und irgendwo auf der Wiese ein bisschen knutschen. Weißt du, es ging um die Menschlichkeit. Ja. Und das ist, glaube ich, der Unterschied. Wir haben also von dem Heidentum und Christentum das Schönste. Und Siggi sagt, mein Sohn, der hat auch seinen Vater mit 49 verloren. Und der hat gesagt, Papa ist jeden Tag bei mir, wenn ich Rat brauche. Der war auch Künstler, Musiker. Und weißt du, oft in seinem Fach jetzt bei Kulturgut Ost, dann braucht der Rat. Papa, wie würdest du es machen? Und da sagen die Deutschen manchmal, weißt du, seid ihr Islander alle verrückt? Nein. Ich sage, weißt du, die weggehen, die sind nicht weitergegangen als das, dass die jeden Tag mit uns. Aber wir gehen nicht zu Friedhöfen, da sind die nicht. Naja. Die sind in uns, mit uns. Ja.

Leere und Raum in der Bildhauerei

Verena Feldbausch: Wie gehst du mit dem Thema Lehre und Raum um? Also in der Bildhauerei ist ja das, was nicht da ist, oft genauso wichtig wie das, was da ist.

Sigrún Ólafsdóttir: Genau, das ist wie diese Pausen zwischen den Atemzügen. Damit hat es auch zu tun. Und ich sehe meine Arbeiten, die meisten meiner Skulpturen sind, sehe ich auch wie Zeichnungen. Und mir ist das wichtig, dass man rein und raus gehen kann. Mir war es auch wichtig, zum Beispiel bei der Arbeit in der Stadt, Duo, das ist gleichzeitig, weil es sollte, auch wenn es nicht so geworden ist, es sollte ein Platz werden, was das nicht geworden ist, weil wir haben andere Informationen zu dem Ort bekommen.

Verena Feldbausch: Das ist der Ort, an dem deine Skulptur jetzt hier in Saarbrücken steht.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja, wo das Café Barcelona ist.

Verena Feldbausch: Genau, an der Saar.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja. Und da war mehr Platz gedacht. Und die haben jetzt mehr Bestuhlung, als uns gesagt wurde. Mir war wichtig, da auch was zu machen, wo man rein und raus kann, für Kinder, wo es auch gleichzeitig ein Ort ist, wo man spielen kann. Und das ist das, was mich am meisten freut, wo ich die ab und zu mal besuchen gehe, die Kinder hängen an dem Gummi, die klettern und die Skater fahren auch dort. Man sieht an ein paar Stellen in der Skulptur, wo es sehr glatt ist, und da ist it, wo die Skater auch versucht haben, das auch mit zu integrieren in die Gesellschaft, unter die Menschen zu bringen. Dass es nicht nur irgendwie eine heilige Statue ist, sondern, und das habe ich versucht jetzt in den Skulpturen, die im Außenraum sind, dass man rein und raus gehen kann.

Verena Feldbausch: Und dass die das auch aushalten vom Material her.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja. Möglichst so fragil, wie es erlaubt. Und wieder das stehend, trotz aller Möglichkeit zu fallen.

Stabilität und Labilität

Verena Feldbausch: Und das ist ja auch das Interessante an Deinen Plastiken. Die sind elegant und gleichzeitig hat man so ein Gefühl von Bedrohung. Also man fragt sich, wie hält das eigentlich, was da von der Decke hängt oder was im Freien schwingt? Fällt das nicht irgendwie um? Also kannst du uns was nochmal zu dem Verhältnis von Stabilität und Labilität sagen?

Sigrún Ólafsdóttir: Da komme ich wieder auf mich selbst. Das ist genauso wie in uns. Manchmal glüht die Wut und manchmal ist die stoische Ruhe. Und das ist auch in den Werken. Ohne dass ich das vorhabe. Ja.

Verena Feldbausch: Also deine Plastiken sind ja oft super elegant, finde ich. Du hast ja so sehr schöne Skulpturen, auch die von der Decke hängen. Oder wenn ich neben dem Tänzer stehe, frage ich mich, fällt der jetzt nicht vielleicht auf mich oder sowas? Der kann es so eine, Bedrohung ist vielleicht zu viel gesagt, eine Angst einfach um dieses Gleichgewicht?

Sigrún Ólafsdóttir: Das ist nämlich der Teil, der gewollt ist. Das geht um die Achtsamkeit. Viele meiner Arbeiten, wenn man nicht achtsam damit umgeht, kann man sich verletzen. Genauso wie bei allem. Aber das ist gewollt. Die Achtsamkeit war nie so notwendig wie jetzt. Weil es ist die Unachtsamkeit und die Ignoranz, die uns einfach in die Welt gebracht hat, wo wir jetzt stehen. Gleichgültigkeit. Dieses mangelnde Gefühl für Miteinander, Füreinander, Zusammenhalt. Aber in dem Fall, den du gefragt hast, nein, es fällt nicht um, weil es eben mehrmals geprüft ist und ist kein Zufall. Sondern ist das, was bedrohlich scheint, in sich stabil, auch wenn es so wirkt. Ja. Es ist so die Erinnerung daran, was auch passieren kann. Und das ist wiederum auch diese beiden Seiten in mir, die ich sehr gut kenne. Weil ich kenne meine lichten Seiten, kenne auch meine Schattenseiten. Die sind nicht ohne. Und genauso wie wichtig ist für mich, das ins Lot zu bringen, gelten genau die gleichen Regeln für meine Werke. Ja. Und das ist wiederum, aus der inneren Kraft kommt die äußere Erscheinung.

Künstlerische Einflüsse

Verena Feldbausch: Gibt es Künstlerinnen oder Künstler, die dich besonders geprägt oder begleitet haben?

Sigrún Ólafsdóttir: Ich habe mehrere Favoriten. Louise Bourgeois war immer eine. Eva Hesse. Ich könnte viele nennen. Da waren auch in den 80er Jahren die Briten, so wie Richard Deacon, Tony Cragg und dann (Barry) Flanagan und mehrere. Ich habe eine unglaublich schöne Ausstellung gesehen in San Francisco. Das war 87, weil ich weiß, da war ich hochschwanger, wollte die Gelegenheit nützen, bevor ein Kind kommt und einige Zeit in Anspruch nimmt. Ja, auch zum Beispiel die Sachen von Goya in Prado. Also da könnte ich stundenlang… Das ist einfach quer durch die Geschichte. Ja, und Einflüsse kriegt man einfach sowieso, weil das ist so viel. Und in den meisten Künstlern ist dieser Einfluss oder diese Erfahrung auf irgendeine Art und Weise neu interpretiert oder neu aufgefangen und in die Welt gebracht.

Verena Feldbausch: Genau, und das ist ja das Interessante dann an dieser Kunst.

Kunstszene in SaarLorLux

Verena Feldbausch: Wie erlebst du die Kunstszene in unserer Region, also SaarLorLux, insbesondere für Bildhauerinnen?

Sigrún Ólafsdóttir: Das ist rar.

Verena Feldbausch: Ja, ich muss jetzt auch überlegen, welche Bildhauerinnen gibt es hier in der näheren Umgebung?

Sigrún Ólafsdóttir: Ich auch. Es gibt einige, die beides machen, also die so in diese, wie sagt man, mit Klangkunst oder sowas, aber das ist nicht viel. Ja, wie bei Wettbewerben bin ich oft die einzige Frau dabei. Oder vielleicht zwei, drei und sieben… wenn es, ja, das ist halt, das sagt es eigentlich.

Verena Feldbausch: Ja, die Kunstszene ist jetzt nicht so offen für Bildhauerinnen oder was ist der Grund dafür?

Sigrún Ólafsdóttir: Es ist aufwendiger, du brauchst mehr Platz, es ist schwer, es ist unglaublich unpraktisch. Was habe ich hier gemacht? Wie mein Sohn sagte, wo er mir geholfen hat, hier beim letzten Umzug. Mama, warum hast du dir nicht was Praktisches ausgesucht, so wie eine Bibliothekarin zu werden? Lieber, ich habe jetzt keinen Humor dafür. Ja, ja. Nee, es ist klar, es ist viel einfacher mit zweidimensional. Das auch zu lagern.

Verena Feldbausch: Das stimmt, ja.

Zweidimensionale Arbeiten

Verena Feldbausch: Genau, und da kommen wir jetzt aber trotzdem noch zu Deinen zweidimensionalen Arbeiten. Da haben wir nämlich gar noch nicht drüber gesprochen, zu den Zeichnungen und Malereien. Ja. Ich finde, also oft, wie gesagt, die Skulpturen sind ja oft sehr, sehr filigran. Und bei den Zeichnungen habe ich ja auch schon mal so schwarze Röhren gesehen. Und ja, die sind eigentlich ziemlich massiv, ja. Wie entwickelst du deine Zeichnungen?

Sigrún Ólafsdóttir: Ich brauchte Zeit, um meine Zeichnungen wertzuschätzen. Es war oft so eine herzlich willkommene Pause, einfach mal etwas auf Leinwand zu machen. Also ich habe immer gezeichnet auf Papier, aber irgendwann mal, wie ich dazu neige, große Sachen zu machen. Natürlich berührt das sich zwischen Malerei und Zeichnung. Ja. Aber wo es einfach zu groß war, zum Einrahmen oder Papier zu finden, wenn es die Dimensionen von zwei auf drei Meter oder größer geht, dann habe ich selbst meinen Untergrund gemacht, so ähnlich wie Büttenpapier mit Kreidegrund. Und bewusst auch, als ich da mit großen Gesten und schwarzen und dann weißen, einfach vor mich hin, spontan zu arbeiten. Und ich habe gesagt, ja, das bietet auch an das Umgekehrte, dass eine Zeichnung schwer und wuchtig sein kann, auch wenn sie gewisse Bewegung und Leichtigkeit in sich hat, im Gegensatz zu der Bildhauerei, wo es immer eigentlich der Gegenpol war. Also Skulpturen waren schwer und Zeichnungen waren leicht. Ja. Und klar habe ich auch sehr einfache, leichte Zeichnungen gemacht, aber die waren oft auch die Vorstufe von Bewegungen in meinen Plastiken. Und dann die anderen zum Beispiel, diese Tusche- und Gesso-Zeichnungen, die fast so wie Aquarelle mehrere Sichten übereinander, über diese Transparenz. Dann ging es mir eher um die Bewegung.

Verena Feldbausch: Du zeigst ja jetzt auch in deiner Ausstellung in der modernen Galerie eine ziemlich große Zeichnung.

Sigrún Ólafsdóttir: Das ist auch eine große Tusche- und Gesso-Zeichnung. Also beziehungsweise zwei. Ein Format ist 160 oder 180 mal drei Meter und eine 140, 140. Das haben wir natürlich zusammen ausgesucht, ich und die Kuratorin.

Öffentliche Projekte und Ausstellungen

Verena Feldbausch: Du hast ja den ersten Preis bei einem Wettbewerb in Raikjavik gewonnen, und zwar um einen öffentlichen Platz zu gestalten. Dort kommt die Skulptur Reziprok hin, aus Cortenstahl. Und du bist gerade dabei, diesen Auftrag quasi auszuführen. Ja, wie weit bist du? Also wie ist da gerade der Stand der Dinge?

Sigrún Ólafsdóttir: Wir sind so weit, dass wir eigentlich nur den festen Termin in Island brauchen, wann es aufgebaut wird. Es ist schwierig im Winter, wenig Licht, Schneestürme. Aber demnächst werden wir anfangen hier zu bauen. Es wird hier gebaut, bei meinem Schlosser. Darüber transportiert. Und dann kommt er auch mit und baut es auf. Und ich rechne damit, wir wollten das jetzt im Spätsommer schon fertig haben, aber das waren einige Sachen im Vertrag, den wir genauer bearbeiten müssten. Rein praktische Dinge und so wird das, wie ich das schätze, im Frühjahr in Island aufgebaut.

Verena Feldbausch: Und wo kommt es genau hin?

Sigrún Ólafsdóttir: Es ist in der Stadtmitte von Reykjavik in einem neuen Baukomplex. Da ergibt sich so ein Innenhof, der trotzdem offen ist, aber da ist ein Ort für Markt und Kaffee, Hotels, alle möglichen Aktivitäten, wo mehrere tausend Leute am Tag durchgehen. Und da innerhalb dieses Baukomplexes, der offen ist und zugänglich allen Menschen, da kommt es rein.

Verena Feldbausch: Ja, schön. Ja. Toller Ort, bestimmt. Ja. Und sehr aufwendig. Also es ist, von den Dimensionen her, wie groß ist das?

Sigrún Ólafsdóttir: 10, 12 Meter breit, 10, 12 Meter hoch. So in dieser Dimension. Ah ja. Große Geste.

Verena Feldbausch: Das heißt, das wird wahrscheinlich nächstes Jahr dann irgendwann eingeweiht.

Sigrún Ólafsdóttir: Wir warten eigentlich nur auf Nachricht aus Island, weil die organisieren das vor Ort mit den Krähnen und ganzen Behausungen, die wir für Schweißarbeiten und alles brauchen. Ja. Weil das ist natürlich ein riesen Bauwerk. Ja, ja. Ja. Mit einem Schlosser arbeite ich zusammen seit über 30 Jahren. Wir kennen uns mittlerweile sehr gut. Es ist sehr wertvoll. Er kennt meine Weise und ich seine. Und das ist natürlich in dieser Zeit zusammengewachsen und gereift. Ja.

Verena Feldbausch: Schön. Ja. Da wünsche ich dir gutes Gelingen.

Sigrún Ólafsdóttir: Danke.

Verena Feldbausch: Ja, bin sehr gespannt.

Sigrún Ólafsdóttir: Ich auch.

Albert-Weisgerber-Preis und Ausstellung

Verena Feldbausch: Kommen wir jetzt mal zu dem Albert-Weisgerber-Preis 2023. Den hast du gewonnen. Ganz herzlichen Glückwunsch zu dieser Auszeichnung.

Sigrún Ólafsdóttir: Danke.

Verena Feldbausch: Und aus diesem Anlass sind deine Arbeiten ab dem 29. November in einer Einzelausstellung in der Modernen Galerie in Saarbrücken zu sehen. Welche Botschaft oder Emotion wünschst du dir, dass die BesucherInnen mitnehmen, wenn sie vor deinen Skulpturen oder Zeichnungen stehen?

Sigrún Ólafsdóttir: Berührung. Das ist das, was ich mir auch immer wünsche, wenn ich in Ausstellungen gehe oder wenn ich irgendwo hingehe, egal was es ist, ob ich in die Oper gehe oder so, das ist von etwas berührt zu sein.

Verena Feldbausch: Das stimmt, dass die Kunst dich berührt. Ja.

Verena Feldbausch: Die Ausstellung trägt den Titel Gegenwärtige Bewegung. Spielt der Titel auch auf die heutige politische und gesellschaftliche Bewegung an?

Sigrún Ólafsdóttir: In einer gewissen Weise. Ich hatte einen anderen Titel, aber wir hatten auch lange darüber gesprochen, die Kuratoren und ich, das wäre vielleicht zu viel gesagt. Aber das es eigentlich in meinen Werken immer um die Bewegung geht. Bewegung, Beweglichkeit, Weiterkommen, Weiterentwicklung, nichts stagnieren. Dann fanden wir beide, das beide für meine Werke und natürlich auch die Gegenwart passend. Sehr passend.

Zukunftsperspektiven und neue Materialien

Verena Feldbausch: Gibt es noch irgendein Material zum Beispiel, was du noch gerne mal ausprobieren möchtest?

Sigrún Ólafsdóttir: Ja. Es gibt die industriellen Materialien, die ich noch nicht probiert habe, weil mich interessiert auch die Entwicklung in der Forschung von Materialien. Was mir auf der Zunge liegt, aber noch nicht konkret ist. Möglichst auch etwas umweltfreundlich und vielleicht wird das irgendwann mal so zum Schluss aussehen. Etwas, was in vollkommener Auf- oder Auslösung… in die Richtung, das wäre schön. So wie eine Wolke, die auseinander geht. Aber noch habe ich das nicht probiert, aber ich habe schon eine Ahnung. von neuen Experimenten durch Neugierigkeit.

Verena Feldbausch: Sehr schön. Da sind wir ganz gespannt und warten drauf, was du uns noch alles so zeigst.

Sigrún Ólafsdóttir: Ja, darauf bin ich auch gespannt, weil ich weiß das nie. Und das ist vielleicht das Spannendste in dem Ganzen.

Abschluss und Ausblick

Verena Feldbausch: Vielen Dank, liebe Sigrún, für dieses inspirierende Gespräch und für die Einblicke in deine Arbeit. Herzlichen Dank, liebe Verena. Wer nun neugierig geworden ist und sich gerne die Skulpturen von Sigrún Ólafsdóttir hier anschauen möchte, der findet Informationen über aktuelle Ausstellungen und Arbeiten im öffentlichen Raum in den Shownotes. Das war art talk SaarLorLux, der Podcast über Kunst und kreative Menschen in unserer Region. Ich bin Verena Feldbausch und danke euch fürs Zuhören und freue mich schon auf die nächste Folge von art talk SaarLorLux. Bis dahin. Dir hat art talk gefallen? Dann hinterlasse fünf Sterne und empfehle uns deinen FreundInnen. Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Show Notes und in unserem Blog. Sei wieder dabei, wenn es heißt Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

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Der Beitrag #28 art talk – die Bildhauerin Sigrún Ólafsdóttir erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#27 art talk – wir stellen das „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ vor (Teil 2)

Verena — Thu, 07 Aug 2025 00:26:11 +0000

Gespräch mit der Stifterin Hannelore Seiffert – Teil 2

Im 2. Teil unseres Kunstpodcasts art talk SaarLorLux über das „Kunst Keramik Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ erzählt uns die Stifterin Hannelore Seiffert spannende Geschichten über Begegnungen mit zeitgenössischen Keramikkünstlern und was sie in den 25 Jahren ihrer Sammlerinnen-Tätigkeit in der Welt der Keramikkunst so alles erlebt hat.

Photo Credits:

Cover Foto : © Tom Gundelwein: Paula Bastiaansen, ‘Schneewolke’, Porzellanspirale, 28 x 40 x 20 cm
Verena Feldbausch: 1,3,4,5,7,9, 10,11
Tom Gundelwein: 2
Liane Wilhelmus: 6
JM Schlorke: 8
Pia Treiber: 11

Weiterführende Links:

#27 art talk – wir stellen das „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ vor (Teil 1)

Das gesamte Interview mit Hannelore Seiffert zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen KuratorInnen und KünstlerInnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. art talk hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt. Hallo und herzlich willkommen zum zweiten Teil von art talk über das Kunst-Keramik-Museum Stiftung Hannelore Seiffert in Neunkirchen. Heute hört ihr von der Stifterin persönlich interessante Geschichten rund um ihre Sammler-Tätigkeit der letzten 25 Jahre. Ich wünsche euch viel Spaß beim Zuhören, eure Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Hallo liebe Frau Seiffert und herzlich willkommen bei art talk. Gibt es ein Werk in Ihrer Sammlung, das Ihnen besonders am Herzen liegt?

Hannelore Seiffert: Schauen Sie sich um.

Verena Feldbausch: Nicht nur eins.

Hannelore Seiffert: Ja, aber es gibt schon einige Schwerpunkte. Stücke zum Beispiel von einer sehr lieben Freundin, von der hervorragenden weltbekannten Künstlerin, der Maria Geszler, die ja auch hier einen eigenen Raum hat. Maria Geszler-Garzuly ist Ungarin und ist also wirklich jetzt eine weltbekannte Künstlerin und zwar dadurch geworden, dass sie den Siebdruck in die Keramik eingeführt hat und den völlig unkonventionell dann auch benutzt. Sie ist also sowieso eine sehr, sehr freie und unkonventionelle Künstlerin, sehen Sie ja. Und kommt aus einer Musikerfamilie und ist auch selbst sehr musikalisch. Ihr Vater war Komponist, hat sein eigenes Requiem komponiert. Und als er verstorben war, hat in Budapest in der Kathedrale die Witwe von Bela Bartok den Klavierauszug gespielt. Das hier sind alles Originalpartituren, die in deren Besitz waren. Und sie selbst hat angefangen mit Cello. Da hat sie aber mit den Händen Schwierigkeiten gekriegt und hat gesagt, naja, dann habe ich Keramik gemacht. War auch ganz gut. Und diese Arbeit hier, die hat mir deswegen so gut gefallen, weil sie eine persönliche Geschichte halt spiegelt. Ihr Sohn ist früh verstorben, war hochbegabt und hat Bücher geschrieben. Das hat sie natürlich zutiefst getroffen. Und das heißt “Das steinerne Herz”. Und da habe ich sie mal gefragt, was ist das da oben eigentlich? Was meinst du damit? Weil das hat bei ihr alles eine bestimmte Bedeutung. Und da sagte sie, das ist das Haus, das ihr hätte haben können. Das verschwindet jetzt. Das sind so Sachen… aber mir hat das auch optisch, hat sie mich sofort fasziniert, wie ich die gesehen habe. Die Geschichte habe ich erst hinterher dann zu erfahren. Das Besondere ist bei ihr eben der Siebdruck. Man erkennt ihre Sachen auf einen Blick. Die Musik spielt also in ihrem Leben auch eine ganz große Rolle. Die Tochter ist in Leipzig an dem berühmten Gewandhausorchester. Hat auch jetzt, glaube ich, eine Professur. Ich habe von ihr 60 Stücke. Vor allen Dingen, also jetzt Musikinstrumente, habe ich die ganze Ecke voll. Wir wollten aber hier vor allen Dingen beim ersten Mal den Schwerpunkt auf die figürlichen Arbeiten legen.

Verena Feldbausch: Ach toll, ja, sehr schön.

Hannelore Seiffert: Da sind ganz persönliche Erinnerungen mit verbunden. Oder dann auch Geschichten, die ich später irgendwelchen Arbeiten so angehängt habe, also mir ausgedacht habe, wie das zustande gekommen sein könnte. Dann habe ich ein Lieblingsstück. Wirklich, das ist eine einfache und schlichte Arbeit eigentlich. Die ist aber exzellent gemacht. Kommt aus Südkorea. Ist Seladon und ist dann abgeschliffen mit einem Diamantschleifer. Und die ist so unbeschreiblich weich. Ich muss da immer vorbeigehen. Und jedes Mal, wenn ich hier bin, und die nur mal kurz streicheln.

Verena Feldbausch: Ja, bitte.

Hannelore Seiffert: Weil sie das zu Hause auch immer gemacht bekam, jeden Tag.

Verena Feldbausch: Diese hellblaue Deckelvase ist von Frau Si Sok Kang. Und ihr findet ein Foto dieser Deckelvase in unserem Blog.

Hannelore Seiffert: Und das war so eine schöne Geschichte. Ich kam dann in die Galerie und von Weitem und habe das gesehen. Ach, was ist das? Gehst du da hin? Und da stand ein Paar. Und ich habe immer, immer rote Punkte dabei gehabt. Und da bin ich da hin und habe dann mal kurz so geguckt. Und wie ich so gemacht hatte, war es um mich geschehen. Und da haben die noch so gesprochen miteinander. Und da habe ich meinen Punkt geholt und habe ihn drauf gemacht. Und da sagten die, ja, wie ist das verkauft? Ach, das hätten wir vielleicht. Sag ich, tut mir leid. Und in dem Moment kam die Galeristin. Wir kennen uns. Und sie hat mich so begrüßt. Und so, ach, Frau Seiffert. Und da habe ich gesagt, ja, ich habe schon mit ihrer Mitarbeiterin gesprochen. Und das Allertollste ist, diese beiden waren schon mal hier und standen hier dabei. Und ich habe sie gesehen, ich war nicht sicher, aber ich habe sie angesprochen. Und da habe ich gesagt, waren Sie nicht damals auch so interessiert? Und da haben sie gesagt, ja. Aber das hätten wir ihr nicht bieten können, also diese Arbeit. Aber die beiden waren auch ganz von Socken, als sie mich dann gesehen hatten und dass sie das Stück hier gefunden hatten. Die haben sich also offensichtlich auch intensiv mit Keramik auseinandergesetzt. Und ja, also das sind so Geschichten, das fällt jemandem nicht auf. Man würde nicht so spontan sagen, das oder keins.

Zukünftige Projekte und Ausstellungen

Verena Feldbausch: Haben Sie einen Traum für ein zukünftiges Projekt? Eine Ausstellung, eine Publikation oder eine Begegnung?

Hannelore Seiffert: Also Ausstellung, ja, Erweiterung. Wie gesagt, es sind noch viele Stücke da. Dann habe ich auch sehr viele Anfragen schon von wirklich herausragenden Künstlern, ob sie was zustiften können. Und ich weiß, das wäre natürlich ein Gewinn. Die sind zum Teil also sehr hochpreisig. Da würden sie drauf verzichten, um in diesem Museum zu sein, weil das Museum mittlerweile auch einen sehr guten Ruf hat. International durch die Internationale Keramikakademie. Alle Mitglieder werden da ja immer informiert und es waren größere Berichte hier drüber. Und ich habe Fragen und auch Besuche bekommen aus der ganzen Welt schon. Also aus Australien, aus Japan, aus Indien, aus China, aus der Türkei. Und dann natürlich auf der anderen Seite Amerika, Mexiko und so. Die Leute sind wirklich interessiert und sind dann ganz fasziniert auch, weil sich die Sammlung ja auf einen relativ engen Zeitraum beschränkt. Das sind ja ungefähr 25 Jahre nur, die letzten 25 Jahre. Und da aber wirklich in die Tiefe geht und auch qualitativ wirklich sich sehen lassen kann.

Erinnerungen an die Terrakotta-Krieger

Verena Feldbausch: Wir gehen weiter zu Margret Weises Keramik mit dem Namen “Doppelfigur”.

Hannelore Seiffert: Das hier ist auch zum Beispiel eine Erinnerung an, ob gleich von einer deutschen Keramikerin gemacht ist. Aber als ich in den AIC aufgenommen wurde, das war in Xi’an, in der Stadt der Terrakotta-Krieger. Das waren sieben oder acht Leute, die da neu aufgenommen wurden. Wir waren drei Wochen in China, vorher in Peking schon. Und eben da war dann diese offizielle Inauguration. Und dann haben die zum Schluss so eine große Tafel reingeschoben und da waren einzelne Quadrate mit feuchtem Ton drin aufgebaut. Und da musste jeder von uns, von den Neuen, einen Handabdruck hinterlassen und mit dem Finger den Namen schreiben und das Datum. Und dann haben sie gesagt, das ist der Ton, aus dem die Terrakotta-Krieger sind. Und das wird jetzt gebrannt und das bleibt jetzt hier stehen.

Verena Feldbausch: Das ist ja toll.

Hannelore Seiffert: Mich hat das also so amüsiert erst mal. Und dann dachte ich, Mensch, das ist ja wirklich, da sieht man, was das für dieses Land, die Keramik für eine Bedeutung hat.

Verena Feldbausch: Genau.

Hannelore Seiffert: Viel mehr… also ich könnte mir sowas hier nicht vorstellen. Und die Terrakotta-Krieger, klar, das ist halt auch eine ganz außergewöhnliche Geschichte, die da zu finden. Und in dem Land ist eine uralte keramische Entwicklung und Tradition. Und das sieht man auch an den jetzigen Arbeiten.

Künstler*innen im Fokus

Verena Feldbausch: Welche Künstler und Künstlerinnen sollten wir unbedingt im Auge behalten?

Hannelore Seiffert: Eigentlich würde ich sagen, alle, was sie hier sehen. Ein paar sind nicht mehr am Leben, aber es kommen sicher auch immer noch neue dazu, die ich jetzt nicht mehr so im Auge habe. Ich habe also meine Sammeltätigkeit wirklich beendet, aus Platzgründen, aus Altersgründen. Wenn man sich ein bisschen mit beschäftigt, dann sieht man schon, welche Arbeiten besonders interessant sind. Das sind zum Beispiel, da hinten haben wir filigrane Arbeiten, die aber relativ groß sind, also die höchste handwerkliche Kunst fordern und sowas. Aber das ist sehr individuell. Ich kann da also wirklich keine Namen nennen.

Geschichten hinter den Werken

Verena Feldbausch: Gibt es eine besondere Geschichte hinter einem bestimmten Werk in Ihrer Sammlung, das Sie uns gerne erzählen möchten?

Hannelore Seiffert: Ich sage jetzt erstmal ganz allgemein, ich könnte fast zu jedem Stück hier eine besondere Geschichte erzählen, weil ich die allermeisten Künstler persönlich kenne, weil ich auch viel mehr von denen schon gesehen habe, die häufiger getroffen habe. Und dann hat man eine ganz andere Beziehung dazu. Und auch dann zu den Stücken, wie man die gekauft hat. Ich gucke hier zum Beispiel zu dem Kopf, der auch groß auf dem Plakat ist.

Verena Feldbausch: Ein kurzer Hinweis, der Künstler, um den es hier geht, heißt Sergei Isupov. Er stammt aus Russland und wohnt heute in Estland und Massachusetts. Und das Werk heißt “Lecture in Art”.

Hannelore Seiffert: Da gibt es ein schönes Bild, wo wir beide so richtig glücklich lachen. Seine Arbeiten sind also sehr, sehr teuer. Er hatte selber noch eine Ausstellung und hat mir also einen Preis gemacht. Ich habe mich so geehrt gefühlt. Ich hätte das wahrscheinlich nicht mir leisten können zu dem Zeitpunkt. Nur mal als Beispiel. Ich habe in New York in einer Galerie, mal so im Vorbeigehen, von ihm zwei kleine Figuren, also ein Paar, das zueinander gehört, für 15.000 Dollar gesehen. Es ist schon lange her, schon 15 Jahre sicher. Da hat man mal so eine Vorstellung von dem Preisgefüge. Es sind hier schon sehr viele wertvolle Stücke. Und ich konnte mir das auch nur leisten, weil ich eine Erbschaft gemacht habe. Mein Großvater hat mir ein Stück Land vererbt. Und das wurden Baugrundstücke. Und die stehen jetzt alle hier.

Verena Feldbausch: Sehr schön. Tolle Umsetzung.

Einfluss der Keramikkunst auf das Leben

Verena Feldbausch: Wie hat Ihr Leben mit Kunst den Alltag verändert? Und wie hat sich Ihr Blick auf die Welt durch die Keramikkunst verändert?

Hannelore Seiffert: Ja, also wenn Sie sich umschauen, das muss ja eine große Veränderung gewesen sein, obwohl ich mich immer mit Kunst beschäftigt habe. Ich bin also sehr viel auch zur Ausstellungen, Malerei und so. Mindestens eine im Monat und auch in größerem Umkreis. Also nicht nur in Deutschland und so. Aber dann fokussiert sich das auf einmal. Man sortiert dann und man wird immer emsiger. Und ich bekam auch dann immer mehr Einladungen. Und habe dann nachgeguckt über die Künstler, wenn ich sie noch nicht kannte, erst mal so durchs Internet angeschaut oder durch Bücher. Ich habe über 300 keramische Bücher. Dann vertieft man sich. Und das nimmt natürlich einen guten Teil der Lebenszeit in Anspruch. Mit Begeisterung. Das ist also völlig freiwillig.

Verena Feldbausch: Und wie hat sich Ihr Blick auf die Welt durch die Keramikkunst verändert?

Hannelore Seiffert: Es kommt darauf an, wie man es sieht. Wenn ich so ganz allgemein an früher zurückdenke, habe ich doch von aktuellen Themen ein bisschen Abstand genommen oder gefunden. Weil es mich, will nicht sagen, nicht mehr interessierte für Politik oder so. Muss einen ja immer interessiert. Aber es war nicht mehr so im Vordergrund. Und es ist also wirklich so, dass ich, wenn ich irgendwo hingehe, dann immer suche, unbewusst, nach Keramik oder nach Museen oder nach Galerien oder so etwas. Und dieses Material oder diese Richtung, das ist einfach in den Vordergrund getreten in meinem Leben. Ich habe früher immer sehr, sehr viel gelesen. Jetzt komme ich gar nicht mehr so viel dazu. Und das sind so Sachen, die mir dann auch leid tun. Und wo ich denke, Mensch, also der Tag, wenn der noch ein bisschen länger wäre, wäre auch nicht schlecht. Aber wer weiß, was ich dann da mit Keramik anstellen würde.

Verena Feldbausch: Das stimmt.

Weitere Geschichten und Führungen

Verena Feldbausch: Sollen wir noch zu drei Positionen gehen? Vielleicht unterschiedliche Positionen, wo Sie noch eine Geschichte erzählen möchten? Sie sagen, Sie könnten natürlich zu jedem Stück eine Geschichte erzählen.

Hannelore Seiffert: Auf jeden Fall, ja.

Verena Feldbausch: Vielleicht sollte man auch einfach vorbeikommen, wenn Sie das nächste Mal eine Führung machen.

Hannelore Seiffert: Ich mache Führung immer am zweiten Sonntag jedes Monats. Also eine Führung pro Monat. Ich bin dann auch bereit, sehr ausführlich zu sein. Sie merken es ja auch, wenn bei mir der Stöpsel gezogen wird. Da kommt halt so allerhand zum Vorschein. Und wie gesagt, wirklich für mich ist das mein Leben. Also im Sinne von gelebter Erinnerung. Da steigen sofort so viele Bilder auf. Und mit vielen telefoniere ich heute noch in der ganzen Welt. Ich habe gestern gerade mit jemandem aus New York telefoniert. Also in der Woche bestimmt vier, fünf Telefonate oder Mails sowieso mit ausländischen Keramikern geführt werden. Ich bin dann immer hinterher so richtig froh, glücklich und stimuliert und denke, ja, also es ist doch ein schönes Material. Oder es ist eine feine Sache. Und auch wenn ich hierher komme, Sie sehen ja, es ist ein großer Raum und der erscheint total voll. Ist er ja auch. Aber dann denke ich, mein Gott, das hat alles bei mir gestanden. Und jetzt ist immer noch bei mir alles rappelvoll.

Verena Feldbausch: Ja, ja, Wahnsinn. Das kann man sich gar nicht mehr vorstellen.

Hannelore Seiffert: Ja, war halt so.

Verena Feldbausch: Eine tolle Entscheidung.

Hannelore Seiffert: Und da für diese Entscheidung kann ich der Frau Nix-Hauck wirklich nicht genug danken. Dass wir es dann auch so fantastisch umsetzen konnten.

Verena Feldbausch: Sehr schön.

Hannelore Seiffert: Und wir wollen noch in diesem Jahr dann die restlichen 170 Stücke, sagen wir mal so ungefähr, Pi mal Daumen. Ich habe jetzt kürzlich nochmal was gekauft. Ja, das musste sein. Und eine tolle Studentin in Saarbrücken. Und die hat so eine wunderbare Ausstellung gehabt. Ich war auch mit der Museumsleitung hier und habe gesagt, das da kaufe ich für die Ausstellung. Weil das noch nicht aufgenommen war.

Verena Feldbausch: Ich war jetzt auch vor kurzem in der HBK Galerie. Waren Sie da auch auf der Ausstellung von den jungen StudentInnen?

Hannelore Seiffert: Ja.

Verena Feldbausch: Die dann einfach wunderbare Werke auch gezeigt haben.

Hannelore Seiffert: Ja, und da habe ich also.

Verena Feldbausch: Da haben Sie ein Werk gefunden. Ja, fand ich auch ganz toll. Dieses Werk stammt von Pia Treiber und ist aus der Serie Ölfleck. Diese Werkgruppe zeigt keramische Faltenwürfe mit einer ganz besonderen Glasur, die den Eindruck von in Erdöl getauchten Oberflächen erzeugt. Wie immer stellen wir Fotos der besprochenen Werke in den Blog.

Verena Feldbausch: Ja, man kann Ihnen wirklich unendlich zuhören.

Hannelore Seiffert: Ja, ich kann Ihnen zu jedem Stück Geschichten erzählen.

Verena Feldbausch: Deshalb muss man öfters mal herkommen.

Hannelore Seiffert: Richtig.

Abschluss und Ausblick

Verena Feldbausch: Frau Seiffert, vielen Dank für Ihre interessanten Einblicke, Ihre Leidenschaft und Ihre Großzügigkeit, Kunst mit anderen zu teilen. Wenn ihr jetzt mehr über die Sammlung von Hannelore Seiffert bzw. das Keramik-Kunstmuseum in Neunkirchen erfahren möchtet, dann findet ihr alle Links in unseren Shownotes. Vielen Dank fürs Zuhören und bis zur nächsten Folge von art talk SaarLorLux. Eure Verena Feldbausch. Dir hat art talk gefallen? Dann hinterlasse 5 Sterne und empfehle uns deinen FreundInnen. Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Shownotes und in unserem Blog. Sei wieder dabei, wenn es heißt: Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

Der Beitrag #27 art talk – wir stellen das „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ vor (Teil 2) erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#27 art talk – wir stellen das „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ vor (Teil 1)

Verena — Thu, 24 Jul 2025 03:15:45 +0000

Gespräch mit der Stifterin Hannelore Seiffert – Teil 1

Wir sprechen über eine Kunstform, die lange Zeit unterschätzt wurde, nämlich über Keramikkunst. Seit den 1990er bis 2000er Jahren wird zeitgenössische Keramikkunst zunehmend anerkannt, auch wenn sie bis heute noch mit Vorurteilen kämpft und nicht immer gleichwertig behandelt wird wie z. B. Malerei oder Installation. Unsere Gesprächspartnerin ist Hannelore Seiffert – sie ist Sammlerin, Unterstützerin und Expertin der internationalen zeitgenössischen Keramikkunst. 2023 hat sie einen bedeutenden Teil ihrer Sammlung dem „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ in Neunkirchen (Saarland) geschenkt. Wir erfahren spannende Geschichten ihrer Sammler-Tätigkeit und lernen ihre Großzügigkeit, Kunst mit anderen zu teilen, zu schätzen.

Foto Credits:

– JM Schlorke: 1,2,3,4, 6,7,10,11,12,13,14
– Tom Gundelwein: 5,8,
– Liane Wilhemus: 9

Weiterführende Links:

– Keramikzentrum Höhr-Grenzhausen: https://natur-kultur-keramik.de/keramik/
– Internationale Keramik-Akademie: AIC-ICA: https://www.aic-iac.org/en/
– Keramikkunst in Shenzhen: https://www.ourchinastory.com/en/13195

Das gesamte Interview mit Hannelore Seiffert zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Wir reden über Kunst bei *art talk*, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen KuratorInnen und KünstlerInnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. *art talk* hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt. Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von *art talk* SaarLorLux. Heute sprechen wir über eine Kunstform, die lange Zeit unterschätzt wurde, nämlich über Keramikkunst. Zunehmend anerkannt im zeitgenössischen Kunstbetrieb ist die Keramikkunst etwa seit den 1990er bis 2000er Jahren, auch wenn sie bis heute noch mit Vorurteilen kämpft und nicht immer gleichwertig behandelt wird, wie zum Beispiel Malerei oder Installation. Unser heutiger Gast ist Hannelore Seiffert. Sie ist Sammlerin, Unterstützerin und Expertin der internationalen Keramikkunst. Und 2023 hat sie einen bedeutenden Teil ihrer Sammlung dem Keramik Kunst Museum Neunkirchen geschenkt. Und da es über zeitgenössische Keramikkunst ganz schön viel zu reden gibt, habe ich die Folge in zwei Teile unterteilt. Nun wünsche ich euch viel Spaß beim Zuhören des ersten Teils. Eure Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Frau Seiffert, schön, dass Sie heute Zeit haben, mit mir zu sprechen. Wie hat Ihre Liebe zur Keramik begonnen?

Hannelore Seiffert: Ja, ich würde sagen ganz klassisch. Ich war schon im etwas vorgerückten Lebensstadium und habe dann eine Ausstellung gesehen. Und da dachte ich auch, das ist eigentlich auch ganz schön, Keramik, probierst du mal. Habe die Künstlerin gefragt, die zufällig anwesend war. Und da sagte sie, ja, Sie können nach Dillingen kommen, jede Woche, ich mache Kurse. Habe ich gemacht, fing dann an, klassisch mit dem Daumenschälchen und so weiter. Und dann habe ich mich natürlich mehr für die Materie interessiert. Habe mir Bücher gekauft, bin auf Märkte zunächst gegangen. Und dann hat sich das immer mehr vertieft. Je mehr ich Namen kannte oder so, bin ich dann auch zu Ausstellungen gegangen. Und hier, wir haben ja ein keramisches Zentrum, Höhr-Grenzhausen ist in der Nähe, wo ein hervorragendes Museum ist. Und ja, da habe ich mich dann so immer mehr eingewöhnt und habe dann auch spontan immer gekauft, wenn ich irgendwie ein Stück fand, das mir besonders gefallen hat oder dachte, das möchte ich gerne haben und immer angucken.

Faszination für zeitgenössische Unikat-Keramik

Verena Feldbausch: Was hat Sie speziell an der zeitgenössischen Unikat-Keramik fasziniert? Also im Gegensatz zu antiker Keramik oder Designobjekten?

Hannelore Seiffert: Schon immer habe ich mich eigentlich schon als junger Mensch für Kunst interessiert, aber auch immer oder fast nur für zeitgenössische. Also da bin ich am liebsten hingegangen. Und das andere hat sich so ergeben. Die Bildung, die kriegt man ja mit. Und bei der Keramik, da hatte ich auch keine Vorstellung, was vorher war. In dem Sinne von außergewöhnlich. Man wusste, es gab halt früher eine Zeit, wo barocke Geschirre gemacht wurden und sowas. Aber ich fand halt immer, weil ich das auch selber gemacht habe, interessanter, was so in meiner Zeit geschieht. Wie die Leute, was die arbeiten, warum sie es machen. Und vor allen Dingen hat mich zunächst mal die absolute Material- und Ausdrucksvielfalt fasziniert. Und das Arbeiten mit Keramik ist ja sehr, sehr vielfältig. Weitaus vielfältiger, als man das weiß oder normalerweise oder sich vorstellt. Und ja, das fand ich dann interessant.

Vom Interesse zur bewussten Sammlung

Verena Feldbausch: Wann wurde aus der Faszination eine bewusste Sammler-Tätigkeit? Also gab es einen Punkt, an dem Sie gesagt haben, jetzt sammle ich ernsthaft?

Hannelore Seiffert: Das ist schwer zu sagen. Also es gibt einen Punkt, wo ich aufgenommen wurde oder angefragt wurde von der Internationalen Keramikgesellschaft. AIC-ICA, eine ganz eigene Organisation, die es in der Kunst eigentlich nur bei der Keramik gibt. Nämlich, wo die besten, weltweit besten Keramikkünstler verbunden sind. Unabhängig von der Herkunft. Aus Afrika, aus China, aus Japan, aus Amerika, aus Europa sowieso. Und es hatte sich hier zumindest in Deutschland und im europäischen Ausland rumgesprochen, da ist so eine, die kauft immer. Und also mein Name war sowieso ein bisschen da schon bekannt. Und ich bin dann natürlich auch auf diese immer hochwertigeren Arbeiten gestoßen und aufmerksam geworden und dann auch hingefahren. Und ja, und dann haben die dann bei der AIC gesagt, das wäre gut, wenn die bei uns wären. Für mich war das also ein, ich war ganz fasziniert und eine große Ehre, auch da gefragt zu werden. Und es gibt… also in dieser weltweiten Organisation sind ungefähr 900 Keramiker. Und nochmal so knapp 100 Personen, die so dazugehören. Museumsleiter und auch Schriftsteller, also Leute, die darüber schreiben und so weiter. Und einige wenige Sammler. Im letzten Jahr waren es weltweit neun. Und ich war die einzige Deutsche, die aufgenommen wurde in den AIC.

Verena Feldbausch: Für was steht AIC?

Hannelore Seiffert: AIC-ICA ist die französische Abkürzung für Internationale Akademie der Keramik.

Keramik als künstlerisches Medium

Verena Feldbausch: Danke. Genau, jetzt kommen wir zu dem Thema Keramik als internationale Kunstform. Lassen Sie uns über das Material sprechen, also Ton, Erde, Feuer. Was macht Keramik für Sie als künstlerisches Medium so besonders?

Hannelore Seiffert: Also als künstlerisches Medium vor allen Dingen die Vielfalt, die Ausdrucksfähigkeit, die auch durch das Material bedingt ist. Es kommt vom feinsten Porzellan her bis zu richtig grobem Ton, der auch dann noch Beimengungen hat und der auch in der Oberfläche ganz rau sein kann. Und in dieser Vielfalt, da spielt sich so viel ab. Und ich kann das aus eigener Anschauung jetzt auch wirklich bestätigen. Wenn man so ein Stück in der Hand hat und man hat nicht gerade einen Auftrag oder so und fängt dann an, da so rumzukneten. Und da wird man so inspiriert. Und da kommen wirklich Dinge zustande, von denen man gar keine Ahnung hatte, dass man die in den Händen, im Kopf oder sonst so hat. Das finde ich also sehr spannend. Und natürlich bei den Stücken, die Sie hier sehen, das sind alles absolut exquisite Stücke von hervorragenden Künstlern, sehr vielen Mitgliedern im AIC. Und die wissen natürlich genau, wie sie umgehen sollen mit den Sachen. Aber trotz alledem. Ich habe also hauchfeine Stücke da und richtig dicke Klumpen.

Internationale Keramikszene und regionale Unterschiede

Verena Feldbausch: Also Ihre Sammlung umfasst Werke aus verschiedenen Ländern. Japan, USA, Europa. Wie erleben Sie die internationale Szene der zeitgenössischen Keramik? Gibt es regionale Unterschiede?

Hannelore Seiffert: Auf jeden Fall. Zunächst mal, es gibt insofern regionale Unterschiede als beispielsweise in Afrika, um das mal zu sagen, überwiegt noch so die Volkskunst. Obwohl die ganz modern auch interpretiert wird, also von einigen. Dann in China ist eine ganz andere Beziehung zur Keramik. Da spielt die Keramik eine ganz große Rolle. Und spezielle Verfahren, zum Beispiel Celadon oder spezielle Materialien. Es gibt ein Porzellan, das fast bläulich schimmert, wenn es gebrannt wird. Und in Europa ist es vielfältiger, aber trotzdem. Also es ist nicht so, dass ich auf ein Stück gucke und könnte sagen, das könnte aus dem und dem Land sein. Aber man sieht, ja, das sieht europäisch aus. Und noch etwas, was mir immer auffällt, ist, dass zum Beispiel Südkorea, aber auch alle fernöstlichen Stücke, die ich habe, die sind von einer ausgesprochenen Qualität im Sinne der Ausarbeitung. Und die Stücke sehen manchmal einfach aus, schlicht. Aber die haben dann, wenn man genauer hinschaut, so viel Raffinesse und so viel handwerkliches Vermögen, dass man denkt, das kann doch gar nicht sein, dass man das mit den Händen macht. Ah, toll.

Unikatkeramik vs. Gebrauchsobjekte

Verena Feldbausch: Viele denken bei Keramik an etwas Funktionales. Eine Tasse, eine Vase. Aber Unikatkeramik ist Kunst. Was unterscheidet ein Kunstwerk aus Ton von einem Gebrauchsobjekt?

Hannelore Seiffert: Ja, nun, zunächst einmal, die Kunstwerke sind einfach unpraktisch zum Gebrauch. Ich habe aber in meinem Haushalt, ich habe mal so überschlagen, mindestens 80 Stücke im Gebrauch, die also aus Ton sind, die wirklich einen ganz speziellen Ausdruck haben, aber die gemacht sind für das, wozu ich sie benutze. Dosen und Teller oder Geschirr auch. Vasen habe ich sehr viele, die ganz außergewöhnlich sind und die mir einfach gefallen und die man so nicht kaufen kann. Wo man sieht, das ist ein bisschen anders.

Schenkung an das Keramik Kunst Museum Neunkirchen

Verena Feldbausch: Zu diesem Schritt bewogen, hat mich zunächst Frau Nicole Nix-Hauck, die Leiterin hier des Keramik Kunst Museums. Wir kennen uns schon sehr lange und ich hatte hier auch mal oben in der Galerie zwei Ausstellungen mit meiner Keramik. Die erste war wirklich sehr, sehr gut frequentiert und die zweite ist dann zum größten Teil Corona zum Opfer gefallen. Aber sie kannte meine Arbeit und sie war auch häufiger bei mir zu Hause. Und eines Tages hat sie so beiläufig gesagt, hast du schon mal überlegt, was du machst mit deinen Sachen? Könntest du dir vorstellen, dass du da sowas in ein Museum tust oder stiftest? Und da dachte ich also, geht doch gar nicht. Am nächsten Morgen einmal drüber geschlafen. Das ist es. Denn ich hatte vorher schon so an bestimmten Museen einzelne Stücke gegeben, also so fünf, sechs Stücke. Ich habe mit meiner Sammlung auch schon in anderen Museen Ausstellungen gehabt, im kleineren Rahmen natürlich. Und dann habe ich immer Stücke dagelassen. Und so nach sechs, acht Wochen waren die dann im Depot. Und da stehen die dann jetzt für den Fall, dass der Verursacher dieses Stückes vielleicht mal selbst eine Ausstellung hat. Werden die nochmal gezeigt, aber das war’s. Und das, finde ich, hat diese Kunstfertigkeit, diese Liebe und Hingabe und das Können einfach nicht verdient. Wenn die gemacht werden, dann sollten sie auch gesehen werden können. Und das war dann für mich, also da dachte ich, klar, das ist es. Und ich lebe seit 50 Jahren im Saarland. Davon eine große Zeit in Neunkirchen gewesen. Also hier das Haus sehr gut, das Museum und oben die Galerien und so weiter. Und da dachte ich, ja, ich wohne nicht weit weg. Ich kann hier immer gucken, was meine Schätzchen machen, wie es ihnen geht. Ein kleines Schwätzchen halten. Und ja, und da sage ich, ja, das ist die Idee. Und dann hat sich ja grandios ergeben die Gestaltung.

Verena Feldbausch: Ja. Das der nächste Schritt war, dass eine Freundin von Ihnen auch nochmal eine großzügige Schenkung gemacht hat.

Hannelore Seiffert: Es war keine Freundin von mir. Ich kannte die Dame vorher gar nicht. Und die hat einen riesigen Betrag gestiftet, also für meine Verhältnisse. Das waren 100.000 Euro.

Verena Feldbausch: Das ist ja der Wahnsinn.

Hannelore Seiffert: Und damit war natürlich eine völlig andere Dimension der Präsentation möglich.

Verena Feldbausch: Also das heißt, der erste Schritt war, Sie haben gesagt, ich bin bereit, einen Teil meiner Sammlung zu stiften. Und der zweite Part war dann, dass sich eine großzügige Stifterin nochmal gefunden hat, die den Raum ermöglicht hat, die die Ausstellungsfläche ermöglicht hat. Weil es sind ja, glaube ich, 300 Quadratmeter hier, oder?

Hannelore Seiffert: Ja, ein bisschen über 300 Quadratmeter. Und ich hatte immer gesagt, also ich möchte nicht gerne Vitrinen haben. Bei mir stehen die Sachen zu Hause auch offen. Und ich weiß, dass es wichtig ist, auch dass man auch mal ganz nah rangehen kann. Natürlich die Hände auf dem Rücken dabei. Und sich die Sachen genauer ansehen kann. Und bei Vitrinen hat man dann immer so eine gewisse Distanz. Diese überaus großzügige Stifterin, die wurde wohl von dem Herrn Linnebacher, der hier auch sehr viel von dem Umbau geleitet hat, dazu animiert oder veranlasst, das zu machen.

Auswahl der Werke und Präsentation

Verena Feldbausch: Welche Werke haben Sie ausgewählt und nach welchen Kriterien?

Hannelore Seiffert: Also wir haben das so gemacht. Leute aus dem Museum, also Frau Nix-Hauck und jemand anderer noch, sind durchs Haus gegangen und haben gesagt, das und das und das und das möchten wir haben. Und ich hatte ursprünglich an eine Zahl zwischen 100 und 200 gedacht. Und dann haben die gleich Zettelchen geschrieben, also 3, 42 und so. Und auf einmal waren wir bei über 400 Stücken. Und das fand ich doch ein bisschen happig. Da dachte ich, oh, also da ist ja gar nichts mehr da. Wobei ich sagen muss, ich habe also in meinem Haus damals 1200 Stücke ungefähr gehabt. Es war also nicht so gefährlich.

Verena Feldbausch: Und Sie haben dann wirklich die 400 Teile dem Museum gestiftet.

Hannelore Seiffert: Ja, also dann wurde das hier umgebaut. Es waren hier ja ganz anders genutzte Räume. Es wurde eine Beleuchtung geschaffen und dann diese wunderbaren Möbel, auf denen die Sachen präsentiert werden können, in allen möglichen Variationen. Wir haben dann gerückt und so, bis das, ach, so könnte das sein. Und an den Wänden, also toll. Und dann haben wir erst mal 200 Stücke hergebracht. Und es sind im Moment, glaube ich, 260 Stücke hier. Und Frau Nix-Hauck hat mit Frau Dr. Wilhelmus die Präsentation gestaltet. Ich habe vorher bei mir, können Sie sich vorstellen, bei der Menge der Sachen, und obwohl ich mein Haus zweimal umgebaut hatte, es war immer noch sehr, sehr, sehr voll. Da war ich also gewöhnt, dass die Stücke doch also recht nah beisammen sind. Und speziell von Frau Nix-Hauck weiß ich es genau, dass sie sehr großen Wert darauf legt, dass jedes Stück für sich einen einzelnen Umraum hat, wo es für sich alleine betrachtet werden kann. Und ich musste dann weggehen, ich dachte immer, ach, was kann ich dan noch alles hinstellen! Ja, aber dann fand ich das natürlich umso schöner. Es ist, also wenn man sieht, die Präsentation ist großartig. Das wurde dann auch inhaltlich ein bisschen gegliedert, Gesichter, figürliche Arbeiten und so weiter.

Zusammenarbeit mit dem Museum und Kataloge

Verena Feldbausch: Ja, genau, das ist eigentlich meine nächste Frage. Wie war die Zusammenarbeit mit dem Museum? Also das haben Sie schon ein bisschen erläutert. Gibt es einen Katalog zur Schenkung und werden die Exponate eigentlich auch regelmäßig ausgetauscht? Weil Sie sagen, jetzt sind 260 etwa präsentiert, aber Sie haben über 400 gegeben. Wie ist da so der Ansatz?

Hannelore Seiffert: Ja, es ist also so, meine innere Bedingung war, dass nichts ins Depot soll. Und wir haben diesen Raum hier mit 300 Quadratmetern, der also jetzt mit etwa 260 Stücken belegt ist. Und das ist wunderbar. Man sieht jedes einzelne Stück. Es sind etwa noch 170 Stücke bei mir zu Hause. Jetzt haben wir aber beschlossen, dass auf jeden Fall der Rest auch hierher kommt. Es gibt eventuell Möglichkeiten, hier räumlich das zu erweitern, dass etwas dazu kommt. Und wir werden das also in einer größeren Aktion machen, dass hier ein größerer Teil, also mindestens 150 Stücke ausgetauscht werden. Also das ist ja schon ein großer Wechsel. Und das wird dann auch extra angekündigt. Und das müssen Sie hier bestimmt ein, zwei Wochen schätze ich mindestens schließen für den Umbau.

Verena Feldbausch: Und ist ein Katalog vorgesehen?

Hannelore Seiffert: Kataloge hatten wir bei der ersten Ausstellung schon und bei der zweiten, die dann nicht so stark frequentiert war, weil das gleich Anfang 2020 war, als Corona kam. Es sind zwei Kataloge, die hervorragend fotografiert sind und die stehen zur Verfügung. Da ist also der allergrößte Teil der Stücke, ist dann hier in diesen Büchern.

Verena Feldbausch: Genau, das waren zwei Kataloge von den Ausstellungen, die schon in der Stadtgalerie Neunkirchen stattgefunden haben.

Tendenzen in der Keramikkunst

Verena Feldbausch: Wohin entwickelt sich die Keramikkunst gerade? Sehen Sie neue Tendenzen, vielleicht auch gesellschaftlich oder politisch?

Hannelore Seiffert: Also, ich habe mir seit drei Jahren, schlage ich mir immer auf die Finger, wenn ich irgendwo hingehe. Ich gehe auch nicht mehr so oft in Ausstellungen, das ist viel zu gefährlich. Aber ich bekomme sehr viel schriftliches Material und die “Neue-Keramik” und so weiter, keramische Zeitschriften. Und ich sehe eine Tendenz zu einer noch größeren Abstraktion einerseits, zu einer anderen Farbigkeit, auch noch einer größeren Farbigkeit. Und so diese mehr kontemplativen Stücke, die habe ich jetzt noch nicht so stark wahrgenommen. Mir fällt das also wirklich auf, dass sehr abstrakte und wilde Formen mittlerweile in ausgefallenen Farben dann noch zu sehen sind.

Verena Feldbausch: Gab es gesellschaftliche oder politische Entwicklungen, die Sie beobachten?

Hannelore Seiffert: Kann ich nicht sagen, dass das als Reaktion auf irgendetwas ist. Es ist ja auch in allen Kontinenten verschieden. Also gerade in China, die laden sehr viele ein. Da gibt es zum Beispiel eine Stadt Jingdezhen, wo jedes Jahr eine größere Anzahl von Gästen eingeladen wird aus der ganzen Welt. Die arbeiten dort und lassen auch die Sachen dort und stellen dort aus. Und da hat die Keramik einen ganz anderen Stellenwert. Da wird auch großer Wert auf klassisches Material gelegt, auf klassische Farben, Celadon oder so. Und wenn die Leute hinkommen, hier aus Deutschland sind wieder eine ganze Menge eingeladen, können sie sowohl in ihrer eigenen Art arbeiten, als auch das nachempfinden oder natürlich umgesetzt in ihre Möglichkeiten, aber so in dem Stil etwas machen. Und ich finde sowas sehr spannend, sehr, sehr anregend.

Abschluss und Ausblick

Verena Feldbausch: Nun habt ihr schon ganz schön viel erfahren über die Sammlerin Hannelore Seiffert und wie sie zur zeitgenössischen Keramikkunst kam. Und in der nächsten Folge besprechen wir ganz konkrete Stücke ihrer Sammlung. Und wie immer findet ihr Fotos der besprochenen Werke auf meinem Blog. Und der Link dazu, den gibt es in den Show Notes. Ich freue mich schon auf das nächste Mal, wenn Hannelore Seiffert uns erzählt, wie sie ihre Lieblingsstücke gefunden hat. Diese Folge konnte produziert werden dank der Unterstützung des Ministeriums für Bildung und Kultur des Saarlandes. An dieser Stelle ganz herzlichen Dank dafür. Und ich danke euch fürs Zuhören und freue mich schon auf den zweiten Teil unseres Gesprächs mit Hannelore Seiffert. Bis dahin, eure Verena Feldbausch. Dir hat *art talk* gefallen? Dann hinterlasse 5 Sterne und empfehle uns deinen FreundInnen. Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Show Notes und in unserem Blog. Sei wieder dabei, wenn es heißt: Wir reden über Kunst bei *art talk*, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

Der Beitrag #27 art talk – wir stellen das „Keramik Kunst Museum – Stiftung Hannelore Seiffert“ vor (Teil 1) erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#26 art talk – Véronique Verdet über ihre Auststellung “Fouloscopie”

Verena — Sat, 14 Jun 2025 08:00:03 +0000

Véronique Verdet

Wir sprechen mit der französischen Künstlerin Véronique Verdet über ihre aktuelle Ausstellung Fouloscopie, die zurzeit im Museum St. Wendel zu sehen ist.

Véronique Verdet wurde 1967 in Cannes geboren. Sie studierte Plastik und audiovisuelle Kunst an der Hochschule der Bildenden Künste Saar. Von 2004 bis 2006 war sie Meisterschülerin von Christina Kubisch mit dem Schwerpunkt auf audiovisuellen Projekten. Sie lebt und arbeitet in Saarbrücken. Sie schafft Installationen, Sound- und Videoarbeiten und zeichnet auch ganz klassisch auf Papier. Welche Themen sie behandelt, welche Perspektiven sie uns durch ihre Kunst zeigt, wie ihre Künstlerfamilie sie geprägt hat und wie ihre Pläne für die Zukunft aussehen – das erfahrt ihr in diesem Podcast. Viel Spaß dabei!

Photo Credits:

1,2,3,5,6,9,11,12,16 Lukas Ratius
7,8,10,13,14 Verena Feldbausch
15S venja Sämann
4 Joseph Bonnenberger
Cover Bild: © Véronique Verdet

Künstlerportrait Véronique Verdet

Véronique Verdet ist eine französische bildende Künstlerin, die in Saarbrücken lebt und arbeitet. Sie studierte von 2000 bis 2004 an der Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBK Saar) mit dem Schwerpunkt Plastik und audiovisuelle Kunst und schloss ihr Studium mit Auszeichnung ab. Anschließend war sie von 2004 bis 2006 Meisterschülerin bei Prof. Christina Kubisch. Seit 2015 ist sie Mitglied im Saarländischen Künstlerbund.

Künstlerische Praxis

Verdets Arbeiten zeichnen sich durch eine interdisziplinäre Herangehensweise aus, bei der sie verschiedene Medien wie Skulptur, Zeichnung, Video und Installation kombiniert. Ein zentrales Thema in ihrem Werk ist die Auseinandersetzung mit dem Individuum in der Masse sowie die Wahrnehmung von Zugehörigkeit und Vereinzelung. In ihrer Installation „Emportée par la foule“ (2023) zeigte sie 2500 Miniaturfiguren, die einen Menschenstrom bildeten und so gesellschaftliche Zusammenhänge und die Dynamik von Gruppen visualisierten.

Ein weiteres Beispiel ist die Rauminstallation „Peripherie / Grenzwertig“ (2016), die sich mit dem Thema Grenze und deren Wahrnehmung auseinandersetzte. Dabei kombinierte sie Zeichnungen und Soundelemente, um die Flüchtigkeit und Vielschichtigkeit von Grenzerfahrungen zu thematisieren.

Ausstellungen und Projekte

Verdet hat ihre Arbeiten in verschiedenen Ausstellungen und Projekten präsentiert. So war sie 2023 Teil des Projekts „Kollektiv Bremm“, das sich mit dem Grenzraum zwischen Deutschland und Frankreich beschäftigte. Im Rahmen dieses Projekts widmete sie sich dem Gedenken an die Gefangenen des Gestapo-Lagers und setzte sich mit der Geschichte und Bedeutung dieses Ortes auseinander.

Zudem war sie 2022 Mitinitiatorin des „Hyper Süpermarket“ in der Europa-Galerie Saarbrücken, einem temporären Kunstverkaufsraum, in dem Werke von 23 Künstlerinnen und Künstlern angeboten wurden. Dieser ungewöhnliche Kunstmarkt ermöglichte es den Besuchern, Kunstwerke direkt zu erwerben und förderte so den Dialog zwischen Kunstschaffenden und Publikum.

Vom Mai bis Juli 2025 zeigt Véronique Verdet ihre Kunst in der Einzel-Ausstellung „Fouloscopie“ im Museum St. Wendel. Auch hier geht um die Themen Menschenmengen, Isolation, Menge und Individuum, Bewegungen, Begegnungen und Trennungen.

Fazit

Véronique Verdet ist eine vielseitige Künstlerin, die mit ihren Arbeiten gesellschaftliche Themen aufgreift und diese in unterschiedlichen Medien und Formaten reflektiert. Durch ihre interdisziplinäre Praxis und ihr Engagement in verschiedenen Projekten trägt sie aktiv zur Kunstszene im Saarland und darüber hinaus bei.

Lest das gesamte Interview mit Véronique Verdet

Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen Kuratorinnen und Künstlerinnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. art talk hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt. Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk. Heute treffen wir die französische Künstlerin Véronique Verdet, mit der wir über ihre aktuelle Ausstellung “Fouloscopie” sprechen, die derzeit im Museum St. Wendel zu sehen ist. Ich freue mich sehr, in die ganz eigene Welt von Véronique Verdets Kunst einzutauchen. Wie immer findet ihr die Abbildungen der besprochenen Arbeiten in meinem Blog. Ich wünsche euch viel Spaß beim Zuhören. Eure Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Liebe Véronique, hallo und herzlich willkommen bei art talk.

Véronique Verdet: Hallo.

Künstlerische Motivation und Themenfindung

Verena Feldbausch: Was treibt dich an, künstlerisch tätig zu sein? Wie findest du deine Themen?

Véronique Verdet: Oh, das ist eine sehr weite Frage. Mein Thema ist eigentlich schon seit einigen Jahren die Massen. Menschenmassen, Bewegung, Individualität, Isolation, also alles, was uns Menschen betrifft. Das ist jetzt, ich würde sagen, bestimmt schon zehn Jahre eigentlich mein Hauptthema. Wie ich darauf gekommen bin, kann ich dir jetzt gar nicht mehr so sagen. Ich glaube, das war ein allgemeines Nachdenken über Gesellschaft. Weniger aus der Literatur oder so, sondern mehr, ich glaube, mehr aus der Politik eigentlich, aus dem alltäglichen Geschehen.

Der kreative Prozess hinter “Fouloscopie”

Verena Feldbausch: Wie sieht denn dein kreativer Prozess aus, wenn du an einer Ausstellung wie dieser Ausstellung “Fouloscopie” arbeitest?

Véronique Verdet: Also gerade bei dieser Ausstellung hier, wo ganz früh klar war, dass ich sehr viel Raum zur Verfügung bekomme, war es mir wichtig, ein Ganzes zu bilden. Also ich hätte auch die Möglichkeit gehabt, eben weil ich so viel Platz habe, verschiedene Werke oder aus diversen Zeiten oder so zu zeigen. Aber mir war es wichtig, ein Ganzes zu bilden. Und ich wollte also einerseits diese Hauptarbeit, das ist also diese Rolle, diese Zeichnung, die ist zehn Meter lang. Und ja, das, was mich beschäftigt, ist wirklich da drin zu sehen. Also das ist Individualität, in dem jeder Punkt steht für sich. Das sind einfach Milliarden oder Millionen oder ich weiß nicht wie viele Punkte. Und sie bilden sich zusammen, sie treffen auseinander, sie wandern, sie bewegen sich. Ja, das ist also, damit habe ich angefangen für St. Wendel. Weil das war mir klar, ich wollte was Großes zeigen aus diesem Zyklus der Tusche-Zeichnungen. Also diese Rolle, die zeigt wirklich, was mir wichtig ist. Diese organisch, kann man sagen, weil die Rolle entwickelt sich, oder diese Zeichnung, Zeichnung entwickelt sich immer so ein bisschen wie Lebewesen. Also das fließt. Und wobei ich hier tatsächlich etwas mehr Muster gebildet habe als sonst. Also oft habe ich einfach laufen lassen sozusagen. Aber hier war es mir auch wichtig, mehr Muster zu bilden. Das kann man sehen, wenn man ganz nah dran geht, sieht man die Konstruktionen, engere, dichtere Kugeln oder dichtere Masse. Oder manche bilden sogar wie so blumenartige Muster.

Verena Feldbausch: Diese Zeichnung, genau. Also das war der Ausgangspunkt, weil ich habe zuerst mal auch an eine Landschaft eigentlich gedacht. Die heißt “Fouloscopie”, diese Zeichnung. Und da kommen wir eigentlich gerade jetzt auch zu dem Titel der Ausstellung zu sprechen. “Fouloscopie”. “Fouloscopie” heißt ja die Menschenmenge. Wieso hast du diesen Titel gewählt?

Véronique Verdet: “Fouloscopie”, da bin ich auch vor einigen Jahren darauf gestoßen, auf diesen Begriff, nachdem ich eine Sendung auf France Culture gehört hatte, mit dem Erfinder dieses Begriffs. Der heißt Musaïd. Das ist ein Wissenschaftler, Soziologe und so weiter. Und der untersucht insbesondere Massenphänomene. Wie benimmt sich die Masse zum Beispiel in Gefahrssituationen, welche Bewegungen entstehen oder wie benehmen sich Gruppen untereinander, miteinander. Und da hatte ich mich schon länger mit eben solchen Themen beschäftigt. Und ich habe ihn dann angeschrieben und gefragt, ob ich das Wort benutzen dürfte für einen neuen Zyklus. Damals habe ich nicht gewusst, dass ich ja zig Jahre später immer noch daran arbeiten würde. Und er war sehr, sehr nett. Also er ist ein Franzose, aber damals arbeitete er im Max-Planck-Institut in Berlin. Und ja, er hat mir also offiziell erlaubt, dieses Wort zu benutzen für meine Arbeit. Und das ist, das passt einfach für mich perfekt, weil es ist wirklich eine Untersuchung der Masse. Menschen, Masse, Menschenmengen. Und ich variiere das, wie man dann eben auch sieht hier mit den Figuren in 3D sozusagen dann die Mengen darstellen.

Gesellschaftliche Zusammenhänge und individuelle Perspektive

Verena Feldbausch: Und genau. Du stellst in deiner künstlerischen Praxis den Menschen in den Mittelpunkt. Welche Zusammenhänge in der Gesellschaft willst du damit herausstellen?

Véronique Verdet: Viele. Also einerseits eben diese Zusammengehörigkeit. Also wir sind ja alle gleich auf dem ersten Blick. Das ist mir immer ganz wichtig. Aber eben nur auf dem ersten Blick. Weil genau wie bei den Punkten ist das hier bei der Arbeit, bei der ich hier diese Figuren modelliert habe, sind sie auf dem ersten Blick auch homogen. Aber wenn ich näher hingehe und hinschaue, steht jede einzelne für sich. Also wir haben hier sowohl individuelle, aber auch eben zusammen. Und trotzdem driften da auch welche auseinander oder treffen zusammen oder so. Das ist für mich ein Sinnbild von uns Menschen. Also manchmal eben zusammen, manchmal nicht auf den ersten Blick gleich, aber nur auf den ersten. Das ist wie bei den Punkten eigentlich.

Verena Feldbausch: Ist der Titel für deine Installation hier in St. Wendel auch “Fouloscopie” oder ist das ein anderer Titel?

Véronique Verdet: Nein, die Arbeit hier mit den Figuren heißt “Emporté par la foule”.

Verena Feldbausch: Eine kleine Anmerkung: Emporté par la foule” bedeutet “Von der Menge mitgerissen”.

Véronique Verdet: Zu dieser Arbeit gehört ja die Installation “Emporté par la foule”.

Verena Feldbausch: Du hast ja auch wirklich thematisch richtig gut die Ausstellung zusammengebaut. Und daneben sind noch Zeichnungen zu sehen. Das ist auch wahrscheinlich Tusche auf Papier. Und da sind aber farbige Akzente auch drauf. Also die sehen auch fast wie Neonfarben aus. Diese, sind die mit dem Pinsel gemalt?

Véronique Verdet: Ja.

Verena Feldbausch: Das ist der eine Teil und dem anderen sind farbige Fähnchen.

Véronique Verdet: Genau. Also die Zeichnungen mit dem orangenen Farb-Akzenten, das habe ich extra für die Ausstellung jetzt hier gemacht. Die Farbe ist Tusche und ist mit einer Geste. Da wollte ich ein bisschen diese strenge schwarz-weiß doch unterbrechen. Weil diese Arbeit, also das Zeichnen der Fouloscopie, egal ob auf Rolle oder auf kleinere Formate, ist eine sehr genaue, pingelige, ein bisschen meditativ kann ja auch sein, Arbeit, die aber sehr viel Ruhe bedarf und die auch sehr viel Spaß macht eben in diese Ruhe und in diese Zeit. Da geht ja enorm viel Zeit drauf. Und das wollte ich brechen, auch für mich brechen, indem ich mit einer Geste eine Farbe so hineinbringe. Und dann habe ich drumherum meine Punkte platziert.

Verena Feldbausch: Also du hast mit der Geste angefangen und hast dann…

Véronique Verdet: Ja. Zuerst ein kleiner Versuch und dann habe ich gemerkt, oh ja, das gefällt mir, das gefällt mir einfach. Auch diese… Das hat was Lebendiges. Also für mich hat das dann direkt was Lebendiges, diese starke Geste. Und das fand ich ganz interessant. Und daraus ist eben dieser 10-teilige Zyklus entstanden. Und genau, und gegenüber haben wir Objektrahmen, relativ tief, ich glaube 5 cm. Und das sind also auch aus der Serie Fouloscopie. Und das sind für mich, weil manchmal spreche ich darüber auch von fiktiver Kartographie, würde ich sagen. Weil, wie du auch vorhin sagtest, man kann auch Landschaften drin sehen. Und die Idee hatte ich dann auch. Und dann dachte ich, wenn ich mit Fähnchen, also dreidimensionale Markierungsfähnchen arbeite, dann unterstütze ich diese Idee einer Karte, einer Landkarte. Kann aber auch ganz andere Assoziationen wecken. Also manche sehen dann direkt was Militärisches. Was nicht mein erster Gedanke war. Mein Gedanke war mehr Territorien, Grenzen, Karten. Aber auch interessant.

Gesellschaftliche Botschaften und Freiräume

Verena Feldbausch: Welche Botschaft oder welches Gefühl willst du den Besucherinnen hier in der Ausstellung in St. Wendel mitgeben? Oder ist dein Anliegen eher, den Betrachterinnen mit deiner Kunst gedankliche Freiräume zu öffnen, um gesellschaftliche oder politische Realitäten auch aus einem anderen Blickwinkel zu sehen?

Véronique Verdet: Eher so. Also das ist mir ganz wichtig. Und ich freue mich immer sehr, wenn Menschen mir dann erzählen, was sie sehen. Ich liefere meins ab dazu. Das ist auch diese Art, zum Beispiel diese zehn Meter lange Rolle zu machen, die über Monate natürlich Zeit gebraucht hat, ist auch irgendwo meine Art, mit all dem draußen fertig zu werden. Also das ist, da stecken Millionen von Gedanken von mir, aber sie sind meine. Und ich freue mich sehr, wenn Menschen eben, ja, selber irgendwas sehen und was ganz anderes als ich oder interpretieren und so. Aber ich möchte nicht so viel selber erklären. Ich habe es gern, wenn die Leute sich selber, wie du sagtest, Freiraum, ist mir sehr wichtig.

Künstlerische Einflüsse und Zukunftspläne

Verena Feldbausch: Gibt es Künstlerinnen oder Künstler, die dich in deiner Arbeit inspiriert haben oder Produktionen, die dich besonders prägen?

Véronique Verdet: Inspiriert weiß ich nicht, aber es gibt natürlich viele Künstler, die ich toll finde, Künstlerinnen. Als ich Kind war, hatte ich eine Offenbarung: Giacometti. Giacometti habe ich als Kind entdeckt, weil ich bin in Südfrankreich aufgewachsen und da haben wir das Riesenglück, die Fondation Maeght in der Nähe. Und tatsächlich, meine Mutter hat uns regelmäßig, meine Schwester und mich regelmäßig ins Museum oder in die Fondation und da sind eben diese unfassbar tolle Giacometti im Hof. Die werde ich nicht vergessen. Weißt du, das ist wie, also das hat mich als Kind wirklich, da sind auch Miros im Garten, die sind wunderschön. Also der Mondvogel ist da, den habe ich auch geliebt. Aber nicht so wie Giacometti. Und ich glaube, das ist bei mir wirklich hängen geblieben. Ich will auf keinen Fall mich vergleichen, ja. Aber weißt du, dieses Reduzieren, Reduzieren, Reduzieren und möglichst wenig. Das war meine erste große künstlerische Liebe. Und dann gibt es so viele. Und ich bin da auch, genauso wie ich ganz viele unterschiedliche Medien benutze, mag ich sehr unterschiedliche Leute, glaube ich. Das ist mir auch, da möchte ich mich nicht auf eine Schule festlegen. Und momentan, ich mag so gern der Celeste Boursier-Mougenot. Ich habe es nachgeschaut. Der Künstler heißt Celeste Boursier-Mougenot. Der war mal in Centre Pompidou in Metz und er ist jetzt in Paris, hat er wieder eine riesige Show mit dieser Arbeit, die wunderschön sind. Es sind so riesige Wasserbecken und da sind die Teller, die sich treffen. Das ist in der Bourse de Commerce von dem Pinault. Das ist wunderschön, dieses blaue Wasserbecken und weiße Keramik und allen. Die schwimmen da raus und ich glaube, die machen auch Geräusche. Er hat sie mal im Kleinen gezeigt, in Metz. Und das war, im Kleinen war es schon, ich bin stundenlang da gesessen. Und manche Leute finden das so Gimmick-Art, habe ich heute gelesen noch. Ich dachte so, ne, das ist mir zu streng. Also das finde ich auch nicht okay, das als Gimmick-Art herabzusetzen, weil ich finde, er macht eben mit so wenig Mittel. Es ist Wasser und Keramik – fertig. Und dann entstehen da auch und es bilden sich Gruppen und diese feinen Geräusche. Traumhaft. Wirklich wunderbar.

Verena Feldbausch: Was sind deine zukünftigen Projekte oder Themen, die du in deiner künstlerischen Arbeit noch erforschen möchtest?

Véronique Verdet: Tatsächlich habe ich Blut geleckt mit dem Video. Weil dieses Mal war es das erste Mal, dass ich das alles alleine gemacht habe. Also weil zum Beispiel bei den Kugeln hatte ich auch Hilfe bei der Montage. Und ich glaube, die nächste Zeit werde ich damit zusammen mit meiner eigenen Komposition schneiden, die wir hier in St. Wendel haben, ist ohne Ton. Aber ich glaube, ich werde ein bisschen in diese Richtung gehen und das Video selber vertonen. Da habe ich richtig Lust. Ich habe sowieso noch mal Lust, Sound zu machen. Weil das bedarf aber auch viel Zeit.

Also, wenn ich Sound mache, mache ich nur Sound. Weil das ist sehr, da musst du sehr konzentriert und so. Aber es macht Spaß. Also, Sound machen mache ich sehr gerne. Aber konkret ist erstmal ein Bundesrat. Und zwar am 3. Juli eröffnet im Bundesrat eine Ausstellung mit Armin Rohr, Malgorzata Sztremer und mir. Weil dieses Jahr hat ja die Saarland, also unsere Ministerpräsidentin Frau Rehlinger ist die Präsidentin des Bundesrates. Und jedes Land organisiert eine Ausstellung. Und sie wollte den Schwerpunkt auf das Weimarer Dreieck setzen, sprich Deutschland, Polen, Frankreich. Und deshalb hat Andreas Bayer uns drei angefragt und wir stellen also zusammen aus. Ich bin sehr gespannt.

Und nächstes Jahr noch malerweise dieses Projekt in der Schweiz. Also das war eine Ausschreibung für Künstler aus Deutschland und der Schweiz, die irgendwie einen Bezug zum Bodensee haben. Und dadurch, dass meine deutschen Großeltern am Bodensee gelebt haben, habe ich einen starken Bezug zu dieser Gegend. Und das ist eine Gegend, wo auch sehr viele Künstler gelebt haben während und nach dem Zweiten Weltkrieg. Also sprich, da ist schon viel Kunstaffinität dort. Dieser Verein will jetzt auch am Deutschen und Schweizer Ufer Arbeiten in freiem, Plastiken präsentieren. Da werde ich sehr wahrscheinlich auch mit Sound arbeiten. Aber momentan zeigt sich die Umsetzung als schwieriger als geplant. Und deshalb hoffe ich, dass es klappt.

Verena Feldbausch: Dann wünsche ich dir viel Glück dabei und ich bin sehr gespannt. Aber sag mal, dann habe ich dich vielleicht falsch vorgestellt. Du hast deutsche Großeltern. Also bist du Deutsch-Französin?

Véronique Verdet: Ja, also ich bin in Frankreich aufgewachsen. Meine Mutter ist Deutsche, meine Großeltern waren Deutsche. Und sie waren die Künstlerseite der Familie. Und meine französische Seite sind die Juristen und die Deutschen eben die Künstler. Und deshalb habe ich auch schon immer Kontakt zu Kunst und Künstlerdasein. Und Schwierigkeiten damit. Das ist in der Familie leider sehr bekannt. Aber momentan habe ich eine Ausstellung mit den Großeltern zusammen im Kunstmuseum Singen am Bodensee. Das ist eine richtig volle Werkschau von beiden Großeltern. Und ich habe einen kleinen Raum zur Verfügung bekommen als Gegenwart und Rast. Und da bin ich sehr glücklich. Ich war sehr skeptisch. Mein Großvater hieß Walter Herzger. Und der war Bauhausschüler. Der hat im Bauhaus studiert. Bei Klee zum Beispiel. Und meine Großmutter hieß Gertraud von Harlessem und sie war Burg Giebichenstein-Studentin gewesen. Und sie wohnten damals in Bremen. Und wegen des Krieges ist sie dann zum Bodensee hingezogen, weil dort lebten bereits Künstler und Künstlerinnen auf der Höri. Und dann sind sie nach dem Krieg da geblieben.

Verena Feldbausch: Und wie heißt die Ausstellung nochmal? Dass wir das kurz auch noch erinnern.

Véronique Verdet: Also die Ausstellung von den Großeltern heißt “Die Kunst des Einfachen” und mein Part heißt “Massen, Grenzen und Territorien”. Im Kunstmuseum Singen bis Ende August mein Part und die Großeltern etwas länger. Und vor allem, es hat mich sehr, sehr gefreut, weil meine Großmutter, das ist klassische, tragische Geschichte. Ihr Mann wanted nicht, dass sie auch Kunst macht. Wollte einfach nicht. Und sie dachte, er sei sowieso viel besser. Und eine Zeit lang hat sie für den Lebensunterhalt der Familie gesorgt. Und konnte nicht mehr arbeiten. Und er hat nicht mehr künstlerisch gearbeitet. Und irgendwann, als sich die Lage gebessert war, war kurz, er war eine Zeit lang Prof in Karlsruhe. Dann ging es ein bisschen besser. Aber sie hat halt zig Jahre nicht weiter arbeiten können.

Verena Feldbausch: Nicht künstlerisch gearbeitet, ja. Sondern hat eigentlich für die Familie gesorgt. Und Familie finanziert.

Véronique Verdet: Unglaublich. Und sie war nicht die Einzige. Da war also, wie gesagt, auf der Höri lebten zum Beispiel Dix lebte auch da und Erich Heckel. Also eine große Künstlerkolonie. Und da war auch ein anderer, ich weiß den Namen gerade nicht. Und das war das Gleiche. Die Frau war Künstlerin, der Mann auch. Aber sie ist zusammen mit meiner Großmutter, sind sie jeden Tag in die Schweiz in die Nähmaschinenfabrik und haben am Fließband gearbeitet oder in die Konservenfabrik oder was weiß ich.

Verena Feldbausch: Zum Glück ändert sich das ein bisschen. Und eben sehr schön, dass diese Ausstellung mit den Großeltern zusammen auch ist. Also das finde ich ja eine tolle Sache auch.

Véronique Verdet: So vor Jahren in diesem kleinen Hermann-Hesse-Museum. Das war auch eine schöne Sache. Und zwar die Großeltern hatten, während des Dritten Reiches, waren sie erstmal zusammen nach Italien geflüchtet sozusagen. Und haben dort gearbeitet zusammen. Da hat er noch keine Probleme damit, der Großvater. Und sie hatten gemeinsam geführte Tagebücher. Mit Aquarellen, Zeichnungen, Texten. Wunderschön. Wirklich wunderschön, dass in bestimmt vier Bänder existieren. Und daraus wurde die Ausstellung gemacht. Die Kuratorin hatte damals so, wie sagt man das, Reproduktionen. Und ich hatte da zwei kleine Räume für meine Arbeit. Und das war auch schon spannend. Aber dieses Mal ist das was anderes. Weil dieses Mal wurde eben die Arbeit meiner Großmutter sehr gewürdigt. Und sehr schön gezeigt.

Verena Feldbausch: Zum Glück ist die auch noch so erhalten. Also ich meine, während des Krieges wurde viel zerstört. Und es wurde nicht richtig konserviert oder so. Ja, es ist immer ein Glück, wenn das doch erhalten wird. Vielen Dank, Véronique. Sehr schönes Gespräch.

Véronique Verdet: Ich hab zu danken.

Verena Feldbausch: Das war ein Einblick in die faszinierende Welt von Véronique Verdets Kunst. Wir haben nicht nur über die Ausstellung “Fouloscopie” im Museum Sankt Wendel gesprochen, sondern ich fand es auch sehr spannend zu erfahren, wie sie die Welt sieht, welche Perspektiven sie uns durch ihre Kunst zeigt, aus welcher Künstlerfamilie sie stammt und was ihre Zukunftspläne sind. Es lohnt sich auf jeden Fall der Weg ins Museum nach Sankt Wendel. Die Ausstellung von Véronique ist noch bis zum 6. Juli zu sehen.

Vielen Dank, dass ihr heute eingeschaltet habt. Ich freue mich auf die nächste Folge von art talk SaarLorLux. Bis dahin, eure Verena Feldbausch. Dir hat art talk gefallen? Dann hinterlasse 5 Sterne und empfehle uns deinen Freund*innen. Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Shownotes und in unserem Blog. Sei wieder dabei, wenn es heißt: Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

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Der Beitrag #26 art talk – Véronique Verdet über ihre Auststellung “Fouloscopie” erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#25 art talk – Cone The Weird

Verena — Fri, 23 May 2025 02:50:08 +0000

Cone The Weird

Cone The Weird gehört zu den herausragenden Figuren der zeitgenössischen urbanen Kunstszene in Deutschland. Geboren 1979 in München, entwickelte Cone The Weird, a.k.a. Colin Kaesekamp, schon früh ein Interesse an Graffiti, Comics und der bildenden Kunst. Aus dieser Schnittstelle zwischen Straße und Atelier erwuchs sein ganz eigener, unverkennbarer Stil: surreal, ironisch, technisch präzise – und stets mit einer Prise Abgründigkeit versehen. Cone The Weird zeigt in seiner ersten Einzelausstellung seit 2017 mit dem Titel SAMPLES Arbeiten auf Papier, Leinwand und eine Wandmalerei. Die Ausstellung ist bis 29. Juni im Institut für aktuelle Kunst in Saarlouis zu sehen.

Photo Credits:

1, 2, 7 by Leonie Stark @leoniesinas for @institut_aktuelle_kunst
3.,6,8,9,10,11 Cone The Weird @conetheweird
4, 12 VF @arttrailervf

Künstlerporträt: Cone The Weird – Die surreale Welt des Colin Kaesekamp

Name: Colin Kaesekamp
Künstlername: Cone The Weird
Geburtsjahr:1979
Geburtsort: München
Wohnort: Saarbrücken
Kollektiv: The Weird

Ein Künstler zwischen Welten

Colin Kaesekamp, besser bekannt unter seinem Pseudonym Cone The Weird, gehört zu den herausragenden Figuren der zeitgenössischen urbanen Kunstszene in Deutschland. Geboren 1979 in München, entwickelte Cone schon früh ein Interesse an Graffiti, Comics und der bildenden Kunst. Aus dieser Schnittstelle zwischen Straße und Atelier erwuchs sein ganz eigener, unverkennbarer Stil: surreal, ironisch, technisch präzise – und stets mit einer Prise Abgründigkeit versehen.

Stil und Themen

Cone The Weird ist ein Geschichtenerzähler. Seine Arbeiten – ob Wandbilder, Illustrationen oder Leinwände – zeigen oft bizarre, karikaturhafte Figuren in absurden, aber zugleich tiefsinnigen Szenarien. Sein Stil ist geprägt von einer starken zeichnerischen Linie, lebendigen Farbkontrasten und einer surrealen Bildsprache, die an Comics, Dystopien und Traumlandschaften erinnert.

Thematisch oszilliert Cone zwischen Gesellschaftskritik, schwarzem Humor und introspektiver Symbolik. Seine Werke werfen Fragen nach Identität, Maskierung, Urbanität und Entfremdung auf – oft verpackt in groteske Gestalten mit tierischen oder mechanischen Attributen.

The Weird – Ein Kollektiv mit Kultstatus

Cone ist Gründungsmitglied des renommierten Künstlerkollektivs The Weird, das aus einer Gruppe von illustrativen Urban Artists aus Deutschland und Österreich besteht. Zu den Mitgliedern zählen unter anderem Künstler wie Low Bros, DXTR, Nychos oder Look. Gemeinsam vereinen sie detailverliebte Ästhetik mit Street-Art-Wurzeln und einem Hang zum Skurrilen.

Innerhalb des Kollektivs nimmt Cone eine besondere Rolle ein: Seine klaren Konturen und seine erzählerische Bildführung heben sich ab, ohne sich aus dem gemeinschaftlichen Stilgefüge zu lösen. Oft entstehen dabei großformatige Wandarbeiten, bei denen jeder Künstler seine individuelle Handschrift in ein kollektives Ganzes einbringt.

Ausstellungen und Arbeiten

Cone The Weird hat international ausgestellt, seine Murals zieren Wände in zahlreichen Städten Europas, darunter Berlin, Hamburg, Wien und Barcelona. Neben der Arbeit im öffentlichen Raum ist Cone auch in Galerien präsent – sei es mit Mixed-Media-Werken, Zeichnungen oder limitierten Kunstdrucken.

Darüber hinaus arbeitet er als Illustrator und Grafikdesigner. Seine Auftragsarbeiten umfassen unter anderem Plattencover, Festivalplakate und Buchillustrationen – stets mit seiner markanten, surrealen Handschrift.

Fazit

Colin Kaesekamp alias Cone The Weird steht exemplarisch für eine Generation von Urban Artists, die Graffiti und Street Art aus der Subkultur in den Kanon zeitgenössischer Kunst geführt haben. Mit feinem Strich, scharfsinnigem Humor und einem sicheren Gespür für Komposition schafft er Welten, in denen das Absurde Alltag ist – und der Alltag absurd. Seine Kunst ist eine Einladung zum Staunen, Innehalten und Hinterfragen – mitten im urbanen Rausch.

Weiterführende Links

Website von Cone The Weird: https://www.conetheweird.de/
Instagram: https://www.instagram.com/conetheweird/
Facebook: https://www.facebook.com/theweirdcone/

Hier das ganze Interview mit Cone The Weird zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk. Wir sind heute in Saarlouis und zwar im Institut für Aktuelle Kunst und wir freuen uns auf die Ausstellung von Cone The Weird. Die Ausstellung trägt den Titel Samples. Was es genau bedeutet, das werden wir gleich erfahren. Ich wünsche euch viel Spaß beim Zuhören. Eure Verena Feldbausch.

Ich freue mich sehr, Colin Kaesekamp zu begrüßen. Hallo Colin.

Colin Kaesekamp: Hallo.

Der Künstlername “Cone The Weird”

Verena Feldbausch: Dein Künstlername ist “Cone the Weird”. Wie kam es dazu?

Colin Kaesekamp: “Cone” ist eigentlich mein Sprühername, den ich seit… also ich habe mit 13 zum Sprühen angefangen, war 93, also schon eine Weile her. Und ja, wie es dann so ist, man verändert sich, man denkt vielleicht immer wieder über Namenwechsel nach, aber das ist dann nicht passiert. “The Weird” ist der Name von einem Künstlerkollektiv, wo ich einer von zehn Mitgliedern bin. Und irgendwann habe ich das so zusammengeschmolzen als einen Künstlernamen, weil Korn auch relativ generisch ist. Hat auch ein bisschen damit zu tun, wenn man gesucht wird oder auch Cone und Graffiti eingibt, also es gibt sicher einige Korns auf der Welt in dem Graffiti-Bereich. Oder man hat eben, ja, bei der Bildersuche, ganz doof, haufenweise Eiscreme abgebildet oder Joints, das ist auch gerne mal, genau. Und “Korn the Weird” ist sehr unmissverständlich und man weiß, worum es geht oder um wen es sich handelt.

Verena Feldbausch: Deine Ausstellung heißt “Samples”. Das bedeutet “Muster, Proben, Beispiele”. So würde ich das übersetzen oder wie würdest du das übersetzen?

Colin Kaesekamp: Ich bin ein sehr musikaffiner Mensch, auch schon immer gewesen und deswegen ist “Samples” für mich eigentlich eher – also die Übersetzung ist korrekt. Ich beziehe mich da aber eher auf die Samples aus der Musik. Also gerade in der Hip-Hop-Kultur spielt ja eine große Rolle, die ihr im Prinzip auf Samples aufbaut. Das heißt eben auch, das Sampling, sprich Versatzstücke von existierenden Musikstücken werden genommen, nochmal verändert oder in veränderter Weise eingesetzt, um Neues zu kreieren. Und dieses Prinzip ist was, das ich hier auch eigentlich in meinen Arbeiten oft anwende. Daher kam tatsächlich Andreas Bayer vom Institut mit dem Namen für die Ausstellung. Eigentlich sehr einleuchtend, aber kurz, knackig, hat gepasst.

Verena Feldbausch: Schön. Die Ausstellung hier im Institut für aktuelle Kunst in Saarlouis ist deine erste Einzelausstellung seit 2017.

Die Wandmalerei

Verena Feldbausch: Wir sehen Zeichnungen auf Papier, auf Leinwand und auch diese Wandmalerei. Worum geht es dir? Also sollen wir vielleicht erstmal zur Wandmalerei gehen?

Colin Kaesekamp: Ja, die Wandmalerei, die ist quasi eine Sammlung an Samples, wenn man so möchte, also Elemente, die immer wieder in meinen Bildern auftauchen. Wer meine Arbeiten verfolgt, weiß, dass ich eben aus der Graffiti-Kultur komme, trotzdem aber auch in anderen Designdisziplinen tätig war und auch im illustrativen Bereich. Hier eben auf dieser Wandmalerei sind eben verschiedene Elemente, die sich auf diversen Bildern hier im Raum finden, die auch über diverse Jahre entstanden sind. Und die Ausstellung hier kam ja eigentlich über die Anfrage des Instituts, mich mit meiner Arbeit im Archiv hier aufzunehmen. Das ist natürlich auch ehrt und ich stark finde und mich sehr darüber gefreut habe, weil das eben auch für Künstler mit meinem Hintergrund hier ungewöhnlich ist, in Adressen und Häusern wie hier eben vertreten zu sein. Und dann kam dazu eben noch die Anfrage mit der Ausstellung. Und dann dachte ich eben, die Wand wird mit Sicherheit eben, weil sie auch hier im Eingang ist, ein Blickfang sein, nicht zuletzt eben von Positionierung und dem Format selbst. Dann wäre es eigentlich auch nur logisch, eben so eine Auswahl dieser Samples auch hier als Bildmotiv zu verwenden. Und das auch in der Zeichnungstechnik, sprich bedeutet für mich eigentlich immer farbig reduziert, in dem Fall eben ähnlich wie bei einer Zeichnung, einfach ein Zeichenmedium, eine Farbe und dann statt dem Träger Papier oder Leinwand hier die Wand selbst.

Verena Feldbausch: Hier noch ein kurzer Hinweis, alle Arbeiten, über die wir hier sprechen, findet ihr als Abbildung in meinem Blog art talk Salon.

Das visuelle Universum

Verena Feldbausch: Gut, dann kommen wir jetzt erstmal zu den frühen Sachen oder den Sachen, die ich kenne. Also dein visuelles Universum ist ja geprägt auch durch die Figur. Ich denke jetzt an 2017, an die Arbeit in dem Urban Art Parcours in Saarbrücken, in der Futterstraße, da in der Nähe von dem Kino Camera Zwo. Und da gibt es, also außer den zwei Figuren, viele Linien, Schraffuren, sehr viele Details. Und typisch für deine Arbeit in dieser Zeit ist ja der Verzicht auf Farbe. Ich denke, es ist so schwarz auf grau, dunkelgrau. Und ich glaube, es sind noch so ein bisschen silberne Streifen…

Colin Kaesekamp: Weiße. Also weißen Streifen.

Verena Feldbausch: Also ähnlich wie bei diesen beiden Leinwänden hier. Sind die auch aus dieser Zeit?

Colin Kaesekamp: Die sind auch aus der Zeit, ja. Also ich glaube, eine ist ein Jahr später entstanden.

Die Faszination für das Figürliche

Verena Feldbausch: Genau. Und was fasziniert dich eigentlich an diesem Figürlichen?

Colin Kaesekamp: Also ich glaube, das Figürliche kommt einfach generell auch aus, ja, über eine Zeit vorm Graffiti, weil ich einfach als Kind schon Zugang einfach zu Büchern, Bildbänden, aber auch genauso Comics hatte. Also das heißt – plus Schallplattensammlungen-, also da gab es eben auch dieses Visuelle, eben selber gerne Comics geguckt, weil ich eben noch nicht lesen konnte. Oder in diesen Bildbändern von meinem Vater zum Beispiel, der hatte dann viele Bücher über Hochkulturen. Ob es jetzt aus dem Mittelalter war oder die alten Ägypter, ob es jetzt über Kleidung oder, weiß nicht, vielleicht auch Architektur oder generell kulturelle Bildwelten. Oder, kann mich auch noch erinnern, das war so von meinem Großvater, glaube ich, ein Überbleibsel aus der Nachkriegszeit, da gab es in Butterpackungen illustrierte Kärtchen, kleine, die dann auch oft biblische Motive hatten, aber auch mitunter sehr verstörende, eine Hexenverbrennung zum Beispiel.
Und als Kind ist das sehr speziell auf jeden Fall.Und als ich mit dem Graffiti angefangen habe, war es so, dass mich einerseits schon die Schriftzüge auch interessiert hatten, allerdings eben auch das Figürliche. Also ich wollte unbedingt beides können. Und da gab es eben auch ein paar Künstler, die beides gut beherrscht haben. Und dann mit der Zeit ist es so, dass ich dann auch mit dem, wie soll man sagen, was ich gesprüht habe, immer das mehr hinterfragt habe, weil ich eben nicht der klassische Graffiti-Bomber war, also illegal rausgegangen ist, auf Quantität gezielt hat, um den Namen einfach groß wohin zu schreiben, sondern einfach, ja, vielleicht komplexere Bildmotive machen wollte oder eben die Figur für mich auch stärker im Vordergrund stand, weil das nichts ist, was für nur einen eingeschworenen Kreis dechiffrierbar ist, sondern wirklich alle Menschen gleichermaßen ansprechen kann.
Ob jetzt Kinder, Rentner, alles dazwischen, ob eben, ja mittlerweile schon Berührungen da waren mit Graffiti und Graffiti-Kultur oder eben nicht. Das Figürliche ist einfach klarer lesbar. Und das mit dem körperlichen oder dann eben auch dieser Reihe an Selbstportraits, die passiert sind, kam dann eigentlich auch wieder, sag ich mal so, als gerade so in den Anfang 2000ern so Street-Art auch ein Begriff wurde, also neben der Graffiti-Kultur, wo auch figürliche Motive stärker einen Platz gefunden haben, dass sehr oft so ein Signature-Character oder eine Signature-Grafik verwendet worden. Ähnlich eigentlich wie bei Tags im Graffiti oder dem Namen, der immer wiederholt wird, eben auch ein Motiv oder Abwandlungen des Motivs, das immer wieder auftaucht und eben auch da wieder Kraft der Serie dazu verhilft, dass Leute darauf aufmerksam werden und sich das vielleicht sogar merken.

Einflüsse und Inspirationen

Verena Feldbausch: Was mir noch auffällt, ist dieser Stempel. Das kenne ich von japanischen Künstlern, dass die auch so mit Stempeln arbeiten.

Colin Kaesekamp: Das hat tatsächlich auch damit zu tun. Ich habe tatsächlich auch Stempel geschenkt bekommen, auch von Künstlern aus Hongkong beispielsweise. Ich traue mich aber nicht so ganz, auch wenn die quasi meine Namen in chinesischen Schriftzeichen mir quasi als Stempel geschenkt haben. Ich muss gestehen, ich trau mich nicht ganz, weil ich halt selbst nicht aus dem Kulturkreis komme, das dann so selbstverständlich einzusetzen. Und ich glaube eben auch, das war dann so ein, ja, rumprobieren einfach, wie oder in welcher Form man die Unterschrift bringt. Und ich muss gestehen, bis heute habe ich da nicht eine einhandliche Serie. Ab und zu sind es Graffiti-Tags, die ich nach wie vor noch mache, oder ich schreibe den Namen in Druckbuchstaben aus, oder mache das so stempelartig, wie hier auf der Leinwand arbeiten. Hast du hier auch unterzeichnet auf der Wand?
Nee, da habe ich es nicht erwähnt. Ab und zu unterschreibe ich auch gar nicht. Ich hoffe, dass die Arbeit an sich markant genug ist, um auch eindeutig zugewiesen werden zu können.

Verena Feldbausch: Auf jeden Fall. Du hast eine sehr außergewöhnliche und eigenständige Bildsprache entwickelt, die man gut wiedererkennt. Sie erinnert an Comics und fantastische Illustrationen. Ich denke auch an das Mad-Heft, ehrlich gesagt, wenn ich manches hier sehe. Du verbindest eben die Elemente von Graphic Novel und Graffiti in deiner Arbeit. Welche Graphic Novel begeistert dich heutzutage?
Inspirationen aus Comics und Graphic Novels

Colin Kaesekamp: Boah, da gibt es so viele. Also das Ding ist halt auch, ich finde diese Kategorisierung generell ein bisschen albern. Also es hat immer so diese Wertung so zwischen Graphic Novel ist eben kulturell wertvoll, inhaltlich ernster zu nehmen als jetzt der ordinäre Comic, den man am Bahnhof bekommen kann. Also beides hat tonnenweise Beispiele von wirklich grandioser Arbeit oder auch ziemlichem Schund. In der Kunst generell ist das der Fall und ich bewege mich ja auch in einem Feld… Also ja, also ich bin mir nicht zu schade, Graffiti dazuzuschreiben, bin auch in einem Graffiti-Umfeld oft tätig. Genauso ab und zu schreibe ich dann Urban Art dahinter oder bin eben in einem Urban Art Kontext zu sehen oder wie jetzt hier vielleicht fast generell im Kunstkontext, auf deine Frage zurückzukommen. Ich mag ebenso dieses Spektrum, du hast dieses Mad-Heft erwähnt, das haben tatsächlich als, ja, Kind und Jugendlicher gelesen und auch eine Weile gesammelt. Also, das hat bestimmt Spuren hinterlassen. Mein Vater hatte Comics ebenso aus der Underground-Bewegung aus den USA, also Robert Crumb ist ja ein sehr berühmter Vertreter. Die Heavy-Metal-Comics, die kam ein bisschen später dazu. Ich glaube auch viel sind gar nicht die Comics selber, sondern eher so Comicartiges, was auch in der Video-Spielkultur beispielsweise zu sehen ist. Und es wurden natürlich auch im Graffiti immer wieder Comicfiguren entweder selbst kreiert oder eben zitiert. Wie einem jetzt spontan einfällt, so einer der Künstler, die so in den Graphic Novel Bereich zugewiesen sind, ist aus Belgien, Brecht Evans. Das ist ein Künstler, der hat es mir sehr angetan, den habe ich eine Weile intensiv verfolgt. Aber ich kenne auch Klassiker wie “Ghost World” oder “Mouse” natürlich auch.

Verena Feldbausch: Wir schreiben dann die Links in die Shownotes. Dann kann man sich das auch mal anschauen.

Colin Kaesekamp: Gerne.

Graffiti-Wurzeln und Vorbilder

Verena Feldbausch: Du hast es schon gesagt, du hast mit 13 mit Sprayen angefangen. Das ist schon ganz schön früh.

Colin Kaesekamp: Das stimmt.

Verena Feldbausch: Bist du oft erwischt worden?

Colin Kaesekamp: Tatsächlich beim Sprühen selber gar nicht. Bei anderem Unfug schon eher. Aber ich muss auch gestehen, ich habe auch illegal gemalt, aber es hielt sich in Grenzen. Weil mir auch sehr früh zum einen bewusst geworden ist, dass ja, also ich bin nur mit meiner Mutter aufgewachsen, dass die quasi für meinen Schmarrn haftet. Und zum anderen muss ich auch gestehen, dass ich, auch wenn die Aktionen erfolgreich waren, oft von meinen Motiven weniger begeistert war. Und es hat dann so diese Euphorie, dass man eben was geschafft hat, wieder so einen Dämpfer gegeben. Und ich habe mich einfach orientiert an Vorbildern, die alle qualitativ wirklich starke Arbeiten gemacht haben, aber eben auch oder vornehmlich in einem legalen Kontext. Ich wusste einfach auch, ich gehöre einfach nicht zu denen, die richtig schnell in der Arbeit sind und auch vielleicht eben zu komplex dann denken und arbeiten. Und irgendwann muss man sich ja dann auch eingestehen. Also wem muss man was beweisen, wenn nicht sich selbst.

Verena Feldbausch: Und welche Graffiti-Künstler sind deine Vorbilder oder welche bewunderst du an Graffiti-Künstlern?

Colin Kaesekamp: Also, da ich ja aus München komme und München wirklich sehr früh eine Riesenpalette an internationalen Künstlern hatte. Also da kann man schon allen voran auch Loomit nennen. Das ist ein Sprüher der ersten Generation aus Europa, der eben auch in München gelebt und gewirkt hat und der sehr, sehr früh halt auch das Netzwerken stark praktiziert hat. Das hat dann dazu geführt, dass auch vor Zeiten des Internets und entsprechend dann eben so, ja, Kommunikationskanäle, er wirklich Leute nicht nur besucht hat, sondern die auch eingeladen hat nach München. Es gab den alten Flughafen München-Riehm, der auch eine der ersten Adressen war, wo wirklich große Murals zu sehen waren, also auch wirklich schon Anfang der 90er Jahre und dann eben dadurch auch Maler wie Monto in London bzw. in Paris lebend, oder ich glaube mittlerweile in Berlin sogar.
Auf jeden Fall auch so ein anderer Europäer der ersten Generation, der auch ein schönes Beispiel dafür ist, für jemanden, der sehr gut im Style-Writing war, sehr gut im Character-Painting war und vor allem aber auch den ich nicht zuletzt über Plattencover wieder kennengelernt hatte. Er hat dann eben auch oft für Hip-Hop-Jams, also Konzertveranstaltungen, wo dann eben auch nicht nur die Musik, sondern eben auch der Breakdance, der Tanz oder das DJing oder eben auch Graffiti als visuelle Kunstform vertreten war in Form von Bildern, die tagsüber gemalt wurden, die dann vielleicht als Bühnendekorationen gedient haben. Und aber eben auch sehr erfolgreiches Brüderpaar aus Brasilien, Os Gemeos, die ja auch wirklich so zu den erfolgreichsten Künstlern eben aus dem Graffiti-Kontext eben so stammen. Die waren zum Beispiel auch schon sehr früh da vertreten. Und ja One und Cowboy, das war so ein Duo. One war eben auch ein sehr überdurchschnittlich guter Künstler, der auch von der Akademie sehr früh schon großes Lob und Aufmerksamkeit bekommen hat, der bis heute in allen Sprühern zumindest ein Begriff sein dürfte. Also man war schon wirklich reich an, ja, von, wie soll man sagen, so lokalen, aber eben auch so überregionalen deutschen oder internationalen Künstlern gut an Input versorgt. Deswegen war das schon eine tolle Zeit auch in München bei uns.

Neue Arbeiten und Zukunftsperspektiven

Verena Feldbausch: Wir gehen vielleicht gerade mal zu den Plattencovern.

Colin Kaesekamp: Ja, also es ist auch, würde ich sagen, ein spezielles Stück der Ausstellung, die vielleicht auch thematisch, also für mich sehr wichtig war, hier zu zeigen. Bisschen aus dem Rahmen fällt, weil es so gesehen die einzige mehrfarbige Arbeit ist, die hier zu sehen ist, die aber eben gerade für mich so eine Schlüsselszene in meinen Arbeiten spielt, weil die eigentlich, fast so wie das Sonnentor, das man auf der Rückseite sieht, eben auch so ein Scheidepunkt war von den Arbeiten bis dahin, eben diese Schwarz-Weiß-Arbeiten oder die grauen Serien, wo dann eben auch diese eine Figur zentral immer eine Rolle gespielt hat und dann hin zu stärker zerteilten, in Sequenzen gezeigten Teilmotiven, die dann fast collagenartig eigentlich immer wieder verwendet werden. Hier war es auch so, das ist Nummer drei aus einer Trilogie an Alben von einem Musiker, der instrumentalen Hip-Hop macht. Für den hatte ich schon Teil zwei als Albumcover gestaltet und für ihn war klar, okay Teil drei ist der Abschluss dieser Trilogie, die schon eben auch gut für Aufsehen in seinem künstlerischen Schaffen gesorgt hat und er wollte einfach, dass das auch wirklich mit einem Paukenschlag aufhört.
Für mich war das dann einfach auch Herausforderung, das Ganze visuell zu zeigen. Dann hat er mir ein Bild gezeigt von einem Voodoo-Priester quasi, der eben auch bei einem Ritualtanz zu sehen ist. Und der hat es ihm irgendwie angetan und hat gefragt, ob wir eben darauf das Bild aufbauen können. Und ich habe versucht, auch eben so seine Musik, die sich auch noch den Samples bedient hat, aber eben für ihn auch so ein Abschluss dieser Sample-Zeit war, sondern mehr zu Eigenkompositionen hin, eben auch einem eigenen Label, das eben als Wave Planet eben dieses Planetare, dieses Kosmische, vielleicht eben auch dieses Sphärische, was Synthesizer-Sounds, die Einzug gefunden haben in seiner Arbeit, dass das auch visualisiert wird. Deswegen sieht man auf der Vorderseite eigentlich diese Szene von einem Priester, könnte man sagen, oder Medizinmann.
Ich wollte das jetzt auch nicht eindeutig einem Kulturkreis zuweisen, ähnlich wie auch sein Sampling oder Sampling Historien im Hip Hop oft funktioniert. Also es gibt immer so auch dort Epochen. Anfangs waren es mehr Soul, Funk, Jazz aus den USA. Später gab es dann eine Welle, wo sehr viel aus Brasilien gesampelt wurde oder südamerikanische Musik generell. Afrobeat hat dann eben auch so seine Zeit gefunden. Und deswegen ist es eigentlich ähnlich wie bei Mad Max, dass man Versatzstücke, Details von Elementen aus verschiedenen Kulturkreisen sieht. Also man sieht hier was, was eigentlich eher eine Bomberjacke sein könnte oder ein Flanell-T-Shirt, Caps, wie ich heute eins trage. Aber genauso sieht man alte Trommeln oder eben diese Bauzäune oder diese Masken, die dann tatsächlich eher auf einen südamerikanischen Kulturkreis weisen. Ähnlich wie hier diese baumwollähnlichen Pflanzen oder Rauchwerke, die vielleicht eher auf einen asiatischen Kulturkreis hindeuten können. Und die Rückseite, da ging es mir eigentlich nur darum, dass man eben, wenn man schon so dieses Kosmische und Spirituelle und eben auch so dieses Rituelle aufmacht, da gibt es ja meistens einen Hintergrund dazu. Und da hatte ich dann ein bisschen damit gespielt, da auch wieder diese Erfahrung aus der Vergangenheit, wenn man sich lange mit einem Album auseinandersetzt, viel Zeit hat, es kennt beispielsweise auch über die Albumlänge von einer Stunde vielleicht immer wieder guckt, immer wieder hört, immer wieder sieht, auch Details erkennt.
Das ist quasi auch hier mit kosmischer Geometrie, mit Daten, die eben beispielsweise Konstellationen, Magnetfelder von Planeten, aber auch genauso Schlüssel sind oder alte Instrumente aus verschiedenen Epochen, aus verschiedenen Kulturkreisen, die hauptsächlich Europa, die dazu genutzt wurden, um beispielsweise den Stand oder die Umlaufbahnen von Mond, von Planeten generell im Sonnensystem nachzuweisen oder eben auch speziell rituelle Orte hat, wie eben hier dieses peruanische Sonnentor, wo es dann zweimal im Jahr, wenn man durch dieses Tor sieht, wenn man eine Linie ziehen würde, ins Universum und dann an einem speziellen Planeten herauskommt, was meistens mit der Sommer oder Wintersonnenwende zu tun hat. Und derlei Dinge waren für mich einfach noch als Rückseite oder als Hintergrund zu diesem Medizinmann, zu diesem Priester, um dem Ganzen quasi auch noch mehr Raum zu geben, um selber zu träumen und Welten zu entdecken.

Verena Feldbausch: Sehr schön, vielen Dank.

Die Symbolik der Treppen

Verena Feldbausch: Architektur, genauer gesagt Treppen, kommen ja auch immer wieder in deinen Arbeiten vor. Ich habe da mal an MC Escher gedacht, diese Labyrinth der Treppen und auch der Karte von Ausstellung ist ja auch so eine Leiter drauf mit zwei zerbrochenen Stufen und innen geht so eine Treppe irgendwie ins Nichts. Man weiß nicht genau, wohin sie führt. Man kann diese Drucke erwerben, dieser Treppe, hier im Institut, für den Wahnsinnspreis von 120 Euro. Das ist nochmal der kleine Werbeblock. Woher kommt diese Faszination mit den Treppen?

Colin Kaesekamp: Ich habe in meinen Bildern, wie soll man sagen, so eben diese Samples, die jetzt hier im Kontext der Ausstellung genannt, ich habe generell Elemente, Symbole, mit denen ich immer wieder arbeite. Die Treppe ist eine davon. Was, glaube ich, alle oder viele dieser Symbole, die ich benutze, so gemeinsam haben, ist, dass die eine gewisse Dualität mit sich bringen, also quasi auch die Lesart oder Lesweise, Interpretationsweise eben auch der Schlüssel sind. Denn erst mal sind die eine neutrale Sache, jetzt hier eigentlich was vom Mensch erschaffenes, von Mensch genutztes. Trotzdem ist es ja was Unorganisches. Also da gibt es schon so eine Dualität oder starken Kontrast. Zeitgleich mag ich eben auch, dass es nicht eindeutig ist, eben was dazu führt, eben wo hoch oder eben wo runter zu gehen. Und beispielsweise auch über eine Meditationstechnik kenne ich das so, dass man sich quasi auch selbst aussuchen kann, ob ich quasi die Treppe hoch oder die Treppe runter letztendlich auf eine andere Ebene mich bewege.
Und im Zuge dessen ist das einfach für mich so, wie soll man sagen, so wie ein Bauelement, das ich eigentlich immer wieder verwende, mit dem ich vielleicht verschiedene Sachen ausdrücke, wo letztendlich es gar nicht um diesen Gegenstand Treppe selbst geht, sondern eigentlich eher in welchem Kontext der genutzt wird.
Für das Motiv jetzt, was ja auch hier so ein tragendes Motiv ist für die Ausstellung, ist es ja so, dass es eben dieses Buch gibt. In diesem Buch, wenn sich’s öffnet, kann man Welten entdecken. Man braucht einen Einstieg dazu, die Leiter lehnt dran, die ersten Sprossen, die du gesagt hast, die sind auch schon zerbrochen. Das heißt so ganz einfach ist der Einstieg doppelt nicht, weil man jetzt eben nicht nur die Leiter nutzen muss, um eigentlich zur Treppe zu kommen, um eigentlich in das Buch eben einzutauchen und dann eben diese Welt oder das Wissen zu entdecken oder was auch immer man dort findet. Man weiß nicht, ist es ein Abtauchen, ist es eben was, was positiv, was negativ ist. Und ich habe den Eindruck, dass es, oder was ich damit sagen wollte, dass diese ersten Schritte, die sind generell oft was Schwieriges im Leben, die oft eine Hürde darstellen. Wenn man die letztendlich geschafft haben, dann heißt das auch nicht, dass es immer zu was Gutem führt. Aber letztendlich hat es das Potenzial, uns einfach an einen anderen Punkt zu bringen und vielleicht sogar einen, an dem wir wachsen können.

Verena Feldbausch: Ja, sehr schön.

Farbe in neueren Arbeiten

Verena Feldbausch: In den neueren Arbeiten seit 2020 ist Farbe eingezogen in deine Bildwelten. Wie kam es jetzt dazu?

Colin Kaesekamp: Vielleicht sage ich kurz, wie es überhaupt dazu kam, dass ich so viel Fokus auf Schwarz-Weiß hatte. Ich hatte nämlich auch so in den 2000ern, würde man sagen so ungefähr Mitte 2000er, einerseits ebenso, ich hatte vorher für Filmfirmen gearbeitet, hab Kommunikationsdesign studiert, hab auch im Designbereich gearbeitet, hab das Sprühen, aber auch so während des Studiums eigentlich immer nur so, wie soll man sagen, nicht geheim gehalten, aber jetzt auch nicht groß publik gemacht. Also ich bin selber Wände malen gegangen, war eingeladen, auch in anderen Ländern, um dort zu malen, aber das war nie die Absicht, das auch beruflich irgendwie zu verfolgen.
Und es ist trotzdem mehr und mehr gewachsen. Ich war aber eben gerade so Mitte der 2000er an einem Punkt, wo ich irgendwie das Gefühl hatte, ich muss was verändern oder wollte gerne nochmal wie den Neustart machen, was eigentlich, ja, ich glaube, alle, die künstlerisch arbeiten, ich eben mir die Aufgabe gegeben, okay, ich gehe einfach nochmal zurück zum Skizzenhaften. Ich nehme alles weg an Effekten.
Also ich benutze nur noch schwarze Farbe auf hellem Untergrund, auch beim Sprühen von Wänden, was damals eher untypisch war. Und eben verzichte eigentlich auch auf weiche Übergänge, auf Lichteffekte und dergleichen. Und arbeite quasi an der Essenz, damals hauptsächlich eben an der Essenz vom Charakterdesign und an dem Figürlichen und an der Komposition selbst. Und ja, das ist dann eben auch letztendlich zum Markenzeichen von mir geworden. Und wie es dann so ist, man macht eine Sache recht lange und sieht sich dann hier und da vielleicht auch satt oder kommt dann irgendwie an ein Limit oder auch das ist eine Art, die jetzt auch natürlich öfters benutzt wird, wo ich natürlich ja keineswegs eine Patent drauf habe. Aber ja, jetzt habe ich das, weiß ich gar nicht, glaube fast 20 Jahre gemacht. Und es hat sich jetzt gerade so mit der Tristesse, die über die Corona-Jahre und Lockdowns kam, einfach nur als ein sinnvoller Folgeschluss für mich irgendwie so angefühlt, wieder mehr in Richtung Farbe zu gehen. Was nicht heißt, dass ich komplett mit meiner erarbeiteten visuellen Welt oder inhaltlichen eben brechen werde, aber einfach auch trotzdem neue Dinge ausprobieren.

Verena Feldbausch: Also Farbe bedeutet auch, auf farbige Untergründe zu malen oder eben mit dieser farbigen Tinte?

Colin Kaesekamp: Auch, das ist so quasi der Kompromiss oder ein leichter Schritt, der erste. Das mit der farbigen Tinte hat eigentlich auch eher so den Hintergrund tatsächlich im Comic oder damals, ich hatte eben, weil ich gesagt habe, im Filmbereich als Storyboard Artist, Concept Artist und gerade im Comic kennt man das auch oft, dass man die Vorzeichnung nicht mit Bleistift macht, sondern eigentlich häufig mit einem, quasi mit einem Bleistift, allerdings mit farbiger Mine. Und weil der Bleistift, das Grau, quasi auch in dem Schwarz der Tusche vorkommt, das heißt dann eigentlich beim digitalen Weiterverarbeiten lösche ich die Farbe raus, greife ich den Schwarzton nicht an, habe ich meine Vorzeichnung im Grau, sprich in einem leichten Schwarz, greife ich quasi auch beim Rauskeyen mein Schwarz von meinem Inking an. Das möchte man in der Regel nicht. So kam das quasi ein bisschen.
Die Vasen “Valentine I und II”

Verena Feldbausch: Ich würde ganz gerne mal zu den Vasen da hinten gehen. Die sind mir nämlich bei der Ausstellungseröffnung aufgefallen, mit dem Titel “Valentine I und Valentine II”. Wie sind die entstanden?

Colin Kaesekamp: Witzigerweise sind beide, also in einem Abstand von einem Jahr, entstanden. Beide für Ausstellungen in Paris. Beide sind am 14. Februar fertiggestellt worden, daher auch namensgebend. Und das war einerseits ein Wunsch, so ein bisschen eine Variante von einem klassischen Stillleben zu machen, wirklich Vase, Blumen, Pflanzen, Dinge, Obst, die da rumstehen. Und zeitgleich auch das Thema Liebe und Sexualität in einer Art zu illustrieren oder darzustellen, die jetzt nicht so ganz typisch ist, die ein bisschen anders ist. Oder vielleicht ist es auch für manche gar nicht so offensichtlich wie sexuell oder romantisch in puncto Liebe das Ganze konnotiert ist. Also der Aufbau ist klassisch eines Stilllebens mit einer Zentralperspektive, mit einer Vase in der Mitte, aus der Pflanzen oder Pflanzenartiges herausquillt.
Darum herum finden sich eben auch wieder Teile wie Bruchstücke von Vasen oder eben nicht Weintrauben, sondern eigentlich eine ganze Reihe an Augen, beispielsweise auf dem einen oder diese halbierten Bananen, die auch da sind. Bei dem anderen Bild findet man ähnliche Elemente. Was ja dann auch oft wieder hier zu sehen ist.
Also ich beziehe mich mit dem ein Jahr später folgenden Bild auf das davor entstandene. Das ist ja auch was, wozu einerseits das Prinzip des Samplens sich auch bezieht. Also man nutzt etwas immer wieder, man arbeitet damit, schafft Variationen. Und so gibt es ja auch eine Reihe von Bildern, wo es oft Teil 1, Teil 2, vielleicht Teil 3 gibt. Aber eben auch Motive nochmal neu interpretiert und leicht verändert dargestellt werden.
Fundstücke und Surrealismus

Verena Feldbausch: Danke. Dann wollte ich auf diese Arbeiten noch eingehen. Das sind recht neue Arbeiten. Also was ist dann der Untergrund?

Colin Kaesekamp: Das sind von Güterzügen Lieferscheine, wenn man so möchte, die an den Zügen selbst montiert sind. Vielleicht auch nochmal so ein Zitat, eine große Hommage an Zeiten des Graffiti und des Zugmalens.

Verena Feldbausch: Also das ist jetzt wie so eine Pistole, sieht das aus, so eine geschmolzene. Und da sind halt verschiedene Elemente, die du auch wahrscheinlich immer wieder verwendest, oder?

Colin Kaesekamp: Genau, also auch da wieder unterschiedliche Symbole. Hier die Wecker quasi, die ja ohne Ziffernblatt da sind. Und diese Pfeile, die so spaghettiartig verknotet eben rauswachsen. Das ist auf jeden Fall so ein wiederkehrendes Motiv. Und dann natürlich auch, was da eben gerade in den letzten Jahren mehr stattgefunden hat. So dieses Zerstückeln oder dieses gerade Zerschneiden, diese starken Kanten, die diesen Organischen gegenüberstehen, die dann vielleicht eben auch nochmal so an diese Panels in Comics, an diese Ausschnitte eben erinnern mögen. Und hier natürlich auch von diesem Layout, dieser Lieferscheine und all diesen Feldern und Kästchen, die entstehen. Da hat das, fand ich, eine sehr schöne Arbeit gegeben. Und auch hier vielleicht nochmal, weil du ja diesen Stempel vorhin angesprochen hast, hier dann tatsächlich nochmal auch ähnlich, weil man das im Asiatischen ja auch oft findet, eben so diese Kalligrafie-Papiere, wo dann dieser eine rote Signaturstempel ist, da dann quasi auch hier vorne, als Signatur sozusagen, auf der Rückseite ist es dann doch auch handsigniert.

Verena Feldbausch: Gibt es denn noch andere Ereignisse aus der Kunstgeschichte? Also wenn ich diesen Wecker ohne Ziffernblatt sehe, dann denke ich an Dali oder so was.

Colin Kaesekamp: Ich muss gestehen, das ist auch da sehr eindeutig und sehr klischeehaft. Also mit Sicherheit hat der Surrealismus seine Spuren hinterlassen. Gerade Dali-Bilder, weiß ich, hatten wir auch in dem Haus, in dem ich groß geworden bin. Die hingen im Flur die Treppe lang, also wirklich über zwei Stockwerke eine ganze Reihe. Auch da waren es dann einfach Buchbände und letztendlich auch nicht selten Museumsbesuche, die in München wieder zugeschaut haben.
Allerdings wirklich hauptsächlich so klassische Malerei, also wirklich Renaissance. Ich würde sagen, alles ab dem Mittelalter, bis in die Moderne. Weniger, ich glaube, dann wirklich tatsächlich so Kubismus, Pointismus, dann schon weniger. Kandinsky zum Beispiel fand ich ganz schlimm, eine ganze Weile. Aber das ist ja auch, manchmal braucht man einfach eine Weile oder Geschmäcker verändern sich, bis man da was findet. Oder auch hier, MC Escher, hast Du gerade vorhin angesprochen, den hatte ich dann eher über die Schulzeit kennengelernt, aber war wie so viele auch davon fasziniert. Und vielleicht hat das mit den Treppen auch auf jeden Fall da so seine Spuren her. Aber wir es ja auch hier gesehen haben, wir hatten eben ein anderes Element wie die Pille, die ich eine Weile benutzt hatte.
Das ist ja dann eben auch was Ähnliches. Also per se ist das jetzt erstmal nichts nur Positives oder eindeutig Negatives. Es hat natürlich immer so die Dosis, die das Gift macht oder halt eben auch so, wozu der Mensch das benutzt. Ist das jetzt eben so die Droge für meinen Spaß oder brauche ich das zur Bewusstseinserweiterung? Ist das ein Ritual, das ich möchte? Missbrauche ich diese Droge vielleicht oder nutze ich die als Medizin zur Heilung? Ist die was Positives? Und natürlich dieses klischeeartige Darstellen dieser länglichen Pille mit dem 2-teiligen Körper, der dann noch unterschiedlich gefärbt ist, deutet da natürlich auch noch mal drauf hin. Also auch bei den Treppen ist es ja so, dass es eigentlich immer die Stufen, quasi immer von oben, quasi das Lichtbestimmende ist, das Positive. Dann hat man das Vertikale, was entweder das Neutralere oder tatsächlich das Dunkle, das Negative quasi gibt.

Zukunftspläne

Verena Feldbausch: Du bist 1979 in München geboren und kamst durch dein Studium visuelles Kommunikationsdesign an die Saar. Du hast an der hiesigen Hochschule der Bildenden Künste studiert und hast dann die Agentur “Büro Stabil” in Saarbrücken mitgegründet. 2022 bis 2024 warst du Gastprofessor an der HBK Saar. Wie geht es weiter? Was sind deine kommenden Projekte und woran arbeitest du zurzeit?

Colin Kaesekamp: Im Augenblick erstelle ich gerade ein Konzept für eine Bemalung einer Konzerthalle. Allerdings bin ich da jetzt nicht allein als Künstler eingeladen, ich habe aber jetzt auch bei der Künstlervermittlung quasi mitgearbeitet. Das ist eine Sache. Dann ist auch die Wandmalsaison, die beginnt für dieses Jahr. Also ich werde jetzt nächste Woche an den Ammersee fahren, da eine Auftragsarbeit machen. Dann beginnen eigentlich schon die Festivals. Also nach Frankreich geht es dieses Jahr ein paar Mal. Nach Polen zum ersten Mal, was mich sehr freut, weil ich schon ganz lange Polen gerne besuchen wollte. Das ist nämlich auch so verrückt. Ich weiß nicht, wie es den Hörerinnen und Hörern so geht, aber ich war viel zu wenig im Osten.
Und eigentlich ist es ja auch eine Schande, weil es ja genauso Nachbarland ist wie Österreich, Frankreich oder die anderen. Genau, deswegen darauf freue ich mich auch sehr. Da ist es ein Graffiti-Meeting, für das ich auch die Kommunikation mache, also die ganze Bebilderung, die Poster, Einladungen etc. Dann bin ich mit zwei Künstlern, einem Luxemburger und einem Berliner Künstler, an einer Ausstellungsreihe am Arbeiten. Das wird auch im Juli anfangen. Also es gibt auf jeden Fall viel zu tun. Und jetzt nach der Professur, was wirklich eine tolle und sehr spezielle Wirklichkeit war, es war ja auch nicht von vornherein klar, dass das sich über zwei Jahre fast immer strecken würde, war für mich klasse, um einfach wirklich die Arbeit auch nochmal aus einer anderen Perspektive kennenzulernen. Ich habe schon mein ganzes Erwachsenenleben immer wieder Workshops oder Masterclasses gegeben.
Aber wir haben jetzt auch gezeigt, dass die Arbeit eben auch so in der Lehre, was ich mir sehr gut vorstellen kann, was ich, glaube ich, auch zumindest nach dem Feedback der Kolleginnen und Kollegen und vor allem aber auch der Studierenden sagen darf, mir auch liegt ein Stück weit. Also vielleicht ist das etwas, was ich in Zukunft noch mal ein bisschen mehr suchen möchte. Aber jetzt auch nach den zwei Jahren habe ich auch nichts dagegen, mich mal wieder ein bisschen mehr um meine Kunst kümmern zu können.

Verena Feldbausch: Ja, sehr schön. Vielen Dank.

Colin Kaesekamp: Ja, vielleicht einfach, weil wir gerade mit dem Thema aufgehört haben. Also es ist mir wirklich eine Freude und Ehre gewesen, diese Gastprofessur machen zu können. Und genauso auch jetzt hier eben in dem Institut, also in das Archiv, in das Lexikon mit aufgenommen zu werden und jetzt natürlich auch ausstellen zu können. Und auch da in beiden Fällen, das ist was, was ich jetzt nicht als selbstverständlich sehe, weil einfach eben Leute, die aus einer Subkultur kommen, eben auch vielleicht nicht so selbstverständlich den Zugang haben. Das ist vielleicht auch was, was ja dieses oft ein bisschen belächelte, dieses kleine Bundesland, Saarland, aber dann in dem Fall auch ermöglicht hat, in meinem Fall. Und ich hoffe, dass das ein Türöffner auch für andere Künstlerinnen und Künstler ist, eben vielleicht auch aus dem Comic-Bereich oder eben erweiterten Graffiti, Urban Art Bereich, Street Art Bereich, wie man auch immer das nennen will. Und so Gott will, findet das tatsächlich eines Tages ernsthaft Einzug in die Hochschulen. Verdient wäre es, glaube ich, an der Zeit wäre es auch allemal. Vielleicht auch da als Beispiel von der Musik. Hat’s mich auch irritiert, ja Jazz hat Einzug gewonnen, aber es ist so viel passiert, was einfach auch hochgradig komplex, hochgradig toll ist, hochgradig berührend ist, dass das auf jeden Fall auch auf breiteren Bühnen stattfinden dürfte. Und ja, dafür sage ich mal in den Äther raus, Dankeschön und danke dir auch für das Interview und die Einladung.

Verena Feldbausch: Sehr gerne. Wie immer findet ihr die Bilder der besprochenen Arbeiten in meinem Blog und alle anderen Informationen in den Show Notes. Ja, ich hoffe, euch hat’s auch so viel Spaß gemacht und freue mich, wenn ihr beim nächsten Mal wieder dabei seid. Vielen Dank fürs Zuhören und bis bald, eure Verena Feldbausch.

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Der Beitrag #25 art talk – Cone The Weird erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#24 art talk – Armin Rohr

Verena — Fri, 21 Mar 2025 03:53:10 +0000

Zur Ausstellung von Armin Rohr

Die Städtische Galerie Neunkirchen gibt die Bühne frei für Armin Rohr (*1961). Er zeigt neue, rätselhafte Bildwelten in einer umfassenden Einzelausstellung mit dem Titel „Aller Vergeblichkeit zum Trotz singe ich weiter mein Lied. Über Anomalien, Zufälle und Wahrscheinlichkeiten.“ vom 14. März bis 18. Mai 2025.

Im Zentrum steht die menschliche Figur, die er in mehrdeutige oder schwer deutbare Beziehung zu ihrer Umgebung setzt. Zeichnerisch festgehalten und vielfach variiert in Skizzen erscheinen wie für Handyfotos posierende Figuren in skurrilen oder banalen Alltags-, Urlaubs- und Familienszenen. Auch in seiner neuen Porträt-Serie konterkariert er die Selfie-Kultur und die allgegenwärtige digitale Transformation des Bildes. Mit dem motivischen Repertoire aus TV-Krimis arbeitet der Künstler in der Werkgruppe „Wald-Orte“: Absperrbänder markieren einzelne Waldbereiche wie Tatorte, gesichtslose Figuren in Schutzanzügen durchforsten das Gelände und suchen nach Unbekanntem. Vereinzelte „Indizien“ in bunten Landschaftsszenerien deuten auf mysteriöse Zusammenhänge hin, Hintergründe aber bleiben im Dunkeln.

Das erzählerische Potential der Arbeiten von Armin Rohr erscheint unerschöpflich, doch sie sind weit entfernt vom Illustrativen. Denn die dort erzählten Geschichten entziehen sich letztlich dem Betrachter.

Quelle: Nicole Nix-Hauck, Ausstellungskatalog Städtische Galerie Neunkirchen

Mehr Informationen, den Podcast, ein Portät des Künstlers Armin Rohr und das gesamte Interview zum Nachlesen, findet ihr weiter unten.

Foto Credits:

– Bild 2 bis 29: Armin Rohr
– Bild 1 und 30: Verena Feldbausch

Künstlerportrait Armin Rohr

Armin Rohr, geboren 1961 in Hemsbach über Weinheim, lebt und arbeitet seit seiner Kindheit im Saarland. Seine künstlerische Ausbildung begann er mit einem Designstudium an der Fachhochschule des Saarlandes, das er 1988 mit dem Diplom als Designer abschloss. Anschließend studierte er von 1994 bis 1998 Freie Malerei an der Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBKsaar) und war dort Meisterschüler bei Prof. Bodo Baumgarten.

Seit 2003 unterrichtet Rohr als Lehrbeauftragter für Zeichnen an der HBKsaar. Sein Atelier befindet sich im Kulturzentrum am EuroBahnhof in Saarbrücken. Im Laufe seiner Karriere erhielt er mehrere Auszeichnungen, darunter das Förderstipendium der Landeshauptstadt Saarbrücken (1996), den Saar-Lor-Lux-Kunstpreis der Stadt Ottweiler (1997) und ein Arbeitsstipendium an der Cité Internationale des Arts in Paris (2002). Institut für aktuelle Kunst:

Armin Rohr ist ein zeitgenössischer Künstler, der in verschiedenen Kunstbereichen tätig ist, insbesondere in der Malerei und Bildhauerei. Geboren in Deutschland, hat er sich durch seine außergewöhnlichen Werke einen Namen gemacht, die oft eine Mischung aus Abstraktion und figürlicher Darstellung zeigen. Rohr ist für seine einzigartige Fähigkeit bekannt, mit Farben und Formen zu experimentieren und tiefere emotionale und philosophische Themen zu erforschen.

Künstlerischer Werdegang und Stil

Rohr hat sein Studium in den Bereichen Kunst und Design an renommierten Institutionen absolviert und sich dabei besonders auf abstrakte und expressionistische Kunstformen konzentriert. In seinen Arbeiten verarbeitet er oft gesellschaftliche, persönliche und politische Themen, wobei er sich nicht scheut, auch schwierige oder kontroverse Themen anzusprechen. Seine Werke zeichnen sich durch kraftvolle Farben, dynamische Kompositionen und eine starke emotionale Wirkung aus.

Ein wichtiger Aspekt von Rohrs Kunst ist seine Fähigkeit, mit verschiedenen Materialien und Techniken zu arbeiten, was ihn zu einem vielseitigen Künstler macht. Neben Gemälden und Skulpturen hat er auch Installationen und interaktive Kunstprojekte geschaffen, die den Betrachter einladen, in die Arbeit einzutauchen und eine persönliche Verbindung dazu aufzubauen.

Einflüsse und Inspirationen

Rohr wird oft von verschiedenen Strömungen der modernen Kunst beeinflusst, darunter der Expressionismus, insbesondere die deutschen Expressionisten, sowie das deutsche Informel, die ihn stark geprägt haben.   Dabei orientiert er sich an klassischen Künstlern wie Edvard Munch, Paul Gauguin und Franz Marc, die zur klassischen Moderne gehören, aber auch an Meistern der Barockzeit wie Vermeer und Velázquez. Zudem inspiriert ihn die experimentelle Herangehensweise zeitgenössischer Künstler.  Seine Werke spiegeln oft die Spannungen und Widersprüche der heutigen Gesellschaft wider und zeigen eine tiefe Auseinandersetzung mit Themen wie Identität, Freiheit und den menschlichen Zustand.

Ausstellungen und Anerkennung

Armin Rohr hat in verschiedenen Galerien und Museen sowohl in Deutschland als auch international ausgestellt. Seine Arbeiten haben immer wieder große Aufmerksamkeit erregt, sowohl bei Kunstkritikern als auch bei Kunstsammlern. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit engagiert er sich auch in der Förderung der Kunstszene und unterstützt junge, aufstrebende Künstler.

Rohrs Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen präsentiert, sowohl im öffentlichen Raum als auch in Galerien und Museen. Ein aktuelles Beispiel ist seine Einzelausstellung “Aller Vergeblichkeit zum Trotz singe ich weiter mein Lied. Über Anomalien, Zufälle & Wahrscheinlichkeiten”, die vom 14. März bis zum 18. Mai 2025 in der Städtischen Galerie Neunkirchen im KULT.Kulturzentrum stattfindet.

Fazit

Armin Rohr ist ein Künstler, dessen Werke durch ihre emotionale Tiefe und experimentelle Herangehensweise an Technik und Material bestechen. Durch die Verbindung von Abstraktion und figürlicher Darstellung fordert er den Betrachter heraus und eröffnet neue Perspektiven auf die Welt. Seine Arbeiten sind ein faszinierendes Spiel aus Form, Farbe und Bedeutung, das stets zu neuen Interpretationen einlädt.

Weitergehende Informationen:

– Website von Armin Rohr: https://art.arminrohr.de
– Armin Rohr auf Instagram: https://www.instagram.com/armin.rohr/
– Hochschule der bildenden Künste Saar (HBKsaar): https://www.hbksaar.de/personen/details/rohr
– Institut für aktuelle Kunst: https://institut-aktuelle-kunst.de/kuenstlerlexikon/rohr-armin

Das gesamte Interview mit Armin Rohr zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk, unser Kunst-Podcast für SaarLorLux. Heute sind wir in der Städtischen Galerie Neunkirchen in der Ausstellung von Armin Rohr mit dem Titel “Aller Vergeblichkeit zum Trotz singe ich weiter mein Lied über Anomalien, Zufälle und Wahrscheinlichkeiten”. Zu sehen sind großformatige Gemälde sowie Zeichnungen und Aquarelle, die seit 2019 entstanden sind.

Die Fotos der besprochenen Werke sind wie immer auf meinem Blog zu sehen. Ihr könnt unseren Podcast auf dem Podcatcher eurer Wahl hören und auch hier vor Ort in Neunkirchen in der Städtischen Galerie, denn es gibt einen QR-Code, über den ihr direkt auf das Gespräch mit Armin Rohr Zugriff habt. Diese Folge von art talk wurde gefördert vom Ministerium für Bildung und Kultur des Saarlandes. Herzlichen Dank dafür.

Ich freue mich jetzt sehr auf die exklusive Führung durch den Künstler Armin Rohr persönlich und wünsche euch viel Spaß beim Zuhören. Eure Verena Feldbausch.

Hallo Armin und herzlich willkommen zu art talk. Zuerst möchte ich dich kurz vorstellen oder auf deine Vita eingehen. Also du bist geboren in Hemsbach, das ist in der Nähe von Mannheim. Du hast von 1983 bis 1988 Design studiert, wobei du die Grundlehre bei Professor Oskar Holweck absolviert hast.

Dann hast du dein Fachstudium in Design bei Professor Diethard Adt, Heinrich Popp und Robert Sessler gemacht. Und schließlich 1994 bis 1998 hast du bei Professor Bodo Baumgarten Malerei studiert. Und bist dann auch 1998 zum Meisterschüler ernannt worden bei Bodo Baumgarten. Du lebst und arbeitest in Saarbrücken.
Was hast du zwischen 1988 und 1994 gemacht und was hat dich damals, also in den frühen 90er Jahren bewogen, den Weg des Künstlers einzuschlagen?

Armin Rohr über seinen Werdegang

Armin Rohr: Ja, grundsätzlich war es so, dass ich während dieses Grafikdesignstudiums in der Fachhochschule schon gemerkt habe, dass das eigentlich überhaupt nicht mein Weg ist. Ich habe während des Studiums zwar schon als Grafiker gearbeitet, hatte eigene Kunden mit einem Freund zusammen und war aber dann relativ schnell, also ich war mir relativ schnell sicher, dass das nicht mein Lebensweg ist, beziehungsweise dass ich das nicht bis ans Ende meiner Tage machen möchte.

Weil ich einfach in der Zeichnung bzw. auch in der Malerei für mich viel mehr Ausdrucksmöglichkeiten gefüllt und gesehen habe. Beziehungsweise, wenn ich als Grafiker arbeite, bin ich Dienstleister. Das heißt, es kommt jemand zu mir, hat ein bestimmtes Anliegen und ich muss versuchen, in Gesprächen mit dem Kunden auf die Wünsche einzugehen und dann irgendwas zu machen, was ich normalerweise gar nicht machen würde.

Es war eine kreative Geschichte, aber letztendlich habe ich mich einfach eher in dieser freien Kunst gesehen, freie Malereien, freie Zeichnung, was ich damals auch schon sehr viel gemacht habe. Ich bin nach Stuttgart gegangen, weil ich eigentlich an der Akademie Kunst studieren wollte, an der Stuttgarter, beziehungsweise auch in Karlsruhe.

Hürden auf dem Weg zur Kunst

Ich habe mich also an unterschiedlichen Akademien nach dem ersten Studium beworben und wurde zwei, drei, vier Mal abgelehnt. Die Begründung war, wir brauchen hier junge, formbare Menschen. Sie haben ja schon ein Diplom, machen Sie doch Ihr Ding und die Zeichnungen sind ja okay, was brauchen Sie noch, ein Kunststudium.

Und dann habe ich ein paar Jahre in Stuttgart erst einmal als freier Grafiker gearbeitet, um Geld zu verdienen. Aber auf der anderen Seite habe ich versucht, Kontakte zu kriegen zu Künstlern, Künstlerinnen. Ich habe versucht auszustellen, was mir dann auch gelungen ist in kleineren Zusammenhängen.

Im Kunstverein Ludwigsburg, da war ich auch Mitglied, habe dann zwei, dreimal eine Mitgliederausstellung mitgemacht und bin dann wieder umgezogen nach Saarbrücken, um in Saarbrücken dann irgendwann 1994 wieder beim Kunststudium anzufangen. Da hat es dann geklappt.

Verena Feldbausch: Ja, okay, das ist ja schön. Also ich meine, deshalb bist du nach Saarbrücken zurückgekehrt. Genau.
Die Städtische Galerie Neunkirchen zeigt eine umfassende Werkschau deiner neuen Arbeiten, die seit 2019 entstanden sind, sowohl Gemälde als auch Zeichnungen und Aquarelle. Bevor wir jetzt zu den einzelnen Positionen kommen, würde ich ganz gerne nochmal erfahren, was es mit dem Titel der Aufstellung auf sich hat.

Also der Titel heißt ja, aller Vergeblichkeit zum Trotz singe ich weiter mein Lied. Was meinst du damit?

Armin Rohr: Ich habe ja in den letzten Jahren öfter mal kleinere Aufstellungen gemacht, auch außerhalb des Saarlandes. Und irgendwann hat sich das so eingependelt mit den Titeln, dass sie immer was mit mir zu tun hatten, mit meiner Befindlichkeit, mit dem ich mich so gerade als Maler zur aktuellen gesellschaftlichen oder politischen Situation verhalte.

Manchmal waren es auch wirklich eher so biografische Geschichten. Und das hat sich einfach im Laufe der Zeit so eingependelt. Ganz zu Anfang, als ich noch studiert habe, da waren die Titel einfach, was weiß ich, Malerei und Zeichnung. Und das macht man ja eigentlich alles gar nicht mehr.

Und da ich gelegentlich auch immer mal wieder Texte schreibe oder auch kleinere Bemerkungen auf meiner Webseite, die viel mit dem zu tun haben, wie ich denke, wie ich über Malerei oder Zeichnung denke oder überhaupt über die große weite Welt, hat sich das dann irgendwann mal so ergeben. Und auch über diesen Titel jetzt in Neunkirchen habe ich lange nachgedacht.

Und jetzt ist halt die Situation in unserer Welt oder in der Gesellschaft momentan so, wie sie eben ist. Wir kennen das ja alles, ob das jetzt anfängt bei Umweltproblemen oder auch die politische Situation, der Krieg in der Ukraine. Das heißt, das sind viele Dinge, mit denen ich mich auseinandersetze, die mich natürlich auch irgendwo prägen oder beeinflussen, ohne dass es jetzt direkt in meine Malerei einfließt, beziehungsweise ich will mich damit auch malerisch nicht direkt auseinandersetzen.

Ich bin kein politischer Künstler in dem Sinne. Aber trotzdem macht das ja irgendwas mit mir als Mensch und Maler oder Zeichner. Und aller Vergeblichkeit zum Trotz, es gab ungefähr 50 Variationen mit unterschiedlichen Wörtern, Zusammenstellungen.

Die Bedeutung des Titels 

Aller Vergeblichkeit zum Trotz ist auch die Frage, warum machst du das überhaupt noch in dieser Zeit? Warum malst du? Warum gehst du jeden Tag ins Atelier, fängst immer wieder an? Aber irgendwas treibt mich an. Das ist ja fast eine Obsession. Und deswegen zum Trotz und dann auch die Geschichte mit Anomalien, Zufällen und Wahrscheinlichkeiten.

Das ist natürlich auch so, was wir versuchen als Menschen permanent, unser Leben zu takten, zu strukturieren. Und es darf nichts dazwischen kommen. Und wir machen täglich die Erfahrung, egal wie das Leben getaktet ist, egal in welchen Berufen wir arbeiten, es kommt immer irgendetwas, was dir den Tag auseinander haut, was dir eine Arbeit irgendwo, was dir die Arbeit unterbricht.

Du kannst dich nicht hundertprozentig immer auf das konzentrieren, was du gerne hättest, weil es rappelt ein Telefon, es passiert irgendwas. Das ist die Anomalie, mit der wir zu kämpfen haben. Vor drei, vier, fünf Jahren war es eben normal, dass wir mit Frieden leben und plötzlich ist der Krieg, was eine Anomalie war, für uns täglich.

Also es umgeht uns täglich. Das heißt also, wir haben täglich mit Anomalien zu tun. Und Zufälle ist einmal das, was ich als Künstler natürlich immer wieder in meinen Arbeiten mit einbeziehe. Das geht los bei Aquarellen, wo vieles passiert, was nicht steuerbar ist. Und ich arbeite unheimlich gern mit dem Zufall.
Und auch in meiner Malerei ist es oft so, dass ich zwar eine Vorstellung habe von einem Bild, aber während der Malerei entwickelt sich dann etwas über einen Gedanken oder über irgendwas, was ich gelesen habe an diesem Tag, was mich dazu bewegt, in dem Bild etwas einzusetzen, was ich vielleicht zehn Minuten vorher noch gar nicht gewusst habe. So viel zum Zufall.

Und das schließt natürlich auch die Frage der Wahrscheinlichkeit ein. Insofern hat das alles… der lange Rede kurzer Sinn. Nee, es ist ja nicht kurz, der Titel ist wirklich lang.

Verena Feldbausch: Genau, auch vielen Dank, weil das ist sehr, sehr erhellend jetzt gewesen für mich. Dieses eine Zitat von dir habe ich auch in dem Katalog gelesen, der jetzt hier zu deiner Ausstellung rausgekommen ist, über den Zufall.

“Zufall spielt eine große Rolle, hat er mir doch die schönsten und erstaunlichsten Blätter von leichter Hand dahin gezaubert.” Das fand ich sehr schön. “Ich verdanke ihm sehr viel.”

Armin Rohr: Ja gut, es gibt ja auch Kollegen, die den Zufall möglichst versuchen auszuschließen, wo man wirklich sieht, dass da sehr planvoll vorgegangen, also in der Arbeit vorgegangen wird. Und das hat eigentlich nie mir entsprochen.

Ich war eher sehr… das war der andere Ausstellungstitel vor zwei, drei Jahren in Burbach, “Ich meändere durch die Welt”. Das hat einerseits was mit mir zu tun, wie ich die Welt wahrnehme, in der Welt spazieren gehe, andererseits aber auch was mit meiner Arbeit zu tun, wo ich auch sehr verschlungene Wege gehe und auch sehr unterschiedliche Ansätze in der Arbeit verfolge.

Verena Feldbausch: Ja, okay, gut. Du zeigst sowohl großformatige Gemälde, das Format ist meistens 1,50 mal 2 Meter, in Acryl und Öl auf Leinwand, aber auch Zeichnungen und Aquarelle in kleinerem Format.

Wenn wir in die Ausstellung kommen, dann stehen wir eigentlich direkt vor diesen großformatigen Arbeiten und die sind teils mit Figuren, aber auch teils mit Gegenständen bestückt. Das sind die sogenannten Wald-Orte. Fast alle deine Bilder heißen, glaube ich, ohne Titel.

Ich möchte jetzt direkt zu dem ersten Bild kommen, das man sieht, wenn man in die Ausstellung kommt. Das erste große Bild, das heißt “ohne Titel” in Klammern “das letzte Bild” und ist 2025 entstanden. Warum nennst du das alles ohne Titel?

Titelphilosophie

Armin Rohr: Das ergab sich irgendwann mal vor langer, langer Zeit, als ich noch phasenweise ungegenständlich gearbeitet habe. Und ich von Bild zu Bild sehr lange und viele Arbeiten gemalt und gezeichnet habe und zunächst mal mir gar keine Gedanken darüber gemacht habe, was könnte ich jetzt überhaupt diesen Arbeiten für oder diesen Serien für übergeordnete Themen, Bildüberschriften oder Bildunterschriften geben.

Und dann habe ich auch gemerkt, dass jetzt gerade in dieser Phase der Titel nicht unbedingt viel bringt, weil ja jeder in so ungegenständlichen Arbeiten sieht, was er sehen will. Aber es gab dann doch Titel, wo ich gemerkt habe, es gibt Arbeiten, da zieht sich entweder eine bestimmte Farbe durch oder eine bestimmte Struktur.

Oder ich habe dann an einem bestimmten Tag in der Zeitung oder in einem Buch irgendwas gelesen, was mich durchaus irgendwo, wo ich eine Assoziation hatte zu einem der gemalten und gegenständlichen Bilder. Und dann fing ich an, den Titel in Klammern zu setzen, weil ich das Gefühl hatte, wenn jetzt irgendwann jemand in 100 Jahren so ein Bild sieht, muss ja nicht unbedingt der Titel dabei stehen.

Der Titel ist hilfreich oder auch mal ein Kontrast zu dem Bild, aber nicht unbedingt wesentlich mit dem Bild verbunden in dieser abstrakten Zeit, in dieser ungegenständlichen Zeit. Aber das hat sich dann auch in diesen gegenständlichen, figürlichen Arbeiten so fortgesetzt.

Es gibt durchaus Ausstellungen, wo ich für Bilder, die ich schon mal gezeigt habe, für ein Bild, was ich in der Vergangenheit gezeigt habe, in einer anderen Ausstellung, je nachdem, wie das übergeordnete Thema ist, dann doch nochmal einen anderen Titel finde, der mir besser gefällt. Also die Klammer sagt eigentlich für mich aus, es ist nicht unbedingt verbindlich, dieser Titel gemeint. Er kann sich ändern, je nach Zusammenhang.

Verena Feldbausch: Okay, dann habe ich das verstanden. Gut. Wir sehen jetzt hier dieses erste Bild an. Also wir sehen fast ein Idyll, auf den ersten Blick sieht es aus wie ein Idyll, aber irgendwie ist es doch kein Idyll.

Also du siehst diesen Maler, der da zurückgelehnt sitzt, ist er erschöpft oder ruht er sich nur aus und dann siehst du vor ihm halt diese Palette und diese Farbtuben. Im Hintergrund der bedrohlich brennende Wald.

Bist du das, der da sitzt oder wie geht es dir nach diesem sehr intensiven Schaffensprozess, auch nach dieser sehr intensiven Schaffensphase? Fühlst du dich da so erschöpft?

Armin Rohr: Das Bild hat jetzt nichts zu tun mit diesem langen Prozess, der hat ja fast ein Jahr intensives Arbeiten gebraucht, um diese Ausstellung dann, zumindest mal in den großen Arbeiten, um die dann fertig zu kriegen. Aber letztendlich sind es gerade jetzt die neuen Arbeiten, die großen Leinwandarbeiten, sind für mich eher so visuelle Metaphern.

Das heißt auch die Reihe, wie man so sagt, Tatortbilder oder was da in den Bildern passiert, ob das jetzt Gegenstände sind, die zu sehen sind, ob der Wald, es werden da Dinge angesprochen, die eigentlich auf einer Metaebene funktionieren, sodass die Bilder wirklich eher als Metapher zu sehen sind.

Und so ist es auch in diesem Bild. Zunächst mal war es so, dass ich in einem der ersten Bilder einen blutroten Himmel gemalt habe. Und das hat mich dann persönlich sofort zunächst auch an Brennen, Feuer, Waldbrände erinnert. Und das erste Bild ist ungefähr vor einem Jahr entstanden. Und dann dachte ich, damit kann ich wahrscheinlich in einem der nächsten Bilder noch arbeiten.

Und es hat dann wirklich sehr, sehr lange gedauert, bis ich zu dem Bild kam, wo ich dann auch das Thema Feuer und Wald umsetzte. Aber wie gesagt, wirklich eher als Metapher. Jetzt nicht als der brennende Wald, sondern wirklich eher als Zustand, als innere Befindlichkeit oder auch als Sinnbild für das, was jetzt im Moment überhaupt mich bewegt und was passiert. Insofern, ja, so viel zum Einstieg.
Und auch in diesem Bild war eigentlich, wie überhaupt in den großen Bildern, überhaupt noch nicht klar, welche Gegenstände ins Bild kommen, beziehungsweise ob da überhaupt eine Person hinkommt. Zunächst war einfach mal diese Wald-Szenerie mit Feuer so ein bisschen angedacht, auch in der Untermalung.

Und dann kam ich halt irgendwo auf die Person, die da sitzt. Das ist noch nicht mal, als Ausgangsbasis, das bin noch nicht mal ich, aber es könnte ich sein. Und auch die Leinwand, die dann dazugekommen ist, das sind Dinge, die haben sich wirklich so in diesem malerischen Prozess der Untermalung so ergeben.

Und plötzlich hatte das Bild für mich so eine Erzählung, so eine Geschichte, die stimmig war, die natürlich dann im Rückblick vielleicht auch was mit der Ausstellung, der Vorbereitung zu tun hat. Aber ich lasse es, also gerade bei dem Bild ist es so, da wurde ich ganz, ganz oft gefragt, jetzt auch in der Eröffnung oder im Vorfeld, was da wirklich dahintersteckt, wer das ist.

Armin Rohr über die Offenheit seiner Werke

Ist dieser Mensch tot oder ist er einfach nur erschöpft und, und, und. Ich glaube, bei dem Bild möchte ich gar nichts erzählen, weil ich habe das Gefühl, dass da viele ihre eigene Geschichte dazu sehen. Und ich fand es auch interessant zu hören von vielen Besuchern und Besucherinnen während der Eröffnung, was tatsächlich an Ideen für dieses Bild den Leuten durch den Kopf geschossen ist, auf Sachen, die ich noch nicht gekommen bin.
Insofern ist das eigentlich ein Bild, wo ich am wenigsten erklären möchte. Für mich ist es auch nicht eindeutig.

Verena Feldbausch: Das ist es ja mit Sicherheit nicht. Aber dieser Waldbrand hier, den würde ich auch als Naturkatastrophe interpretieren.

Armin Rohr: Ja, ich meine auch die Geschichte mit der Erschöpfung. Letztendlich sitzt da jemand in der Landschaft, es ist eine weiße Leinwand, im Hintergrund brennt es. Die natürlichste Reaktion wäre, dass man aufsteht und flüchtet. Aber eben. Da gibt es so viele Möglichkeiten, in dieses Bild einzusteigen, auch über die Farbigkeit jetzt im Hintergrund.

Verena Feldbausch: Da sollte jeder sich seine eigene Geschichte ausdenken.

Armin Rohr: Grundsätzlich erwarte ich ja von den Menschen, die in meine Ausstellung gehen, schon auch, beziehungsweise so wie ich es auch mache, wenn ich in eine Ausstellung gehe und mir Malerei betrachte, versuche ich auch nicht zu fragen, was will der Künstler mir damit sagen, sondern ich frage zunächst mal, was passiert mit dem Bild, was passiert da?

Wie ist das Bild gemalt? Was will das Bild eigentlich erzählen? Ich untersuche es nach den Gegenständen oder nach der Art und Weise, wie es komponiert ist, wie ist die Farbe eingesetzt, was gibt es für Strukturen. Und ich denke, dann kann man als Betrachter auch versuchen, möglichst viel eigenständig da sich versuchen, was zu erarbeiten. Finde ich viel spannender.

Verena Feldbausch: Das stimmt, das ist auch sehr reizvoll auf jeden Fall. Diese großformatigen Gemälde sind zwischen 24 und 25 entstanden. Und sie enthalten ja Gegenstände und Figuren.

Und zum Beispiel ist da hinten ein zurückgelassener Campingstuhl, ein Hochsitz, ein kaputtes Auto, ein Teddybär ist, ein Turnschuh und auch diese rot-weißen Absperrbänder, die jetzt auch hier auf dem Boden in der Galerie liegen.

Ich habe gelesen in dem Katalog, die Vorlagen kommen von Fotos und Videostills aus einschlägigen Filmen. Welche Filme sind das und welche Bedeutung haben diese Gegenstände? Oder ist es auch wiederum so, dass sich da jeder seine Geschichte denken soll?

Die Inspiration

Armin Rohr: Zunächst mal zum Ursprung der Fotos bzw. woher kommt das? Zum einen ist es so, dass ich schon sehr lange über diese Bilder nachgedacht habe. Das heißt, ich habe immer mal wieder, während ich irgendwelche Krimis geguckt habe im Fernsehen bzw. übers Netz gestreamt, den Film angehalten und ein Foto gemacht. Ich dachte, da kann man irgendwann mal was draus machen.

Weil ich noch nicht genau wusste, was das ist. Mir hat einfach der Einstieg gefehlt. Es war einfach nur der Gedanke, in Zukunft werde ich mal irgendwas machen. Und als dann klar war, dass hier die Ausstellung 2025 im März eröffnet wird, vor einem Jahr, haben wir das irgendwo so ein bisschen abgesprochen, dachte ich, jetzt ist vielleicht die Gelegenheit, mit diesen Fotos was zu machen.

Und es hat sich dann auch sehr schnell schon im ersten Bild herausgestellt, dass ich nicht ein Foto nehme und das umsetze, sondern dass ich diese Szenerien, diese Menschen in diesen weißen Anzügen, wie man es halt vom Krimi kennt, dieses typische Klischee halt eben. Und das fängt ja in vielen Krimis so an, dass man einen Tatort sieht und Leute stochern irgendwo rum, suchen etwas.

Das war so die Ausgangslage. Und ich habe diese Bilder eigentlich nur als Ideen-Anlass genommen, um daraus Bilder zu komponieren. Das heißt, es gibt vielleicht ein oder zwei Bilder, wo ich mehr oder weniger am Bild, am Foto dran war. Aber die meisten sind letztendlich, genau wie das letzte Bild, aus dem Kopf komponiert.

Das heißt, die Wälder, so wie man sie sieht, die Landschaften existieren als Foto nicht. Ich habe dann mehrere Vorlagen, wo ich dann geguckt habe, wie, was für Bäume setze ich da rein, wie gehe ich mit den Strukturen um. Das mal so viel zu den Szenen.

Und auch die Menschen, es gibt da hinten so ein Hochformat, da stehen, was weiß ich, 9-10 Menschen in der Landschaft rum. Das sind die meisten aus dem Kopf gemalt. Das geht dann relativ schnell und ruckzuck. Das Wichtige ist, dass es einigermaßen von der Perspektive stimmt.

Das ging dann, weil ich einfach früher viel Aktzeichnen gemacht habe, hat man so ein bestimmtes Formenrepertoire im Kopf und Menschen in Anzügen, die sowieso ein bisschen unförmig aussehen. Das ist relativ einfach. Und für bestimmte andere Situationen hatte ich dann auch Menschen, die sich bücken oder irgendwas machen, wie ich dann irgendwo in meine Landschaften gesetzt habe.

Und so ging es dann auch weiter mit diesen Gegenständen, die dann manchmal am Schluss noch dazugekommen sind, bevor ich eigentlich, also am Anfang wusste ich noch gar nicht, wie sich das Bild entwickelt. Ich entscheide vieles in diesen Bildern sehr, sehr intuitiv.

Verena Feldbausch: Also du machst dir jetzt keine Skizze zum Beispiel oder machst du dir Skizzen vorher und überlegst, aha, da kommt jetzt der Baum hin?

Armin Rohr: Es gibt ein Bild, wo ich tatsächlich eine Skizze gemacht habe, aber eher als Gedankenstütze, dass ich es nicht vergesse, mit diesem Bild anzufangen. Weil man hat so viel im Kopf und vergisst das dann wieder.

Und gerade bei dem letzten Bild, was 2025 entstanden ist, das Bild mit den Menschen und den Kisten, da dachte ich, das musst du dir aufheben, den Gedanken musst du notieren, als kleine Skizze im Skizzenbuch, sonst ist der am nächsten Tag weg. Das passiert nämlich relativ oft. Aber normalerweise ist es dann so, dass ich bei den Bildern wirklich ohne Skizze rangehe.

Das heißt, ich fange mit einer Acryl-Untermalung an und setze irgendwo zwei, drei Bäume, beispielsweise in eine Landschaft, überlege mir, ob der Horizont eher tief ist oder hoch. Und im Laufe der Malerei könnte es passieren, dass der vordere Baum zu groß ist, also muss er weiter weg und kleiner werden.

Da schiebe ich dann eine Zeit lang hin und her, bis ich dann sicher bin. Und dann fange ich mit Öl an, das Ganze weiterzuarbeiten. Im Gegensatz zu vielen anderen Bildern, die hier tatsächlich auch nach Fotos entstanden sind. Nicht eins zu eins, aber das sind so verschiedene Fäden, die ich bearbeite und verschiedene Methoden, wie ich Bilder finde. Das war schon immer so.

Verena Feldbausch: Ist dann also das Acryl quasi die Grundierung für die Ölmalerei, rein technisch gesehen jetzt?

Armin Rohr: Technisch ist es eigentlich so, früher gab es Untermalungen im Eitempera. Das habe ich eine Zeit lang gemacht, während ich studiert habe. Aber man hat halt immer das Problem, wenn das Bild in einem bestimmten Zustand ist, muss man ja warten, bis es trocknet.

Eitempera geht ein bisschen schneller, gerade wenn es jetzt nicht die fette Tempera ist, sondern eher die mit Wasser. Und dann kam ich irgendwann mal auf die Idee, das Ganze mit Acryl zu versuchen, weil man natürlich wahnsinnig schnelle Trocknungszeiten hat.  Und je nachdem, was ich male, kann ich dann innerhalb von einem Tag zehn unterschiedliche, jetzt in der Größe der Leinwände, im Grunde zehn unterschiedliche Bilder malen. Ich kann probieren, ist es besser, den Himmel grün zu machen, den Himmel rot, eine Figur kleiner oder größer.

Und das kommt mir eigentlich sehr zugegen, weil ich eben sehr spontan arbeite. Und das heißt, diese Acrylbilder sind letztendlich nichts wie eine klassische Untermalung, auch hell-dunkel. Wo setze ich die Akzente, das ist mir dann wichtig, bevor ich dann wirklich mit Öl anfange.

Hat auch was mit Geschwindigkeit zu tun. Acryl geht wahnsinnig schnell, da spritzt die Farbe, die läuft runter, die Farbe ist sehr dünn. Und bei Öl wird das Ganze so ein bisschen verlangsamt und dann komme ich auch so in einen anderen Flow, in einen anderen Modus.

Verena Feldbausch: Wo hast du diese großen Bilder gemalt? Also ich meine, du hast ein Atelier in Kuba, hast du die dort gemeint?

Armin Rohr: Ja.

Verena Feldbausch: Ah ja, okay.

Armin Rohr: Das Atelier ist nicht groß, aber es reicht. Die Bilder müssen ja letztendlich nur durch die Tür passen.

Verena Feldbausch: Das stimmt, das stimmt. Aber kannst du dann also an mehr als an einem Bild arbeiten?

Armin Rohr: Das schon. Ja, ja, ich muss dann immer mal wieder ein bisschen umbauen. Aber es geht, es funktioniert.

Verena Feldbausch: Okay, okay, gut. Ja, dann kommen wir eigentlich schon zu der zweiten Gruppe der Bilder. Also nach den Wald-Orten hast du ja jetzt hier Porträts ausgestellt.

Die sind eigentlich jetzt, wenn man reinkommt, direkt auf der rechten Seite. Es sind so klassische Großporträts und eigentlich sind sie auch keine Porträts, denn man kann ja nicht eindeutig identifizieren, wer da drauf ist.

Mit der Ausnahme von dem Selfie, das da am Eingang ist, da erkennt man dich ja schon wieder. Warum kann und soll man sie nicht erkennen? Da sind ja auch wieder die “ohne Titel” und in Klammern ist ja manchmal ein Name oder ein Hinweis drauf.

Armin Rohr: Ja, das ist richtig.

Verena Feldbausch: Was ist die Idee dahinter?

Armin Rohr: Das ist eine gute Frage. Also Porträts habe ich ja schon immer gemacht. Auch während des Studiums gab es eine Porträtserie, die aus Selbstporträts entstanden ist.

Und vor dem Spiegel sind die entstanden, die teilweise durchaus eine gewisse Ähnlichkeit mit den Sachen haben, die jetzt im Moment da hinten an der Wand hängen. Aber wie gesagt, die sind vor dem Spiegel entstanden, auch in einer anderen Größe.

Und waren irgendwo so eine Art Auflösung der Figur, des Portraits, weil ich dann über diese Auflösung nach und nach auch eine Zeit lang zu diesen ungegenständlichen Arbeiten kam. Und dann sind wir auch wieder beim Thema Portraits, wie gesagt, mache ich eigentlich immer schon, auch in Zeiten, wo ich figürlich gemalt habe.

Sei es, dass ich Leute direkt abzeichne, wenn ich irgendwo sitze, in der Kneipe oder wo, um einfach in meinen Skizzenbüchern etwas festzuhalten. Oder wo ich Fotovorlagen habe und dann tatsächlich Fotos in Malerei oder Zeichnung umsetze.

Aber der Unterschied zu den Sachen, die ich früher in der Hochschule gemacht habe, die Portraits bzw. die Fotos, die dienen als Ausgangsbasis. Das ist einfach so ein Kick, um überhaupt was zu malen. Sie dienen nicht dazu, die Menschen eins zu eins wiederzugeben.

Das ist mir auch irgendwann wurscht, wie diese Menschen später aussehen. Es soll sich niemand persönlich da in diesen Bildern finden. Also niemand, dessen Foto ich benutzt habe, ist da angesprochen direkt. Es ist einfach ein Weg, um ein Bild zu malen. So, das ist das eine.

Armin Rohr über persönliche Einflüsse

Armin Rohr: Es gab, bevor die Ausstellung hier geplant wurde, habe ich an einem Porträt meine Mutter gemalt, die seit drei Jahren dement ist. Und dieses Bild war relativ, in Anführungsstrichen sage ich jetzt mal, realistisch.

Das heißt, meine Mutter war in den wesentlichen Gesichtszügen erkennbar dargestellt, hat aber für mich plötzlich nicht mehr funktioniert, weil ich mir überlegt habe, dass von Woche zu Woche mittlerweile der Zustand fortschreitet relativ schnell. Sie baut unheimlich ab. Das heißt, die Persönlichkeit verschwindet.

Und dann war ich wieder in diesem Thema, was ich auch in der Hochschule hatte, dieses Auflösen. So eine Persönlichkeit löst sich auf. Sie ist einfach immer weniger da, weil sie sich nicht mehr erinnern kann.

Und im Laufe dieses Malprozesses habe ich aus diesem realistischen Bild immer mehr die wesentlichen Gesichtszüge übermalt, sodass dann dieses Bild entstanden ist, wo letztendlich nichts mehr Menschliches in diesem Bild zu sehen ist. Aber plötzlich war das deckungsgleich mit dem, was ich jetzt empfunden habe, wenn ich an meine Mutter denke.

Und das war so ein bisschen Ausgangsbild für die kommenden, die immer zwischendurch entstanden sind. Auch da ist der Gedanke ja schon so, ich hatte als Ausgangsbasis in der Malerei, in der Untermalung immer wieder erkennbare, ähnliche Bilder.

Das heißt, die Leute haben sich erkannt. Ich habe einmal meine Tochter da hinten gemalt und da kam meine Frau, als die Acryl-Untermalungen fertig waren, sagte, oh lass das, das ist ja ganz toll. Aber ich konnte es ja nicht so lassen, weil es hat einfach nicht dem entsprochen, was ich…

Davon abgesehen ist es auch so, dass viele Bilder, die ich benutze, auch das von meiner Mutter, aufgrund von Schnappschüssen entsteht, die ich mache oder die mir irgendwie im Netz auffallen. Das heißt, das sind jetzt keine klassischen Porträtfotografien, sondern es sind einfach Schnappschüsse, wo wesentliche Bestandteile eines Porträts eines Menschen ja sowieso fehlen.

Es fehlt die Sprache, es fehlt die Bewegung und für mich ist so ein Foto sehr unzulänglich. Kann ich die Persönlichkeit eines Menschen anhand eines Fotos darstellen. Ich brauche da noch irgendwas anderes.

Und dann über die Auflösung, über die Malerei, habe ich auch das Gefühl gehabt, bin ich von einem persönlichen Bild zu einem allgemeinen Bild gekommen, wo sich vielleicht sogar mehr Leute mit identifizieren als mit einem klassischen Bild, wo jemand fragt, wer ist denn das, das ist der sowieso, ach so.

Und das ist plötzlich eine ganz andere Auseinandersetzung. Und ich hatte auch das Gefühl, ich komme da eher in so eine dunkle Seite. Dr. Jekyll und Mr. Hyde, äh, Jekyll und Hyde Geschichte, was ja in allen von uns irgendwo steckt.

Und das hat mich immer mehr interessiert, diese dunkle Seite. So ist es auch bei Filmen, bei Büchern. Grundsätzlich interessiert mich eher so diese dunkle Seite, die in uns allen irgendwie steckt, auch in der Malerei.

Verena Feldbausch: Und trotzdem benutzt du ja wirklich ganz grelle und helle und eigentlich fröhliche Farben. Also ich finde sie jetzt nicht irgendwie dunkel.

Also ich finde, es ist ja eine wahnsinnige, explosive Farbigkeit in deinen Bildern. Und hat die sich jetzt nochmal gesteigert in den letzten Jahren? Ich habe jetzt mehr Aquarelle oder Papierarbeiten im Kopf.

Die sind ja auch eigentlich nicht ganz so grellfarbig. Aber hier diese großformatigen Bilder und auch die Porträts finde ich schon sehr bunt.

Armin Rohr: Ja, ich glaube, gesteigert hat sich nicht. Es gab auch mal Phasen, wo ich dann eher sehr reduziert gearbeitet habe, so vor 15 Jahren. So eine Phase, wo ich wirklich fast weiße Gesichter gemalt habe.

Nur eine Farbe, meistens rot oder blau, irgendwo so ein bisschen dezent noch zu sehen war. Aber im Großen und Ganzen hat mich diese Farbigkeit immer schon interessiert, auch in der Akademie.

Und jetzt gerade was diese Themen betrifft, die jetzt hier in der Ausstellung angesprochen werden, ist es natürlich auch so ein bisschen ein Komplementärkontrast. Auf der einen Seite hat man diese Düsternis, die in den Bildern thematisch teils auch drinsteckt, was die Leute auch spüren, wo sie mich darauf angesprochen haben.

Aber andererseits hat man diese Farben, die gerade was die Landschaften betrifft, dann zunächst mal eher so etwas Idyllisches haben, auch irgendwas, was Menschen sofort anzieht. Man sieht relativ viele und kräftige Farben und die Bilder schaffen sich einen ganz anderen Raum.

Und wenn ich mir vorstelle, die wären jetzt eher in schwarz-weiß oder in gedämpften Farben gehalten, dann würde mir eine Dimension, irgendwas würde mir fehlen, was den Bildern auch eine andere Wendung gibt.

Verena Feldbausch: Ja, auf jeden Fall. Kommen wir jetzt aber zu den Aquarellen und Zeichnungen mal zu sprechen. Die sind ja kleinere Formate, meistens auf Papier, mit Bleistift, Tusche, Kreide, Filzstift und so.

Das sind oft Personengruppen oder Einzelpersonen. Sieht auch für mich manchmal aus wie so Ferienschnappschüsse irgendwie. Sind das auch welche? Wir können ja mal ein bisschen rumlaufen.

Jetzt dieses hier, da sind zwei Personen und die rechte Person hat ein Ringelt-T-Shirt an.

Also die Bilder sind meistens nach Ferienschnappschüssen entstanden. Entweder finde ich die über Freunde, Verwandte, Bekannte, die werden mir zugeschickt. Man fährt zusammen in Urlaub und tauscht Bilder aus. Manche mache ich dann.

Und dann habe ich auch eine Zeit lang, vor fünf bis sieben Jahren, angefangen, gezielt in Archiven nach alten Fotos zu suchen, teilweise auch über Flohmärkte, wo man alte Fotosammlungen kaufen kann. Das finde ich unheimlich spannend, weil die eine ganz andere Bildsprache haben.

Das sind oft Schwarz-Weiß-Fotos oder so leicht sepiafarbene, die dann auch eine ganz andere Qualität haben. Und die setze ich dann teilweise um, manchmal auch nur, indem ich sie abzeichne oder indem ich sie wirklich nur als Vorlage nehme, um daraus eine Zeichnung oder ein Aquarell zu machen.

Und ja, dieses Ringelshirt ist tatsächlich eines, was ich glaube ich selber mal angehabt habe vor 100 Jahren. Das ist jetzt nicht direkt ein Foto von mir, aber ich habe irgendwo so ein Ringelshirt im Kopf gehabt und habe das dann einfach mal reingemalt.

Verena Feldbausch: Das ist ja witzig, ja.

Armin Rohr: Ja, das sind so Sachen, die einem so einfallen. Und diese Personengruppen sind auch oft so ein bisschen eine Reminiszenz an meine Kindheit, an meine Jugend, wo man halt mit mehreren Leuten unterwegs war.

Und das hat sich dann auch übertragen auf diese Tatortbilder, wo ja auch Menschengruppen eine Rolle spielen. Das ist so ein roter Faden, der sich da durchzieht, auch in den großen Bildern.

Über die Verbindung von Techniken

Und bei den Aquarellen ist es ja so, dass ich da auch viel mit Zufall arbeite, wie gesagt. Das ist ja eine Technik, wo man nicht alles kontrollieren kann. Und das finde ich auch spannend, weil es dann oft so eine Leichtigkeit hat, die ich in den großen Bildern nicht immer habe.

Die großen Bilder sind ja oft so eine wuchtige Geschichte, die haben eine ganz andere Präsenz. Und die Aquarelle und Zeichnungen sind dann so ein bisschen wie ein Gegenpol dazu, wo ich dann auch mal verschnaufen kann, wo ich dann auch mal was anderes machen kann.

Verena Feldbausch: Ja, das kann ich gut nachvollziehen. Und ich sehe hier auch, dass die Zeichnungen und Aquarelle oft so eine gewisse Melancholie haben, finde ich. Also sie wirken auf mich nicht so bunt und fröhlich wie die großen Bilder.

Ist das Absicht oder ist das einfach so, weil die Technik das mit sich bringt?

Armin Rohr: Ich glaube, das hat viel mit der Technik zu tun. Aquarell ist ja oft so eine reduzierte Geschichte, auch wenn ich da teilweise kräftige Farben benutze. Aber es bleibt immer so eine gewisse Transparenz, eine Leichtigkeit.

Und diese Melancholie, die du ansprichst, die kommt wahrscheinlich auch daher, dass ich oft mit diesen alten Fotos arbeite oder mit Erinnerungen. Das sind ja oft Momente, die vergangen sind, die man nicht mehr zurückholen kann. Und das schwingt dann da mit rein.

Aber es ist nicht unbedingt Absicht, dass es melancholisch wird. Es ist eher so ein Nebeneffekt, der sich ergibt, weil ich mich mit diesen Themen auseinandersetze, mit Vergänglichkeit, mit Erinnerungen.

Verena Feldbausch: Ja, das finde ich sehr schön gesagt. Und wie gehst du jetzt weiter vor? Also hast du schon Pläne für neue Arbeiten oder machst du erstmal eine Pause nach dieser großen Ausstellung?

Armin Rohr: Also eine Pause mache ich auf jeden Fall erstmal. Ich glaube, das ist auch nötig nach so einem intensiven Jahr. Aber ich habe schon ein paar Ideen im Kopf, die ich mir notiert habe.

Ich möchte auf jeden Fall weiter mit den großen Formaten arbeiten, aber vielleicht auch mal wieder mehr in die ungegenständliche Richtung gehen. Das habe ich ja schon lange nicht mehr gemacht, und ich habe das Gefühl, dass da noch was liegt, was ich ausprobieren möchte.

Und dann schaue ich mal, was sich ergibt. Ich lasse mich da auch viel treiben, wie gesagt, ich meändere halt so durch die Welt und durch meine Arbeit. Mal sehen, wohin mich das führt.

Verena Feldbausch: Das klingt super spannend. Ich bin gespannt, was da noch kommt. Vielen Dank, Armin, dass du dir die Zeit genommen hast für dieses Gespräch und uns durch deine Ausstellung geführt hast.

Ich wünsche dir weiterhin viel Erfolg und Freude an deiner Arbeit. Und euch, liebe Zuhörerinnen und Zuhörer, danke ich auch, dass ihr wieder eingeschaltet habt bei art talk.

Schaut gerne auf meinem Blog vorbei, da gibt es die Fotos zu den besprochenen Werken. Und besucht die Ausstellung in der Städtischen Galerie Neunkirchen, sie läuft noch bis Ende Mai 2025. Bis zum nächsten Mal, eure Verena Feldbausch.

Armin Rohr: Vielen Dank, Verena, hat Spaß gemacht.

Verena Feldbausch: Danke, Armin.

—ENDE—

Der Beitrag #24 art talk – Armin Rohr erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#23 art talk – Anne-Marie Stöhr

Verena — Thu, 06 Feb 2025 09:15:03 +0000

Im Gespräch mit Anne-Marie Stöhr

Ich spreche mit der Malerin und Performerin Anne-Marie Stöhr über Ihre aktuelle Ausstellung im Saarländischen Künstlerhaus mit dem Titel “… went out on a limb“, die noch bis Anfang März zu sehen ist. Der Titel der Ausstellung bedeutet „ ging ein Risiko ein“ und bezieht sich auf emotionale oder schicksalshafte Risiken, die man Individuum eingehen kann.

Anne-Marie Stöhr, mit kulturellem Hintergrund in Frankreich, Schweden, Deutschland, hat u.a. in Göteborg und an der Hochschule der Bildenden Künste (HBK) Saar studiert. Nach 17 Jahren in Kalifornien lebt sie seit 2019 wieder in Saarbrücken.

Photo Credits:

Ich und Du, 2023*
Déchirures (My Fortune on a string), 2024
Pieces of Paper, 2024*
Les aléas de la source, 2024*
Ich und Du, 2023*
Argent argenté (The skin you are in), 2024*
Oiseau Rebelle, 2024*
TV Jacket, 2023*
Katalog zur Ausstellung „…went out on a limb“

Künstlerportrait: Anne Marie Stöhr 

Anne Marie Stöhr, geboren 1969 in Saarbrücken, ist eine deutsche Künstlerin, die für ihre vielseitige Arbeit in den Bereichen Malerei, Zeichnung, Installation und Performance bekannt ist. Sie lebt und arbeitet in Saarbrücken und hat sich durch ihren interdisziplinären Ansatz einen Namen gemacht. Mit einem kulturellen Hintergrund in Schweden, Frankreich und Deutschland und der Beherrschung von vier Sprachen betrachtet Stöhr die Malerei als ihre „fünfte Sprache“. Ihre Kunst bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und tiefgründiger Reflexion über persönliche und gesellschaftliche Themen.

Leben und Werdegang

Anne-Marie Stöhr begann ihre künstlerische Ausbildung an der Dômen Konstskola in Göteborg, Schweden, wo sie Malerei studierte. Später setzte sie ihr Studium an der Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBKsaar) fort und erhielt 1997 ihr Diplom im Bereich „New Genres“ unter der feministischen Avantgardekünstlerin Ulrike Rosenbach. Sie nahm an Austauschprogrammen des Deutsch-Französischen Jugendwerks teil, darunter ein Semester an der École Supérieure des Arts Décoratifs in Straßburg und ein sechsmonatiger Aufenthalt in Grenoble. Von 2002 bis 2019 lebte sie in Nordkalifornien, wo sie ihre Atelierpraxis weiterentwickelte und zahlreiche Ausstellungen realisierte, bevor sie nach Deutschland zurückkehrte.

Anne-Marie Stöhrs Werk und Stil

Anne-Marie Stöhrs Kunst ist geprägt von einer virtuosen Leichtigkeit und Präzision. Ihre großformatigen Gemälde kombinieren gestische Malerei mit flüssiger Tusche und opaker Acrylfarbe, wodurch ein dynamisches Spannungsfeld entsteht, das Tiefe und Bewegung erzeugt. Werke wie Urban Camouflage (2019) oder Nomad One – ein beidseitig bemaltes, von der Decke hängendes Gemälde – zeigen ihren innovativen Umgang mit Raum und Material. Neben der Malerei schafft sie Installationen, die oft ortsspezifisch auf Architektur oder Geschichte reagieren, sowie Performances, die ihre Themen emotional und physisch erfahrbar machen.
Ihre Arbeiten sind nicht rein abstrakt: Literarisch anmutende Titel wie „…went out on a limb“ (2024) verweisen auf emotionale oder schicksalhafte Risiken und verleihen den Werken eine narrative Dimension. Stöhr integriert oft unkonventionelle Materialien und Techniken, etwa Schwefel, Kohle oder Pigmente, und nutzt ihre sprachliche Sensibilität, um Inhalte mehrdimensional zu vermitteln.

Einfluss und Vermächtnis von Anne-Marie Stöhr

Mit Ausstellungen in Europa und den USA, etwa in der Patricia Sweetow Gallery in San Francisco (2006) oder dem Saarländischen Künstlerhaus (2024), hat Stöhr eine breite Anerkennung gefunden. Ihre Zeit in Kalifornien prägte ihre Auseinandersetzung mit Natur und Raum, während ihre Rückkehr nach Saarbrücken ihre Wurzeln in der europäischen Kunstszene stärkte. Ihre Werke sind in Sammlungen wie dem Schwedischen KunstRat und dem Kulturamt Rheinland-Pfalz vertreten.
Anne-Marie Stöhr ist eine Künstlerin, die Grenzen überschreitet – sei es zwischen Disziplinen, Materialien oder Kulturen. Ihre Arbeiten laden dazu ein, Kunst nicht nur zu betrachten, sondern sie als lebendigen Prozess zu erleben.

Links

Offizielle Website: https://www.astohr.com
Anne Marie Stöhr auf Instagram: https://www.instagram.com/annemariestohr/
Saarländisches Künstlerhaus: https://kuenstlerhaus-saar.de/anne-marie-stoehr/

Das gesamte Interview mit Anne-Marie Stöhr zum Nachlesen

Verena Feldbausch: Herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk.
Heute spreche ich mit der Künstlerin Anne-Marie Stöhr, die zurzeit die Ausstellung “…went out on a limb” im Saarländischen Künstlerhaus zeigt.
Was ist eigentlich ein Künstlerhaus?

Es ist kein Museum, sondern ein Ort, an dem sich alle Künstler einer Region unter einem Dach versammeln.
Nicht nur die bildenden Künstler, sondern auch die Musiker, die Schriftsteller, die Schauspieler, die Filmemacher, die Studenten, denn sie haben hier einen Ort des gemeinsamen Arbeitens und des kreativen Streitens.
Durch die Lage des Saarlandes im Herzen von SaarLorLux blickt das saarländische Künstlerhaus auch über die Grenzen hinaus und thematisiert verstärkt die Gegenwartskunst dieses Kulturraumes.
Ein idealer Ort also für unseren Kunstpodcast “art talk SaarLorLux”.

Wie immer findet ihr in meinem Blog Abbildungen der besprochenen Werke von Anne-Marie Stöhr und ebenfalls im Blog und auf YouTube findet ihr die verschiedenen Sprachversionen, also unser Interview mit deutschen, französischen und englischen Untertiteln.
Viel Spaß beim Zuhören, wünscht euch eure Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Liebe Anne-Marie Stöhr, herzlich willkommen zu unserem Kunstpodcast “art talk”.
Der Anlass ist Deine aktuelle Ausstellung im saarländischen Künstlerhaus mit dem Titel “…went out on a limb”, die noch bis Anfang März zu sehen ist.

Ich möchte dich kurz vorstellen.
Du bist Malerin und Performerin.
Du bist geboren 1969 in Saarbrücken und du lebst und arbeitest in Saarbrücken.
Diese Daten verraten jedoch nicht, dass du vielsprachig bist.
Du bist geboren als Kind eines deutsch-schwedischen Paares und du hast lange Zeit in den USA gelebt.
Warum sprichst du neben Deutsch, Schwedisch, Englisch auch noch so gut Französisch?

Anne-Marie Stöhr: Ja, weil ich auf der anderen Seite der Grenze aufgewachsen bin, dort in die Schule gegangen bin, in Spichern. Und meine Eltern waren frankophil, die haben sich in Südfrankreich kennengelernt.
Mein Vater war berufstätig in Frankreich. Meine Mutter hat die Sprache geliebt. Sie haben auch sehr viel gelesen.
Und ja, daher.

Malerei als fünfte Sprache und Titel als literarische Gegenwelten

Verena Feldbausch: Ja, das ist sehr interessant.
Du malst ungegenständlich und du betrachtest die Malerei als deine fünfte Sprache.
Was möchtest du mit deiner Kunst ausdrücken oder was möchtest du damit sagen?

Anne-Marie Stöhr: Also, was ich empfinde, ist, dass ich mit Farben und Farbschwüngen sehr viel aussagen kann.
Also, dass die Farben an sich klingen.
Und das ist vielleicht eher etwas, was musikalischer ist als jetzt sprachgerichteter.
Ich trenne das und zwar habe ich die literarischen Titel, die die Werke oft tragen, lyrisch oder literarisch oder witzig, aber die auch oft mit Sprache arbeiten, stehen eigentlich im Gegensatz zu den Bildern.
Also, die sind jetzt keine Erklärungen der Bilder, sondern sind vielleicht Titel, die mir während des Arbeitens einfallen und die so als Pendant dazu nochmal eine konkrete literarische Welt bieten, die aber mit dem Inhalt nichts zu tun hat.

Verena Feldbausch: Genau, auf die Titel kommen wir gleich noch zu sprechen.
Zu deiner Ausbildung, mit Anfang 20 hast du Malerei in Göteborg studiert.

Anne-Marie Stöhr: Mit 20.

Verena Feldbausch: Mit 20.
Mit 23 bist du an die Hochschule der Bildenden Künste Saar gekommen und hast dort freie Kunst studiert mit Schwerpunkt Malerei bei Bodo Baumgarten und Neue Medien bei Ulrike Rosenbach.
Was hast du nach deinem Studium gemacht und warum bist du 2002 nach Kalifornien gezogen?

Anne-Marie Stöhr: Ja, also nach meinem Studium hatte ich erstmal ein Arbeitsstipendium vom Deutsch-Französischen Jugendwerk und war sechs Monate in Grenoble und habe da gearbeitet.
Und dann bin ich zurückgekehrt nach Deutschland und habe erstmal nicht so genau gewusst, wo es hingeht.
Ich wollte ursprünglich, glaube ich, nach Schweden und habe dann aber meinen damaligen Mann kennengelernt und dann sind wir gemeinsam, er war Amerikaner, da sind wir gemeinsam nach San Francisco in seiner Heimatstadt.

Verena Feldbausch: Ja, das war der Grund.
Okay.

Anne-Marie Stöhr: Das war der Grund.

Einfluss der USA auf die Farbpalette

Verena Feldbausch: Und dann hast du ja 17 Jahre in den USA gelebt. Du bist 2019 nach Saarbrücken zurückgekommen. Wie hat dich diese Zeit in den USA künstlerisch geprägt?

Anne-Marie Stöhr: Sehr stark und zwar über die Farben auch. Also am Anfang war es nicht ganz einfach, also eine Umstellung. Sprachlich war ich da ganz okay, ich konnte ja ganz gut Englisch schon, aber trotzdem ist die Kultur sehr anders und man ist sehr weit weg von zu Hause. Und was ich da gefunden habe, war einfach die Liebe zur Natur. Die Natur ist wunderbar und sehr, sehr schön.
Ich bin damals mit meinem Sohn auch sehr viel spazieren gegangen und habe mich da sehr zu Hause gefühlt in der Natur.

Und eben da sind die Lichtverhältnisse sehr besonders durch den Pazifischen Ozean, den ich besonders liebe. Durch das Klima blüht es ja zwei, dreimal im Jahr auch.
Und alle diese Pflanzen, die wir hier als Hauspflanzen haben oder als Gartenpflanzen, wachsen dort wild.
Also Kala-Lilien blühen im Frühjahr überall und Bougainvilleas sind riesig. Und es gibt einfach sehr viele Farben. Und dann dazu noch der blaue Himmel, dann die Painted Ladies, die Häuser von San Francisco. Das alles hat mich sehr geprägt, farblich geprägt und floss dann recht direkt in meine Bilder über.

Verena Feldbausch: Also wenn du vergleichst deine Arbeiten, quasi die du noch in Deutschland, also vor dem Kalifornien-Aufenthalt gemacht hast, mit denen dann danach, sieht man da eine echte Farbvarianz?

Anne-Marie Stöhr: Ja, absolut. Da hat sich meine Farbpalette sehr geändert. Man muss sagen, ich hatte jahrelang mit Schwefel erst gearbeitet, auch während des Studiums, und fing dann an, mit Tusche auf Papier zu arbeiten. Und da war es sehr von schwarzer Tusche getragen mit Farbnuancen. Dann habe ich auch Installationen gemacht, wo ich Farbbahnen gemalt habe und meine Zeichnungen hineingehängt habe.
Und als mein Sohn sehr klein war, habe ich sehr viel gezeichnet, weil das einfach einfacher war, also in den Zeiten, wo ich mich nicht um ihn kümmern musste, als er Baby war, da konnte ich sehr schnell eben kleinformatige Zeichnungen herstellen und habe gar nicht mehr so gemalt.

Also es war immer weniger Farbe, es war sehr reduziert und dann auf großformatigen Papierbahnen hatte ich dann immer noch sehr viel weiße Fläche, auch als ich immer mehr farbige Tusche dazu genommen habe.
Und ja, das hat sich dann langsam verändert zu den farbigen Tuschen, die ich auch heute noch benutze, aber sukzessive wurden sie immer stärker.

Rückkehr nach Deutschland und künstlerische Neuorientierung

Verena Feldbausch: Zurück in Saarbrücken 2019, wie war das für dich, wieder in Deutschland zu leben und zu arbeiten und wie hast du künstlerisch hier wieder Fuß gefasst?

Anne-Marie Stöhr: Also ich hatte ja schon in den USA irgendwie so ein bisschen vorgeplant und habe gedacht, dass ich wahrscheinlich wieder nach Europa zurückgehe, entweder nach Schweden oder nach Deutschland und habe dann so ab, ich glaube, 2015 angefangen, einmal in Schweden auszustellen, dann in Deutschland, dann wieder Schweden, dann wieder Deutschland, um auch den Weg zu eben, damit es für mich leichter wird, aber auch um Kontakte wieder zu knüpfen mit Künstlerfreunden und -Freundinnen. Mit einigen war ja der Faden nie abgerissen, und von daher war es eine weiche Landung. Und dadurch, dass ich hier studiert habe und viele meiner Mitstudentinnen und -studenten noch hier sind, war der Anschluss relativ einfach.

Das hat sehr viel geholfen und war sehr, sehr schön, sich wieder zu finden.Ich fand, die Arbeitsbedingungen sind hier in Deutschland, in Europa natürlich sehr viel besser als in den USA und das war toll. Das war einfach, das muss man sagen, das ist toll, weil in den USA gibt es einfach für das Mittelfeld der Künstler keine Fördermöglichkeiten, keine Häuser wie jetzt das Künstlerhaus und so weiter, die subventioniert sind und kein Atelierhaus wie das Kuba. Das ist ja sehr wichtig. Und dass die Künstler gefördert werden, damit sie auch ihre Arbeit machen können und auch wahrgenommen werden.

Und das hat mir sehr gut getan. Was, naja, ansonsten ist es natürlich sehr anders, wenn du dann von einem Land ins nächste wechselst und 17 Jahre ist ja fast ein ganzes Leben.
Da ist man sehr, ich bin schon sehr geprägt durch Kalifornien und bin auch anders geworden. Und da fehlt mir auch sehr viel.

Verena Feldbausch: Bist du regelmäßig dort, wieder in Kalifornien und besuchst die Freunde?

Anne-Marie Stöhr: Ich wünschte, ich könnte es regelmäßiger machen, aber das ist eine Kostenfrage.
Ja, ja.

Verena Feldbausch: Du bist ja auch seit 2017 im Saarländischen Künstlerbund.

Anne-Marie Stöhr: Ja.

Verena Feldbausch: Und auch hier im Künstlerhaus warst du auch mal aktiv, meine ich.

Anne-Marie Stöhr: Genau, da war ich zwei Jahre lang im Vorstand.
Ja, das hat mir sehr gut gefallen.
Das fand ich sehr schön, auch da noch mal kulturpolitisch und mit anderen Künstlern und mit Schriftstellern zusammen was auf die Beine zu stellen.

Risiko in der Kunst: Von der Idee zur Leinwand

Verena Feldbausch: In deiner aktuellen Ausstellung im Saarländischen Künstlerhaus zeigst du sechs großformatige abstrakte Gemälde auf Leinwand.
Und der Titel der Ausstellung “…went out on a limb” heißt übersetzt “…ging ein Risiko ein oder “…habe mich zu weit aus dem Fenster gelehnt”.
Worauf beziehst du dich und welches Risiko gehst du bei deiner Malerei ein?

Anne-Marie Stöhr: Also das erste, worauf ich mich beziehe, ist natürlich mein Umzug von den USA hier nach Deutschland, nach Europa.
Weil es ist ja ein Riesenrisiko und das war eine Entscheidung, die war sehr schwierig.
Ich habe wochenlang nicht geschlafen. Ich hätte genauso gut dort bleiben können und es wäre auch gut gewesen, wenn ich dort geblieben wäre. Es ist gut geworden, dass ich hierher gekommen bin.
Also es sind solche Entscheidungen.
Zum Glück bin ich im Guten gegangen. Das ist ja auch was Schönes. Ja, aber das ist natürlich ein Risiko, ein riesiges. Und darauf beziehe ich mich.

Und dieses, also beim Malen gehe ich jedes Mal ein Risiko ein, weil ich keine Skizzen mache.
Ich habe vorher kein Bild, was konkret schon existiert, das ich dann irgendwie auf die Leinwand oder auf Papier bringe, sondern es entsteht während des Machens.
Und das ist eben die große Überraschung. Und das ist mir auch wichtig, dass ich das für mich als Künstlerin so auch entwickelt habe, um nach so vielen Jahren, ich mache das ja über 30 Jahre, über 35, 40 Jahre lang jetzt und dass es für mich noch interessant bleibt.

Verena Feldbausch: Das heißt, du machst keine Vorzeichnungen, planst die Komposition nicht, planst du die Farben?

Anne-Marie Stöhr: Ja, also planen würde ich es nicht nennen, sondern es ist oft so, dass ich in Serien oder in Perioden arbeite.
Dann habe ich eine besondere Palette und dann entsteht quasi so vielleicht auch ein Bild aus dem nächsten, aus dem vorherigen.
Und das entwickelt sich dann in einer bestimmten Periode und dann verändern sich die Paletten auch wieder oder wenn sich da noch was anderes einschiebt, was gerne da sein möchte.

Verena Feldbausch: Wie lange brauchst du denn – das kannst du wahrscheinlich auch nicht ganz pauschal sagen – also wie lange hat zum Beispiel dieses Bild hier gedauert zu malen?

Anne-Marie Stöhr: Ja, das kann ich allerdings nicht pauschal sagen, weil es immer sehr darauf ankommt, ob ich, wie sehr ich gerade im Fluss bin. Also man muss sagen, die großen Formate, es ist eine sehr physische Leistung. Ich bespanne die und grundiere die ja selbst und es ist physisch anstrengend. Und ich bin jetzt nicht so die handwerklich begabteste Person.
Also ich wurschtel da, ich kämpfe da immer mit diesen Teilen und klopfe und bespanne die und dann sind sie erst mal bespannt, dann muss ich es grundieren, dann muss ich immer warten.
Das ist immer das Schlimmste.

Also man kann dann gar nicht direkt anfangen zu malen. Und je nachdem wie oft ich es grundiere, muss ich dann eben auch warten. Dann die erste Phase des Malens ist diejenige, die den Grundstein legt und das ist die Tusche-Phase. Dann ist das Bild auf dem Boden flach und dann arbeite ich mit dem Pinsel. Und je nachdem, also da kommt es einfach darauf an, welchen Pinsel ich nehme, welche Farbe ich nehme, welchen Farbklang ich da gerade haben möchte. Und wenn ich das Gefühl habe, so, das ist erst mal gut, dann lasse ich das stehen und dann muss ich 24 Stunden warten, weil es so lange braucht zum Trocknen.

Wenn ich dann am nächsten Tag reinkomme, kommt es darauf an, ob ich dann das Gefühl habe, ich will da nochmal mit Tusche reingehen. Dann muss ich nochmal 24 Stunden warten, bis die nächste Phase kommt und dann kommt erst die Phase mit der Acrylmalerei.

Und dann ist es ganz normal, also an die Wand gelehnt und dann male ich. Und weil ich ja immer von Farbauftrag auf Farbauftrag reagiere, kommt es darauf an. Manchmal kommt es richtig gut, ja, dann ist der Prozess vielleicht schneller, dann sitzt das Bild vielleicht schneller. Dann kommt es immer wieder darauf an, wenn ich dann am nächsten Tag nochmal hingehe, sitzt es wirklich oder ist es langweilig? Vielleicht gehe ich da nochmal dran Also es kann, ja, von zwei Wochen bis zu einem Monat und vielleicht erweist sich das Bild dann immer noch nicht als fertig. Das kann man gar nicht so genau sagen.

Verena Feldbausch: Wirfst auch manchmal Bilder weg?

Anne-Marie Stöhr: Ja, sehr viel.
Ich werfe und zerstöre sehr viel.

Verena Feldbausch: Und diese Tusche, das ist diese Geste, die man so sieht, diese breiten Pinselstriche, die sind mit Tusche gemalt, oder?

Anne-Marie Stöhr: Ja.

Verena Feldbausch: Genau, jetzt möchte ich nochmal auf die Titel der Bilder eingehen.
Also du wählst ja oft literarisch anmutende Titel für deine Gemälde aus.
Wie findest du die Titel? Kommen die aus Büchern, die du gerade liest, oder woher kommen die Titel?

Anne-Marie Stöhr: Auch das ist ganz unterschiedlich.
Also hier zum Beispiel “Ich und Du” ist der Titel des Buches von Martin Buber.
“Ich und Du” und das hat mich sehr bewegt.
Und deswegen habe ich das gleich so übernommen, weil es auch, ich mag auch einfache Sprache und einfache Titel manchmal.

Ja, dieses Bild heißt “Built”, aber B-U-I-L-T, das ist natürlich ein Sprachspiel. Und das, ja, fand ich witzig.
Ich habe da jetzt diese Neonziegelsteine, die tauchen seit 2018 in meinen Werken auf.

Das fing damit an, dass ich eine Ausstellung hatte in den USA, wo ich ein Bild an die Wand auf zwei neonfarbenen Klötzen gestellt habe, gelehnt habe.
Das war einfach so in der Schaffensphase, da habe ich mit Neon im Bild gearbeitet und dann lagen diese Klötze da auch vor meinem Atelier rum.

Die hatte ich dann bemalt mit dem Neonorange und es hat mir sehr gut gefallen, auch weil es auf der einen Seite, dieser Backstein ist sehr belegt, hat was mit konstruieren und Bauen zu tun, dann war es für mich auch so eine Farbe, die zu Material geworden ist, die in den Raum geht und die Kombination hat mir gut gefallen.
Und das Bild, ich spreche deswegen so lange darüber, weil es auch so zentral ist im Zusammenhang mit der Installation hier vorne, “Nomad One”, da geht es ja auch um das Nomadische und das Bauen, das Aufbauen und das Abbauen.

Verena Feldbausch: Das ist ja bei dir öfters, dass du Bilder hast und irgendwelche Installationen, die farbig gestaltet sind, davor stellst, aus Holz auch zum Teil, also jetzt mit diesem Backstein, genau, aber aus Holz habe ich das auch schon gesehen. Genau, und jetzt gehen wir aber gerne zu der raumgreifenden Arbeit “Nomad One” über. Das ist also ein beidseitig bemaltes Gemälde, das von der Decke herabhängt und mit bunten Seilen, wie so ein Zelt beschwert ist. Kannst du mir da drüber was sagen? Wie war da deine Herangehensweise?

Anne-Marie Stöhr: Ja, also ich hatte 2023 eine Residenz in Schloss Wiepersdorf und da ist es ja so, also das ist in Brandenburg.
Ich bin mit meinem kleinen Auto hingefahren und hatte dann überlegt, also was ich in zwei Monaten dort machen werde und wie ich das zurück transportieren kann.
Da habe ich einfach Leinwand, eingerollte Leinwand und nicht aufgespannt, sondern hatte eben großformatige Bilder gemalt, wie ich sie auch immer male und dann allerdings die Ränder eingenäht, von Hand eingenäht und eben mit so einem Stanzgerät diese Nieten eingestanzt und Nylonschnüre, bunte Nylonschnüre auch farbig benutzt.
Und daraus entstand die Idee, dass ich eben auch so ein Bild beidseitig bemalen kann oder vielleicht quer durch den Raum spannen und mit der Hängung auch nochmal experimentieren kann.

Der Raum, also das Atelier in Wiepersdorf, die sind sehr, sehr groß und da konnte ich mir eben diese Freiheit groß zu denken wirklich erlauben.
Und das habe ich, diese Arbeit habe ich zwar hier in Saarbrücken gemacht, aber zum ersten Mal jetzt hier im Künstlerhaus ordentlich gehängt gesehen, weil mein Atelier nicht groß, nicht hoch genug war.

Nomad One: Mobilität und Schutz in der Kunst

Verena Feldbausch: Und Nomad One weist ja auf Nomaden hin, also auf ein Zelt.

Anne-Marie Stöhr: Durch diese Portabilität und Mobilität dieses Bildes und dass man es einrollen kann, mitnehmen kann und eben auch vielleicht überlegen, wo kann es, das könnte ja auch im Außenraum, das könnte im Wald hängen, das könnte in der Kirche hängen, das könnte eben im White Cube hängen. Das war die Idee, aber auch so die Idee des Zeltes oder des Segels. Also, dass dann nochmal ein Bild sich aus dem Rahmen löst und vielleicht mehr in den Raum oder vielleicht auch als Schutzraum wirkt. Weil die Farbe, also gerade in dieser Monumentalität wirkt ja nochmal anders.
Also, hat ja nochmal so eine Kraft irgendwie. Und da sehe ich das auch so ein bisschen als einen Schutzraum, als ein Haus oder ein Schutzzelt. Ja, man kann es auch anders hängen. Dasselbe Werk kann auch anders gehängt und anders präsentiert werden.

Verena Feldbausch: Ja, stimmt.
Und in dem ersten Raum, sollen wir da mal kurz hingehen?

Anne-Marie Stöhr: Ja.

Verena Feldbausch: Da hängen ja noch an der Wand verschiedene Objekte.
Das sind also solche Leinwände, die eigentlich zerrissen sind oder?

Anne-Marie Stöhr: Das ist Papier, Papier, was gerissen ist.Also hier das ist “Déchirures (My Fortune on a String)”. “My Fortune on a String”, das kam durch ein Lied.
Da habe ich Cat Power gehört beim Malen und da ist dann irgendwie so ein Satz des Liedes.
Da singt sie das, und das habe ich dann gerade mitgenommen. Und ich fand das interessant, hier so eine Niete reinzustanzen in das Papier und dann eben das als Objekt zu verarbeiten und mit diesem Reißen es nochmal als Objekt, als dreidimensionales Objekt nochmal ein bisschen umzuwandeln.

Verena Feldbausch: War das etwas, was du eigentlich schon zerrissen hattest oder war das etwas, was du so geschaffen hast?

Anne-Marie Stöhr: Nein, also es war ein Bild aus dem nichts wurde und was ich in Wut zerrissen habe und dann habe ich gemerkt, wow, das sieht aber gut aus.
Und dann kam dann aus dieser wütenden Destruktion wieder ein Kreativblitz.

Verena Feldbausch: Ja, sehr schön.
Und wahrscheinlich ist das hier ähnlich.
Also wie heißt dieses Werk jetzt?

Anne-Marie Stöhr: “Pieces of Paper”, also ein ganz einfacher Titel.
Das war ganz ähnlich und ist dann irgendwie so zusammen gebastelt worden.

Verena Feldbausch: Dann kommen wir jetzt zu den Papierarbeiten.
Das ist jetzt auch Tusche?

Anne-Marie Stöhr: Das ist Tusche.

Verena Feldbausch: Gibt es da auch Titel?

Anne-Marie Stöhr: Ja, die meisten heißen “Summer Breeze” oder eine Abwandlung davon “Summer Breeze 1, 2, 3, 4”.
Das hier heißt, glaube ich, “Pink and Purple”.
Da geht es dann um die Farben.

Verena Feldbausch: Die meisten heißen “Summer Breeze” oder eine Abwandlung davon “Summer Breeze 1, 2, 3, 4”. Die habe ich auch in Wiepersdorf gemalt, gezeichnet. Die Arbeiten auf Papier. Da war es natürlich Sommer und es war sehr warm. Und einfach so diese Freiheit in diesem Sommer, in diesem großzügigen Atelier und dann einzufangen, wie das Wetter und die Wärme und die Natur um einen herum wirkt. Das ist irgendwie so etwas, was hier in diesen Pinselstrichen zu sehen ist.

Verena Feldbausch: Das kommt auch irgendwie total rüber, finde ich.

Anne-Marie Stöhr: Einfach so ein Glück.

Verena Feldbausch: Jetzt sind wir in dem zweiten Ausstellungstraum mit den sechs großformatigen Gemälden.
Sollen wir einfach mal hier so rumgehen?

Anne-Marie Stöhr: Genau.

Verena Feldbausch: Das Bild heißt “Les Alliés de la Source” – “Die Unwägbarkeiten der Quelle”.
Das wurde mir geschenkt, der Titel.

Anne-Marie Stöhr: Von einem Freund.

Verena Feldbausch: Der hat gesagt, das könnte so heißen?

Anne-Marie Stöhr: Genau.

Verena Feldbausch: Das ist ja auch eine schöne Idee, dass man einen Freund fragt, ob er einen Titel dafür hat.
Ist das ein Schriftsteller?

Anne-Marie Stöhr: Ja, genau.

Verena Feldbausch: Okay, das klingt ja natürlich sehr poetisch. Und dieses Bild hier, das ist so fast Tarnfarben. Das Grün ist so eine Tarnfarbe, aber es gibt auch sehr viel Pink oder Rosa.
Wie ist der Titel?

Anne-Marie Stöhr: “Ich und Du” frei nach Martin Buber.

Verena Feldbausch: Genau.

Anne-Marie Stöhr: Ich kann da gar nicht sagen, worum es mir geht.
Es sind da keine intellektuellen Vorgänge, sondern es hat wirklich was mit Farbempfinden, mit Raumempfinden, Sommer, Freiheit.
Ich denke, ich bin da sehr beeinflusst durch die Farben, die um mich herum sind.

Verena Feldbausch: Kommen wir mal zu dem Bild, wo das Grau vorherrscht.
Wie ist da der Titel?

Anne-Marie Stöhr: “Agent Argenté” – “The Skin You’re In”.
Da habe ich Silber verwendet.
Deswegen dieser Silber-Agent, also als “Agent”, Silver Agent, als Transport, also Farbe als Vehikel sozusagen.

Verena Feldbausch: Deine Titel sind ja auch dann oft in Französisch und Englisch.

Anne-Marie Stöhr: Ja, im Moment.

Verena Feldbausch: Ja?
Waren die auch schon mal Schwedisch und Deutsch?

Anne-Marie Stöhr: Ja, mit Sicherheit.
Ich denke, also die früheren Arbeiten, als ich noch frischer aus Schweden kam, schon. Also ich schreibe zum Beispiel Tagebuch auf Schwedisch, aber ich hatte jetzt, ich habe mir angewöhnt in den USA, dadurch, dass ich dort gelebt habe, die meisten Titel auf Englisch zu machen. Das ändert sich jetzt ein bisschen noch mal, aber Englisch ist trotzdem noch sehr präsent.

Verena Feldbausch: Und dann würde ich sagen, kommen wir zu diesem Bild hier.

Anne-Marie Stöhr: Das heißt “Oiseau Rebelle”.

Verena Feldbausch: “Oiseau Rebelle”, okay.
Der rebellische Vogel.

Anne-Marie Stöhr: Ja, das ist ja aus der Arie.
“L’amour est un oiseau rebelle”, ist doch dieses, ne?

Verena Feldbausch: Ja, das macht natürlich irgendwas, diese Titel, mit den abstrakten Werken, also mit den ungegenständlichen Werken, sagen wir mal so.
Man sucht da irgendwie einen Vogel.

Anne-Marie Stöhr: Nee, das ist kein Vogel.
Nee.
Das ist der Flug des Vogels.

Verena Feldbausch: Ja, also man kann da ganz viel interpretieren.

Anne-Marie Stöhr: Oder der Gesang des Vogels.

Verena Feldbausch: Über dieses Bild haben wir schon am Anfang gesprochen. Es heißt “Built” und ist auf diesem Pflasterstein in Neon platziert.
Und schließlich bleibt noch dieses hier, wo man sehr viele Blautöne sieht. Also das hier ist Tusche?

Anne-Marie Stöhr: Das ist alles Tusche. Das ist “Acryl”. Das ist Tusche.
Also du siehst, das geht alles so ineinander über.

Verena Feldbausch: Und wie ist der Titel von diesem Bild?

Anne-Marie Stöhr: “TV Jacket”. Ist ein bisschen mysteriös, ja.

Verena Feldbausch: Zur Ausstellung erscheint auch ein Katalog.
Wann erscheint er?

Anne-Marie Stöhr: Er erscheint am 14. Februar. Da gibt es auch ein Künstlergespräch mit Jörg Gronius zur halben fünf. Also um halb fünf, Freitag am 14. Februar.

Verena Feldbausch: Genau, das ist auch noch ein weiteres Event, was jetzt im Rahmen deiner Ausstellung feststeht.

Anne-Marie Stöhr: Ja, genau.

Verena Feldbausch: Ja, vielen Dank.
Oder möchtest du noch irgendwas sagen?

Anne-Marie Stöhr: Naja, also ich hoffe, dass viele Leute herkommen und sich die Ausstellung ansehen. Ich finde, Farbe hat ja absolut eine Kraft und auch eine Dynamik. Und ich hoffe, dass es rüberkommt, was ich versuche zu sagen, mit Farbe und Dynamik.

Verena Feldbausch: Sehr schön, vielen Dank.
Super.

Anne-Marie Stöhr: Ich danke dir.

Verena Feldbausch: Ich lade euch herzlich ein, diese farbenfrohe Ausstellung von Anne-Marie Stöhr im Saarländischen Künstlerhaus zu besuchen.
Sie ist noch bis zum 2. März hier zu sehen. Und davor, am 14. Februar, findet hier ein Künstlergespräch mit Jörg Gronius statt.
Alle Infos findet ihr, wie immer, in den Show Notes. Vielen Dank für euer Interesse und bis zum nächsten Mal, eure Verena Feldbausch.

Verena Feldbausch: Dir hat art talk gefallen? Dann hinterlasse 5 Sterne und empfehle uns deinen Freund*innen.
Mehr Infos zu dem Podcast findest du in den Show Notes und in unserem Blog.
Sei wieder dabei, wenn es heißt, wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux.

Der Beitrag #23 art talk – Anne-Marie Stöhr erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#22 art talk – The True Size of Africa – Teil 2

Verena — Mon, 30 Dec 2024 07:00:38 +0000

Im Gespräch mit Prof. Dr. Christiane Solte-Gresser über die Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte

Im zweiten Teil unseres Kunstpodcasts spreche ich mit Prof. Dr. Christiane Solte-Gresser über den Beitrag des Käte-Hamburger-Kollegs für kulturelle Praktiken der Reparation an der Universität Saarbrücken zur Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte. Im Mittelpunkt stehen die Künstlerinnen Zineb Sedira, Géraldine Tobe und Memory Biwa, die als Artist-in-Residence und als Fellows eingeladen waren, an der Ausstellung vor Ort mitzuarbeiten. Ausserdem erfahrt ihr, wer Käte Hamburger war und über welche Themen das Kolleg hier in Saarbrücken forscht. Wir laden euch ein, mit Hilfe unserer Kunstpodcasts – Teil 1 und 2 – mehr über diese faszinierende Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte zu erfahren – vor oder nach eurem Besuch in Völklingen -, um dann die wahre Größe Afrikas tatsächlich besser ermessen zu können.

Foto Credits:

1 Zineb Sedira: Standing Here Wondering Which Way to Go, 2019
2 Zineb Sedira, Standing Here Wondering Which Way to Go, 2019
3 Memory Biwa: Ozerandu, 2024
4 Biwa Memory : Ozerandu, 2024
5 Memory Biwa: Ozerandu, 2024
6 Géraldine Tobe: Ausschnitt aus Empty Song/Vide Cantique 2022
7 Géraldine Tobe: Empty Song/Vide cantique 2022
8 Géraldine Tobe: Atelierarbeiten im WKE VH, 2024

Das gesamte Interview mit Prof. Dr. Christiane Solte-Gresser zur Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte:

Verena Feldbausch: Wir reden über Kunst bei art talk, dem Kunstpodcast aus SaarLorLux. Wir treffen Kuratorinnen und Künstlerinnen dort, wo sie gerade ausstellen. Mit uns entdeckt ihr zeitgenössische Kunst und außergewöhnliche Kunsträume in unserer Region. Werdet Teil von Galeriegesprächen, Ausstellungseröffnungen und Finissagen. art talk hört ihr überall dort, wo es Podcasts gibt.

Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk. Bevor wir loslegen, noch ein Hinweis in eigener Sache: Alle Werke, über die wir gleich sprechen, findet ihr als Abbildungen in meinem Blog. Der Link dazu steht in den Show Notes.

Heute spreche ich im zweiten Teil unseres Podcasts mit Frau Prof. Dr. Solte-Gresser. Sie leitet zusammen mit Prof. Dr. Markus Messling das Käte-Hamburger-Kolleg in Saarbrücken und berichtet uns über den Beitrag des Kollegs zur Ausstellung “The True Size of Africa”. Ich bin Verena Feldbausch und freue mich, dass ihr zuhört.

Verena Feldbausch: Hallo Frau Dr. Solte-Gresser und vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, mit mir zu sprechen. Unser Thema ist die Zusammenarbeit zwischen dem Weltkulturerbe Völklinger Hütte und dem Käte-Hamburger-Kolleg für kulturelle Praktiken der Reparation an der Universität des Saarlandes für die Ausstellung “The True Size of Africa”. Was ist der Beitrag des Kollegs zur Ausstellung “The True Size of Africa”?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Ja, es ist schon eine ganze Weile her, dass der Generaldirektor der Völklinger Hütte, Ralf Beil, uns gefragt hat, ob wir bei diesem Riesenprojekt mitmachen möchten, die Ausstellung vorzubereiten. Das wollten wir sehr gerne. Das war eine tolle Gelegenheit, unsere Forschungsüberlegungen in die breite Öffentlichkeit zu tragen.

Wir haben also dieses ganze Projekt wissenschaftlich ein Stück weit mit begleitet. Wir haben unsere Netzwerke eingebracht und ganz konkret heißt das, dass wir zum Beispiel den Ausstellungskatalog mit herausgeben, dass wir an Texten für die Ausstellung zusammen mit unserem Team gearbeitet haben. Wir haben über das Konzept viel diskutiert. Für uns das Wichtigste und Spannendste aber auch, und das, was man jetzt sieht in dieser Ausstellung ganz konkret, ist, dass wir in unserem Kolleg immer Künstlerinnen und Wissenschaftlerinnen zu Gast haben, die sich in diese Ausstellung mit eingebracht haben.

Unter anderem Elara Bertho, eine Afrikanistin, deren Expertise die Ausstellung bereichert hat, aber auch drei Artists in Residence – Zineb Sedira, Memory Biwa und Geraldine Tobe. Sie waren viele Monate bei uns zu Gast. Wir haben sehr viel über diese Ausstellung gesprochen und sie haben vor allem Kunstwerke vorbereitet, die man jetzt in dieser Ausstellung sehen kann. Das war ein langer, sehr spannender Prozess.

Verena Feldbausch: Wie war die Zusammenarbeit mit den Künstler*innen? Beginnen wir mit Zineb Sedira. Sie ist Französin mit algerischen Wurzeln, war Artist in Residence und hat das Werk mit dem Titel “Standing Here, Wondering Which Way to Go” für die Ausstellung erschaffen. Ich beschreibe das kurz: Wir sehen einen lebensgroßen Nachbau des Wohnzimmers der Künstlerin. Es enthält zahlreiche persönliche Gegenstände und Möbelstücke, die sie über mehrere Jahrzehnte angesammelt hat. Wie gestaltete sich die Zusammenarbeit mit dieser Künstlerin?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Das hat eine gewisse Vorgeschichte. Zineb Sedira hat im Jahr 2022 den französischen Pavillon der Venedig Biennale gestaltet. Dort war bereits ein Teil ihres Wohnzimmers zu sehen. Markus Messling kennt sie gut, hat auch zu ihrem Werk geforscht und gearbeitet. Insofern konnten wir an diesen Kontakt anknüpfen. Das war natürlich sehr bereichernd.

Wir haben zusammen die Räumlichkeiten in der Völklinger Hütte besichtigt. Sie war begeistert, wie alle Künstler*innen, die da hereinkommen und sagen: “Wow, da auszustellen, ist etwas ganz Besonderes.” Sie hat auch intellektuell viel zu unserer Reparationsproblematik beigetragen, etwa durch einen mehrtägigen Workshop mit unseren Fellows. Dort hat sie ihr Werk vorgestellt und wir haben darüber diskutiert. Es ging unter anderem um die Frage, was ein Archiv eigentlich ist, wie ein Archiv arbeitet und was ihr Werk mit Archiven zu tun hat. Das war ein sehr intensiver Austausch.

Verena Feldbausch: Worum geht es in ihrem Werk? Was ist die Aussage? Warum hat sie ihr Wohnzimmer aufgebaut?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Im Grunde ist es das Wohnzimmer, in dem sie lebt, ihren Alltag verbringt, in London. Aber dieses Zimmer versetzt uns in die 60er Jahre in Algerien. Es atmet diese besondere Atmosphäre. Man sieht Filmplakate, Bücher – intellektuelle, philosophische, afrikanische Kulturtheorie und Politik aus dieser Zeit. Man sieht Schallplatten. Alles zusammen vermittelt diese Stimmung der 60er Jahre.

Das Werk ist eine Art Archiv eines kritischen Bewusstseins dieser Zeit. Es erlaubt den Besucher*innen, durch den Raum zu gehen, Dinge anzufassen und so selbst in Auseinandersetzung zu treten. Es erinnert an eine Zeit nach der Unabhängigkeit Algeriens, in der es eine große Offenheit und Hoffnung gab, etwa die Idee des Panafrikanismus und internationaler Solidarität. Die Kunst erlaubt uns, die Zeit zurückzudrehen und diese besonderen Momente wiederzuerleben.

Verena Feldbausch: Sehr spannend und auch schön, dass man da wirklich mitmachen kann als Besucher*in. …

Dann gab es die Fellows Géraldine Tobe und Memory Biwa. Zunächst eine grundlegende Frage: Was bedeutet Fellow?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Fellows bilden den Kern unseres gesamten Forschungsprojekts. Das Fellow-Programm bedeutet, dass renommierte Wissenschaftlerinnen aus der ganzen Welt zu uns kommen und bis zu einem Jahr mit einem eigenen Forschungsprojekt bei uns arbeiten. Dabei konzentrieren wir uns gemeinsam auf die Reparationsproblematik. Es kommen auch immer Artists in Residence dazu, wie bei der Ausstellung, wo es vor allem bildende Künstlerinnen waren. Im Moment haben wir auch Künstler*innen aus den Bereichen Literatur und Theater bei uns.

Unser Ansatz ist, dass Forschung nicht nur akademisch sein muss, sondern auch Artistic Research umfassen kann. Es geht darum, Erkenntnisse zu gewinnen, die für unser Thema der Reparation wichtig sind. In diesem Zusammenhang haben Memory Biwa und Géraldine Tobe viel beigetragen, künstlerisch wie intellektuell.

Verena Feldbausch: Kommen wir zu Memory Biwa. Sie stammt aus Namibia, und in ihrer Installation spielt die Farbe Rot eine zentrale Rolle. Was ist zu sehen und was ist zu hören in dieser Installation?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Ihr Werk trägt den Titel Ozerandu, was in einer Herero-Sprache eine tiefere Bedeutung hat. Memory Biwa verbindet Kunst mit Erkenntnis, indem sie Assoziationen schafft. In der Völklinger Hütte hat sie sich von der Umgebung inspirieren lassen, insbesondere von der Farbe Rot – der Staub und Sand in Namibia sowie die Glut bei der Stahlproduktion.

Die Installation verbindet verschiedene Elemente: das Rot als Lichtfarbe, die unterirdischen Räume der Gebläsehalle, aber auch Klänge. Was wir hören, sind Geräusche, die Materialgewinnung und industrielle Prozesse miteinander verbinden, etwa das Plätschern von Wasser oder Arbeitsgeräusche. Gleichzeitig integriert sie kulturelle Rituale aus Namibia. Diese überlappenden Klänge und Bilder schaffen eine Verbindung zwischen den Orten und Zeiten, die Geschichte und Gegenwart miteinander verknüpfen.

Verena Feldbausch: Sehr eindrucksvoll. Und was können Sie uns über Géraldine Tobe erzählen? Ihr Werk Empty Song besteht aus sieben Bildern, die durch Rauch auf Leinwand entstanden sind. Warum hat sie diese Technik gewählt?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Géraldine Tobe hat eine ganz individuelle Technik entwickelt, bei der sie mit kongolesischen Öllampen arbeitet. Der Rauch und der Ruß werden ihr Material, aus dem sie Formen und Figuren erschafft. Die Bilder von Empty Song greifen die Geschichte der Demokratischen Republik Kongo auf, insbesondere die Gewaltgeschichte der Kolonialisierung. Gleichzeitig verweben sich ihre Werke mit ihrer persönlichen Lebensgeschichte.

Eines ihrer Werke zeigt beispielsweise einen Mann auf einem Berg von Totenschädeln, ein anderes eine weiße Figur, die möglicherweise einen Söldner darstellt. Diese Bilder thematisieren die Unterdrückung afrikanischer Traditionen durch den Kolonialismus. Gleichzeitig verarbeitet sie persönliche Erfahrungen – sie galt als “Hexenkind” und musste Exorzismen über sich ergehen lassen. Für sie hat Feuer eine doppelte Bedeutung: es zerstört, aber es hat auch etwas Kathartisches. In ihren Werken wandelt sie diese zerstörerische Kraft in etwas Produktives um.

Verena Feldbausch: In der Nähe ihrer Werke stehen auch fünf afrikanische Skulpturen. Welche Bedeutung haben diese im Zusammenspiel mit ihren Bildern?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Die Skulpturen stammen aus einer bedeutenden Sammlung afrikanischer Kunst eines Saarbrücker Sammlers. Sie stehen in einem Dialog mit Tobes Bildern, aber auch mit den Besucherinnen. Diese Figuren blicken sowohl auf die Hüttenarbeiterinnen als auch auf die Traditionen, die in den Bildern verarbeitet sind. Sie schaffen eine Konstellation, die unsere Vorstellung von Afrika herausfordert und verändert.

Verena Feldbausch: Und abschließend: Was können Sie uns über das Käte-Hamburger-Kolleg und seine Projekte erzählen?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Unser Kolleg trägt den Namen der jüdischen Intellektuellen Käte Hamburger, die für uns sinnbildlich für die Problematik einer unterbrochenen Kulturgeschichte steht. Wir beschäftigen uns mit kulturellen Praktiken der Reparation, von klassischen Künsten wie Literatur und Theater bis hin zu religiösen und therapeutischen Ansätzen. Es geht um eine Auseinandersetzung mit Vergangenheit und Schäden, die oft irreparabel sind.

Unsere Fellows arbeiten an individuellen Projekten, wir veranstalten Tagungen und geben Publikationen heraus. Ein weiteres spannendes Vorhaben ist die Zusammenarbeit mit dem saarländischen Staatstheater. Derzeit ist Kossi Efoui, ein Schriftsteller und Theatermacher aus Togo, bei uns zu Gast.

Verena Feldbausch: Vielen Dank für das spannende Gespräch! Gibt es noch etwas, das Sie hinzufügen möchten?

Prof. Dr. Solte-Gresser: Nur, dass Kunst eine einzigartige Möglichkeit bietet, die Welt auf sinnliche und intellektuelle Weise zu erschließen. Die Ausstellung “The True Size of Africa” inszeniert diese Themen auf eine Weise, die unter die Haut geht. Ich kann allen nur empfehlen, sie zu besuchen.

Verena Feldbausch: Vielen Dank, Frau Dr. Solte-Gresser. Alles Gute für Ihre weiteren Vorhaben!

Prof. Dr. Solte-Gresser: Herzlichen Dank.

Verena Feldbausch: Nachdem ihr jetzt so viel gehört habt, was es alles zu sehen gibt, macht euch auf ins Weltkulturerbe Völklinger Hütte. Es lohnt sich! Unsere Podcasts wären nicht möglich ohne die Unterstützung des Saarländischen Ministeriums für Bildung und Kultur und von Saartoto – dafür herzlichen Dank. Wir hören uns im nächsten Jahr wieder.

Bis dahin, eure Verena Feldbausch.

Der Beitrag #22 art talk – The True Size of Africa – Teil 2 erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.

#21 art talk – The True Size of Africa – Teil 1

Verena — Mon, 23 Dec 2024 07:00:40 +0000

Im Gespräch mit Dr. Ralf Beil über die Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte

Im ersten Teil unseres Kunstpodcasts spreche ich mit Dr. Ralf Beil, Kurator der Ausstellung THE TRUE SIZE OF AFRICA und Generaldirektor des Weltkulturerbes Völklinger Hütte. Unser Fokus liegt auf den zeitgenössischen Kunstwerken, von denen es hier 26 Positionen zu entdecken gibt. “Signifikante Kunstwerke der letzten Jahrzehnte treffen auf eigens für die Schau realisierte Sound- und Rauminstallationen von Künstler*innen aus Afrika und der globalen Diaspora. So entsteht ein dichtes Netzwerk an Impulsen und Wahrnehmungsmöglichkeiten, die nachhaltig und vielschichtig THE TRUE SIZE OF AFRICA in Vergangenheit und Gegenwart erlebbar machen.” (Weltkulturerbe Völklinger Hütte) Wir laden euch ein, euch mit Hilfe unseres Kunstpodcasts über diese faszinierende Ausstellung zu informieren – vor oder nach eurem Besuch in Völklingen -, um dann die wahre Größe Afrikas tatsächlich besser ermessen zu können.

Foto Credits:

7 © – Omar Victor Diop, Courtesy Galerie MAGNIN-A, Paris
8, 9 – © Zanele Muholi, courtesy of Southern Guild
10, 11 – © William Kentridge, Courtesy Kentridge Studio
12 – © ADAGP, Paris, 2023 Courtesy de l’artiste
13 – © courtesy of the artist and Galerie Barbara Thumm
12 – © The Singh Twins: www.singhtwins.co.uk
22 – © Courtesy of the artist and Selebe Yoon, Dakar
24 – © Kara Walker, Courtesy Sprüth Magers and Sikkema Jenkins & Co.
25, 26, 27 – © Smoking Dogs Films; Courtesy Smoking Dogs Films and Lisson Gallery.

Das gesamte Interview mit Dr. Ralf Beil zur Ausstellung “The True Size Of Africa”

Hallo und herzlich willkommen zu einer neuen Folge von art talk. Bevor wir loslegen, noch ein Hinweis in eigener Sache. Alle Werke, über die wir gleich sprechen, findet ihr als Abbildungen in meinem Blog. Und der Link dazu steht in den Show Notes. Wenn ihr euch also optimal auf eine Ausstellung vorbereiten möchtet, dann hört euch zuerst den Podcast an und betrachtet die Bilder der Kunstwerke in meinem Blog. Und jetzt auf nach Völklingen. Viel Spaß.

Verena Feldbausch: Wir sind heute im Weltkulturerbe Völklinger Hütte und besuchen die Ausstellung “The True Size of Africa” mit dem Kurator Dr. Ralf Beil.

Bevor wir in den Hauptausstellungsraum in die Gebläsehalle kommen, gehen wir durch das neu eröffnete Pumpenhaus und hören das im Saarland wohlbekannte Steigerlied mal ganz anders.

Hallo Herr Dr. Beil. Ich freue mich sehr, dass Sie sich die Zeit genommen haben und heute mit mir durch die Ausstellung “The True Size of Africa” gehen. Wir haben gerade den namibischen Klängen der Sound-Installation “The Land Remembers” gelauscht. Die Texte sind von Emeka Ogboh und musikalisch erkennen wir das Steigerlied wieder. Von was handelt der Text und was hat es damit auf sich?

Dr. Ralf Beil: Der Text in “Oshiwambo” handelt von kolonialer Landnahme, von Schmerzen, Problemen und gleichzeitig aber auch einem Neuanfang, der jetzt gesucht wird. Also es geht sozusagen wirklich um die Geschichte der Kolonialisierung und ist dann somit auch eine subversive Variante, wenn Sie so wollen, oder Version des Steigerliedes, was dieses Lied eigentlich dann zu einem afrikanischen Liedgut macht, was von all den Problemen spricht, die wir eben als Europäer quasi in Afrika eingebrockt haben. Und deswegen ist es, glaube ich, sehr sinnlich und gleichzeitig auch sehr emotional, dieses Lied als allererstes zu hören. Gewissermaßen auch als eine Irritation, erst einmal begrüßt zu werden von diesem ja fast ekklestialen, kirchlichen Lied, was aber dann doch einen sehr großen Tiefgang hat, wenn man dann im Media Guide beispielsweise eben den deutschen oder englischen Text liest. Es ist eben auch ganz bewusst gesetzt sozusagen wie so als einen Durchgang um auch so ein bisschen diesen Alltag …

… Wir kommen ja alle mit sehr unterschiedlichen Paketen hier an, haben irgendwie noch im Kopf, was muss vielleicht noch gekocht werden, was passiert da noch, wie war es in meinem Job. Und es ist quasi wie so eine Soundschleuse, die uns ermöglicht, einfach schon mal ein erstes Mal reinzukommen in eine andere fremde Welt.

Verena Feldbausch: Sehr schön. Was war der Ausgangspunkt von “The True Size of Africa”?

Dr. Ralf Beil: “The True Size of Africa”, eigentlich hat das Ganze begonnen wirklich schon bei Recherchen zu “Mon Trésor”. Da bin ich auf einen Grabstein gestoßen, einen Grabstein in Saarlouis, und da stand drauf: “Hier ruht in Gott, mein lieber N***, Chim Bebe”. Und das ist natürlich einfach ein ganz untrügliches Zeichen gewesen, wie viel Afrika auch im Saarland steckt. Das ist nur ein Grabstein von vielen, ein Togolese, der von einem Möbelfabrikanten dann hergebracht wurde, einem gewissen Herrn Koch. Und da war sozusagen schon so eine Idee da: Wir können was mit Afrika machen.

Da habe ich viele Skulpturen-Sammler von afrikanischer Kunst getroffen. Und dann bin ich tatsächlich im MoMA 2021 auf Kai Krause gestoßen, in einer Wolfgang Tillmanns Retrospektive.   Kai Krauses Karte “The True Size of Africa”. Wir stehen hier gerade davor und das ist eben dann der Umriss von Afrika. Und da passen dann eben die Vereinigten Staaten, China, Großbritannien, Indien, ganz Europa rein – und es ist immer noch Platz. Und man sieht erst da so wirklich, wie viel es wirklich an Größe in diesen 54 Ländern gibt, was wir einfach total unterschätzen.

Und genau darum geht es ja, dass wir gegen diese Unterschätzung, diese fundamentale Unterschätzung, die ja nicht nur geografischer Natur ist, sondern auch menschheitsgeschichtlicher und überhaupt historischer Natur, dass wir dagegen anarbeiten wollen. Und deswegen ist dieses Museum of Memorability auch entstanden und die gesamte Ausstellung.

Verena Feldbausch: Mit den Media Guides, die man mit der Eintrittskarte bekommt, kann man den ersten Teil der Ausstellung, das Museum of Memorability, also das Museum der Erinnerungskultur, mit Hilfe von Texten und Filmen sehr gut erkunden. Unser Fokus liegt auf der zeitgenössischen Kunst und auf zeitgenössischen Künstler*innen. Es geht hier um 26 Positionen und natürlich können wir heute nur eine Auswahl treffen. Wo möchten Sie beginnen?

Dr. Ralf Beil: Beginnen wir am Anfang. Gehen wir jetzt zu Romeo Mivekannin.

Verena Feldbausch: Ja, sehr gut. Nicht zu übersehen sind die 68 Porträttücher von Romeo Mivekannin. Er stammt aus der Elfenbeinküste. Was ist das Besondere an diesem Werk?

Dr. Ralf Beil: Das Besondere an dem Werk und warum es wirklich direkt nach dem Museum of Memorability hier groß in der Halle hängt, ist, dass es einfach wirklich Menschen versammelt: Afrikaner*innen, aber auch Menschen dunkler Hautfarbe aus der Diaspora, also aus den Vereinigten Staaten, Hawaii und wo auch immer, die einfach natürlich für diese True Size of Africa stehen.

Dr. Ralf Beil: Wir haben hier Ray Charles, wir haben Wole Soyinka, den nigerianischen Nobelpreisträger, Spike Lee, Kamala Harris ist dabei, Du Bois, der tatsächlich dem Ganzen den Namen gegeben hat, denn sein Buch The Souls of Black Folk ist sozusagen die Grundlage – wirklich wörtlich. Da sind die Texte, die Buchseiten, auf denen diese Porträts gedruckt sind.

Wir haben hier wirklich ein Kaleidoskop von Menschen – Josephine Baker ist auch dabei –, die alle schwarz waren, aber gleichzeitig eben auch aktivistisch unterwegs waren. Selbst so jemand wie Alicia Keys, die hier auch in der vorderen Reihe hängt, ist eine, die sich eben für Frauen einsetzt, für wirkliche Menschenrechte, und sich eben begreift als ein aktiver Teil unserer planetarischen Gesellschaft.

Und das macht diese Arbeit so bedeutsam, dass wir eben sehen: Es geht nicht nur um Afrika, was schon riesig wäre, aber es geht auch um das, was der Sklavenhandel eigentlich erstmal negativ verursachte, nämlich die Ausbreitung von Afrikaner*innen auf die ganze Welt – von Indien bis nach Nord- und Südamerika, überall und natürlich auch Europa. Und das ist eigentlich die Hauptmessage: Hier ist dieses “True Size of Africa” einfach greifbar. Man kann durchwandern durch diese Porträts und sie sich im Einzelnen anschauen und sozusagen wirklich diese Größe tatsächlich dieser einzelnen Menschen erfassen.

Denn darum geht es uns ja auch immer, zu betonen, dass Menschen etwas ganz Wichtiges sind. Dass es nicht Sachzwänge sind und dass es keine Automatismen gibt, dass einer weniger stark ist als der andere oder dass wir jemanden erniedrigen müssen. Das sind alles Ideologien gewesen damals im Kolonialismus. Warum hat man das gemacht? Um einfach rechtfertigen zu können, dass man diese Menschen holt und sie als Sklaven einsetzt.

Wenn man das nicht hätte irgendwie ideologisch überblenden können, dann wäre es gar nicht möglich gewesen. Vor allem im Zeitalter der Aufklärung – man muss sich vorstellen: Der Sklavenhandel fand während der Aufklärung statt. Und für uns ist ja gemeinhin Kant, der kategorische Imperativ, das ist die große Welt des Westens. Und genau das ist eben das Thema dieser Ausstellung: Dass diese Welt gar nicht so groß ist, weil sie einfach ganz viel Schuld auf sich geladen hat und wir einfach umdenken müssen.

Verena Feldbausch: Sehr beeindruckend und ideal für diese Gebläsehalle, finde ich. Weiter würde ich gerne gehen zu der Installation von Dele Adeyemo. Er ist ein Künstler aus Lagos und seine Installation hat den Titel Tanz der Mangroven. Das ist ja so eine Projektion auf Sand eigentlich.

Dr. Ralf Beil: Genau. Lassen Sie uns mal da hingehen. Dele Adeyemos Installation steht hier natürlich im Kontext. Wir stehen zwischen diesen riesigen Maschinen der Gebläsehalle und hinter dieser Installation, zu der ich gleich noch näher komme, steht eben ein Bücherschrank. Das ist der Bücherschrank von Reinhard Klimt, und da sind all die Projektionen der Europäer versammelt auf Afrika. Denn diese Reiseberichte sind natürlich eben auch gespeist immer von Fiktionen, von Vorstellungen der Europäer, die eben leider nicht immer gestimmt haben, muss man ja so sagen.

Und dann haben wir hier im Kontrast davor diese Schale mit Sand, und unten hat man tatsächlich noch diese Verästelungen der Mangroven, die sich hier andeuten in dieser Projektionsskulptur, wenn wir so wollen. Also wirklich auch eine raffinierte Art, das zu installieren mit dem Sand, der auch auf dem Podest liegt, auf dem Sockel.

Und das ist dann tatsächlich ein Blick in das heutige Lagos, in Rituale, aber auch tatsächlich in dieses Zwischenland. Denn die Lagune, um die es hier geht, die ist eben natürlich zwischen Meer und der riesigen Megalopolis Lagos angesiedelt. Und genau darum geht es ihm: um diese Erkundung, wie die Jugendlichen, wie die Menschen dort leben – auf dem Wasser, wie sie am Strand tanzen, unterwegs sind. Also ein Blick in das heutige Lagos mit ganz unterschiedlichsten Facetten, dem gegenübersteht tatsächlich der Projektionsraum der Bücher, hier versinnbildlicht durch diesen wunderbaren und dankenswerterweise ausgeliehenen Schrank des Afrika-Skulpturensammlers.

Verena Feldbausch: Reinhard Klimt, ja genau. Ja, ich finde das ganz toll gemacht, muss ich sagen. Es gefällt mir wirklich sehr, sehr gut. Gehen wir doch jetzt direkt weiter zu dem Senegalesen Omar Victor Diop und seinen Fotoarbeiten, die auf diese Großbanner gedruckt worden sind. 2020 war hier eine Ausstellung Afrika im Blick der Fotografie. Da war er auch schon dabei. Was ist seine Perspektive?

Dr. Ralf Beil: Seine Perspektive ist auch tatsächlich eine Wiederaneignung von Geschichte. Denn wir haben hier große Banner mit Fotos von ihm, das sind Selbstporträts. Und er ist sozusagen dann in historische Gewänder gekleidet. Und da haben wir hier tatsächlich eben einen venezuelanischen Freiheitskämpfer. Wir haben einen Kleriker aus Afrika, der dann Sklave wurde in Amerika und dann aber das erste Buch über das Sklave-Sein geschrieben hat. Und hier oben haben wir tatsächlich einen Diplomaten, der aus dem Kongo kam und dann eben in Holland unterwegs war.

Und gleichzeitig überblendet er aber diese historischen Kostüme noch mit zeitgenössischen Utensilien, nämlich mit Sporthandschuhen, mit einem Fußball, den diese Figuren tragen. Und weist darauf hin, in der ironischen Brechung, dass man eigentlich als Schwarzer immer noch am schnellsten berühmt wird, wenn man einfach Sportler wird – also wenn man Basketballer oder Golfer oder was auch immer ist.

Und von daher eine durchaus vielschichtige Geschichte, die aber gleichzeitig auch zeigt, was für Lücken immer noch bei uns in der Geschichte da sind. Denn diese Menschen, die kennen wir alle nicht, aber wir müssten sie eigentlich kennen, denn sie waren maßgeblich. Sie haben tolle kulturelle Leistungen verbracht, haben zwischen Ländern vermittelt. Und das zeigt einmal mehr, dass es noch ganz viel zu tun gibt.

Verena Feldbausch: Ja, absolut. Sehr aufschlussreich. Und weiter hinten sehe ich ja noch eine beeindruckende Installation. Worum handelt es sich da?

Dr. Ralf Beil: Das, was Sie dort sehen, sind die Tirailleurs Sénégalais mit ihren roten Kappen. Und das ist sehr traurig, weil es gerade am 1. Dezember ein fatales Jubiläum gab: 80 Jahre ist es her, dass dieses Massaker stattgefunden hat an den Weltkriegssoldaten des Zweiten Weltkriegs, die dann in einem Lager bei Dakar waren und einfach nur protestiert haben, weil sie nicht mal ihren Lohn, ihren Sold bekommen haben.

Und dann tatsächlich zusammengeschossen wurden. Das haben die französischen Kolonialherren damals gemacht. Ein besonders unrühmliches Kapitel, wieder mal von den Europäern. Das heißt, sie haben sie erst als Kanonenfutter eingesetzt, und als sie dann noch nicht umgekommen waren im Krieg und zurück in der Heimat waren, haben sie eben den Sold nicht ausbezahlt, und als sie dann protestiert haben, sind sie erschossen worden.

Das sind so emblematische Geschichten, die finde ich sehr stark und uns eigentlich zeigen, dass wir ganz viel in der Geschichte noch aufarbeiten müssen. Und dafür ist dieser Ort eben auch ideal. Gleichzeitig hat er dieses Atmende, diese Weite. Wir können diese Landschaft an Kunst erwandern und uns damit in diese Geschichtslandschaft hineinbegeben. Das ist auch das Ziel. Diese Halle ist dafür wirklich perfekt geeignet.

Verena Feldbausch: Ja, das stimmt. Bleiben wir bei den Porträtfotos, aber Porträtfotos einer ganz anderen Art, von Zanele Muholi. Sie kommt aus Südafrika und zeigt ganz besondere Selbstporträts. Welche Aspekte greift sie mit ihrer Kunst auf?

Dr. Ralf Beil: Erstmal muss man sagen, dass sie non-binär gelesen wird oder sich selber auch non-binär liest. Und dass wir dann einen zweiten Weg auf der linken Seite haben, den eben Zanele Muholi mit ihren Selbstporträts bespielt. Und die spielen halt auch wieder eigentlich mit den Stereotypen und den Klischees, in diesem Fall im Besonderen.

Bei Diop ist es sozusagen das Planetarische, die Geschichte all dessen, was passieren kann. Und sie spielt mit unserem europäischen Blick. Wir stehen hier gerade vor einer großen Porträtansicht, und da ist sie eben zu sehen mit grobem Seil, was sie um den Hals geschlungen hat und um den Kopf. Das ist ja das, was man immer dann mit Afrika verbindet: landläufig die Materialien, die Schwere, das Grobe. Aber gleichzeitig hat sie dann wirklich Batterieklemmen, die jeder noch kennt, der mal ein Auto aufladen musste, da dran gesteckt, so als Deko-Element.

Und sie übertreibt das tatsächlich in der Form, sodass es eigentlich dann bestenfalls den Besuchern wie Schuppen von den Augen fällt, dass das eben natürlich ein Spiel mit unserem Blick ist. Wie gehen wir damit um? Und es sind halt Aufnahmen, die dann zum Teil mit einem riesigen Haaraufsatz spielen – entweder sind sie geflochten oder sie sind halt riesig, wild, sozusagen die Haare.

Oder wir haben dann eine Figur dort hinten, die eben mit einer Decke umhüllt ist, quasi sich in eine Decke einhüllt. Das ist quasi das Klischee, dass alle Afrikaner*innen eigentlich Migranten sind und in Flüchtlingslager leben. Und wer einmal in Dakar war oder in Lagos, in diesen riesigen Städten mit den Hochhaustürmen, der weiß, dass es eben viel größere Städte gibt, als es Saarbrücken oder Frankfurt oder selbst Berlin sind. Dagegen ist das hier alles harmlos in Europa.

Und genau darum geht es hier natürlich – das Spiel mit den Bildern, die wir von Afrika haben. Und das wollen wir eben auch ein Stück weit erreichen durch The True Size of Africa, dass man da ins Denken kommt. Und ich habe mich sehr gefreut. Ich hatte tatsächlich einen Anruf jetzt gerade schon. Gestern haben wir eine Zoom-Sitzung gehabt von einem Industriellen, einem Maschinenbauunternehmen, das tatsächlich eben daraufhin mich gefragt hat: Wie kann ich denn noch Afrika darstellen?

Die haben mir wirklich ihre Zeitschrift gezeigt, und wir sind in den Dialog gekommen. Ich habe gesagt: Ich würde das noch machen, damit wir eben nicht in die Stereotypenfalle gehen. Und das ist das, was mich sehr freut: wenn Kunst und Leben sich hier sowieso in der Ausstellung verbinden, aber tatsächlich das auch im Saarland und weit darüber hinaus so geht, dass man anfängt nachzudenken: Wie zeige ich Afrika? Und das ist wirklich ein großer Glücksmoment für mich gewesen, wenn dann solche Leute anrufen und uns um Rat fragen, weil wir eben tatsächlich uns mit diesem Thema gerade auseinandersetzen.

Verena Feldbausch: Das ist ein tolles Ergebnis auf jeden Fall. Gehen wir nochmal zurück zu William Kentridge. Das ist ein Animationsfilm, der heißt Mine, also Mine. Es geht um einen weißen Minenbesitzer und seine schwarzen Arbeiter.

Dr. Ralf Beil: Ja, Kentridge ist ja ein weißer Südafrikaner, aber hat sich sehr kritisch auseinandergesetzt. Es geht da natürlich um die gesamte Minenlandschaft um Johannesburg herum und natürlich auch um den Kapitalismus, um die Ausbeutung. Es kommt das Sklavenschiff tatsächlich auch nochmal bildlich visualisiert vor in diesen wenigen Minuten.

Was hier natürlich das Tolle ist, dass dieser Film mit Kohle gezeichnet ist und durch Umgestaltung und Ausradierungen entsteht. Also eigentlich eine wunderbare Materialidentität, weil bei Minen geht es natürlich nicht nur um Gold, sondern auch um Kohle und um Erz, was dann rausgenommen wird. Es ist ein bildmächtiges Werk, ein früherer Film von ihm, der eben sehr deutlich eigentlich dieses Gefälle von Schwarz und Weiß zeigt.

Und man muss ja sagen, schlimmerweise ist es bis heute so, dass Südafrika der Staat ist, wo die Ungleichheiten am größten sind. Der Kolonialismus ist dort seit mehreren Jahrhunderten präsent. Es ist einer der ersten Stellen, wo die Europäer an Land gegangen sind – beim Kap der guten Hoffnung. Und das ist leider bis heute immer noch der Staat, der trotz Nelson Mandela und trotz der Congress-Partei immer noch ein Problem hat.

Verena Feldbausch: Von wann ist der Film?

Dr. Ralf Beil: Der Film ist von 1996. Es ist tatsächlich so, dass die meisten Werke in dieser Ausstellung gerade direkt für die Ausstellung entstanden sind – aus den Jahren 2022 bis 2024. Das heißt, wir sind hier eigentlich in einer sehr aktuellen Auswahl. Aber beim Kentridge musste es einfach dieses Frühwerk sein, weil wir ja auch diese Tiefen haben, in denen dieser Film läuft, diese Tiefenbohrung.

Er drückt ja auf diese berühmte Alessi-Kaffeekanne, und dann fährt er runter in die Tiefen des Bergwerks und trifft auf die Arbeiter. Also auch da sind natürlich viele surreale und wirklich erhellende Momente in diesem Film eingefangen.

Verena Feldbausch: Absolut, absolut. Gehen wir mal weiter zu dem Video von Josepha Ntjam. Sie ist in Metz geboren und lebt in Frankreich, und sie beschäftigt sich mit Afrofuturismus. Was versteht man darunter?

Dr. Ralf Beil: Afrofuturismus – genau das ist das Schlagwort. Das ist leichter zu erklären, wenn wir direkt davor stehen. Josepha Ntjam tritt tatsächlich mit einer Maske auf, die nicht mehr historisch ist, nicht mehr klassisch afrikanisch, sondern – wie soll man das beschreiben – eher so wie ein Stachelfisch oder so etwas aussieht. Man kann ihr Gesicht nicht mehr erkennen. Es ist Plastik verwebt mit verschiedenen Teilen, und sie hat ein bunt gesticktes Kleid an.

Was sie hier tut, ist tatsächlich Rezepte quasi aufzuführen, wenn Sie so wollen, weil sie mit ihrer Gestik, mit ihren Händen dann auch die Pflanzen zerreibt, im Wortsinne. Und worum geht es da? Es sind tatsächlich Rezepte für Widerstand gegen die Angst – also tatsächlich Selbstermächtigungsrezepte.

Im tieferen Sinn geht es darum, den Anschluss wiederzufinden. Sie müssen sich vorstellen: Kolonialismus heißt nicht nur militärische Besetzung, sondern auch Besetzung im Kopf – das heißt Missionierung. Die Missionen waren ganz wichtig, die Religion, und vielfach ist da einfach der Kontakt gar nicht mehr da. Es gibt viele Länder – das haben mir die Congo Astronauts auch gesagt –, die tatsächlich ein sehr gespaltenes Verhältnis zu traditionellen Masken haben.

Sie versucht, den Wiederanschluss an diese Urrezepte, an die Pflanzenwelt, an das, was man eben hatte, bevor die westliche Medizin und Religion kamen, wiederherzustellen. Und das ist natürlich etwas sehr Wichtiges, dass man sich wieder besinnt auf das, was hart unterbrochen wurde und jetzt mühsam wieder angeeignet werden muss: dieses Wissen von den Pflanzen, von der Natur, und diese Nähe zur Natur, die ja zum Teil auch dort gelebt wurde und jetzt wieder aktiviert werden muss.

Verena Feldbausch: Ja, das ist eine tolle Arbeit auf jeden Fall. Weiter würde ich gerne zu The Singh Twins gehen. Die kommen aus England, richtig?

Dr. Ralf Beil: Ja, genau. Lassen Sie mich kurz ausholen, bevor wir auf das Bild kommen. Wir befinden uns hier in diesem Bereich zwischen den Maschinen und machen so etwas wie eine Weltreise. Wir beginnen in Holland mit Vermeer, wo Romeo Mivekannin tatsächlich zeigt, wo der Kolonialismus herkommt. Der ganze Reichtum der Bilder und das, was Vermeer und Rembrandt eben gemacht haben, basierte natürlich darauf, dass es den Wohlstand und diese schweren Stoffe gab, die durch den Kolonialismus erarbeitet wurden.

Da stellt sich Mivekannin als Selbstporträt rein, nackt als Frau sogar in diesem Fall, und bringt das Bild sozusagen komplett zum Kippen, was einst ein Studioporträt von Vermeer war.

Verena Feldbausch: Und wie setzen die Singh Twins das Thema um?

Dr. Ralf Beil: Die Singh Twins greifen den Dreieckshandel auf, erweitern ihn aber zum sogenannten Extended Triangle. Es geht also nicht nur um den Dreieckshandel zwischen Europa, Afrika und Amerika – den sogenannten Black Atlantic –, sondern sie beziehen auch Indien mit ein, wo es den Baumwollhandel gab, der oft vergessen wird.

Sie zeigen einen Leuchtkasten mit einer Collage. Darauf sehen wir eine Inderin, aber auch einen Malik Ambar, einen Slave Soldier Ruler. Wir haben Toussaint Louverture, einen Freiheitskämpfer in der Karibik, und weitere historische Persönlichkeiten.

Wir sehen auch ein Sklavenschiff, und der Name Pondicherry taucht auf. Das verweist auf ein europäisches Schloss, trägt aber tatsächlich den indischen Namen mit. So entsteht ein weltumspannendes Netz, das deutlich macht, dass der Kolonialismus nicht nur ein Dreieckshandel war, sondern globale Dimensionen hatte. Die Singh Twins zeigen diese Verbindungen eindrucksvoll.

Innen drin, direkt hinter den Singh Twins, läuft ein Film von Campos-Pons. Es ist die Geschichte einer Kubanerin, die ihre chinesischen Wurzeln entdeckt und diese als Kunstperformance auslebt, weil ihre Großmutter Chinesin war. Auch hier sehen wir, wie es um Hybridität geht. Es wird gezeigt, dass wir von Beginn an hybride Wesen sind. Wir alle sind einmal aus Afrika gekommen. Unsere Gemeinsamkeiten und Verbindungen werden hier betont.

Verena Feldbausch: Ein wirklich spannender Ansatz. Und wie schlagen wir den Bogen zurück nach Deutschland?

Dr. Ralf Beil: Wir enden diese kleine Weltreise in Deutschland bei James Gregory Atkinson, einem Afrodeutschen. Er setzt sich mit der Erfahrung auseinander, als Kind schwarzer Soldaten und einer weißen Mutter in Deutschland aufzuwachsen. Es geht um das Gefühl, einerseits Teil zu sein, aber andererseits ausgegrenzt zu werden. Diese Rückbesinnung auf Deutschland nach der Reise durch die kolonialen Spuren der Welt ist ein wichtiges Schlussstück.

Verena Feldbausch: Sein Werk ist also auch eine Art Reflexion über die deutsche Geschichte und Identität?

Dr. Ralf Beil: Genau. Das Video von James Gregory Atkinson ist im Stil eines Musikvideos gemacht, spielt aber in den Barracks, wo die Väter dieser jungen, schwarzen oder dunkelhäutigeren Menschen gedient haben. Es vermittelt eine atmosphärische Bestandsaufnahme dieses Lebensgefühls – ein kraftvoller Abschluss dieser Reise.

Verena Feldbausch: Es gibt ja auch das Kollektiv Cercle d’Arts des Travailleurs de Plantation Congolaise (CATPC). Hier arbeiten Künstler*innen direkt auf Plantagen und stellen Schokoladenskulpturen aus. Eines ihrer Werke trägt den Titel White Cube Lusanga. Können Sie uns das näher erklären?

Dr. Ralf Beil: Ja, das ist eine sehr spannende Arbeit. Der White Cube ist eigentlich ein Symbol für westliche Museen, die auf kolonialem Reichtum basieren. Dieses Kollektiv will darauf hinweisen, dass viele Museen ihren Ursprung in der Plantagenwirtschaft haben. Sie rekonstruieren und revitalisieren verlassene Plantagen in Lusanga, bauen dort ökologischen Landbau auf und schaffen neue Räume – auch Kunsträume.

Die Schokoladenskulptur White Cube Lusanga ist wie ein Wimmelbild aus Köpfen, Palmen und Menschen. Es zeigt die Verbindung zwischen Mensch und Natur und fordert uns auf, diese wiederherzustellen.

Ein besonders faszinierendes Werk ist auch die Skulptur Fischmonger. Sie erinnert auf den ersten Blick an das klassische Bild von Goya, Saturn frisst seine Kinder. Bei Goya steht das Bild für Not und Verzweiflung, bei der Kinder aufgefressen werden. Hier wird das Motiv jedoch umgedeutet: Der Fischmonger schluckt seine Kinder, bewahrt sie in seinem Bauch und schützt sie davor, gefressen zu werden, um sie später wieder auszuspucken. Es ist eine völlig andere Interpretation, ein Symbol des Schutzes und des Lebens, anstelle von Verzweiflung und Gewalt.

Verena Feldbausch: Das ist wirklich ein sehr starkes Bild. Und dann sind da noch diese riesigen Leinwände, die hier wie Segel im Raum hängen. Was hat es damit auf sich?

Dr. Ralf Beil: Das ist Kaloki Nyamai, ein Künstler aus Nairobi. Er hat speziell für diese Ausstellung zwei neue Leinwände geschaffen, zusätzlich zu denen, die er in Berlin und New York ausgestellt hatte. Diese Werke heißen Dining in Chaos. Sie thematisieren die Zerrissenheit und den Fortschritt in Nairobi. Einerseits gibt es Geothermie, aufstrebenden Wohlstand, und ein modernes Leben. Andererseits gibt es nach wie vor soziale und politische Spannungen.

Die Werke sind wie Palimpseste, also Überlagerungen. Sie bestehen aus Collagen, LKW-Reifenschnüren und Zeitungspapieren. Es gibt großflächige Figuren, die man zunächst aus der Ferne sieht. Je näher man kommt, desto mehr Details, Materialien und Geschichten erkennt man. Das ist das Besondere an seinen Arbeiten: Sie zeigen die komplexe Realität von Nairobi, die aus Chaos, Ruhe, Dialog und Konflikt besteht.

Verena Feldbausch: Diese Dichte an Geschichten und Ebenen ist wirklich beeindruckend. Und dann gibt es noch die Congo Astronauts. Ihre Werke umfassen Videos und Astronautenanzüge aus Elektroschrott. Können Sie mehr dazu sagen?

Dr. Ralf Beil: Die Congo Astronauts – bestehend aus Pisko und Eléonore – waren einen Monat hier in Völklingen. Sie haben aus Elektroschrott, den sie aus Kinshasa mitgebracht haben, und aus Material von hier in der Hütte ihre Werke geschaffen. Der Ansatzpunkt ist, dass im Norden des Kongo Kobalt abgebaut wird, ein essentielles Material für unsere Smartphones und Laptops. Nach der Nutzung kehrt dieser Elektroschrott dann als Müll zurück in den Kongo.

Die Astronautenanzüge, die sie geschaffen haben, symbolisieren diesen Kreislauf. Die Helme und Teile der Anzüge bestehen komplett aus Elektroschrott. Die dazugehörigen Videos zeigen, wie die Astronauten durch die Völklinger Hütte wandern. Diese Kombination aus Raum und Werk macht die Hütte plötzlich zu einem fremden Ort. Sie fragen: Was wurde hier gemacht? Was bleibt von solchen Orten? Es ist ein kraftvoller Dialog zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Für mich ist diese Arbeit besonders stark, weil sie zeigt, wie sehr Afrika uns auch zurückschaut. Die Congo Astronauts erkunden diesen seltsamen Ort – die Völklinger Hütte – mit einer fremden Perspektive. Sie lassen uns den Ort durch ihre Augen neu entdecken. Gleichzeitig verbinden sie Themen wie Kolonialismus, Raubbau und Migration mit dieser einzigartigen Kulisse. Das ist der Reiz dieser Ausstellung: Wir erfahren nicht nur etwas über Afrika, sondern auch über uns selbst – unsere Geschichte, unser Verhalten und die Nachwirkungen des europäischen Kolonialismus.

Verena Feldbausch: Das ist wirklich beeindruckend. Es gibt noch viele farbige Werke hier. Zum Beispiel die Arbeiten von Sandra Segir. Können Sie etwas dazu erzählen?

Dr. Ralf Beil: Sandra Segir hat zwei großformatige Gemälde beigesteuert, die stark auf Musik und Bewegung Bezug nehmen. Das eine Bild handelt von Fela Kuti, dem nigerianischen Musiker und Aktivisten, und ist eine riesige Collage aus unterschiedlichsten Elementen. Es zeigt ihn in einem Strom aus Musik und politischen Statements.

Das zweite Bild ist eine Hommage an Miriam Makeba, bekannt als Mama Afrika. Sie war eine südafrikanische Sängerin und Aktivistin, die sich gegen die Apartheid einsetzte. Ihre Arbeit zeigt sie in einem magmatischen Umfeld, mit mehreren Köpfen, die aus der Komposition hervortreten. Diese Gemälde verbinden Musik, Politik und afrikanische Geschichte auf eine faszinierende Art.

Verena Feldbausch: Die Energie und Leidenschaft dieser Werke ist wirklich spürbar. Zum Abschluss wollte ich noch auf Kara Walker eingehen. Sie ist eine amerikanische Künstlerin, die hier einen Animationsfilm zeigt. Sie arbeitet viel mit Scherenschnittfiguren. Was macht ihre Arbeit besonders?

Dr. Ralf Beil: Kara Walker ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen unserer Zeit. Ihr Animationsfilm hier basiert auf Scherenschnittfiguren und ist im Stil eines frühen Animationsfilms gestaltet, was ihm eine spielerische, fast harmlose Ästhetik verleiht. Aber genau diese Harmonie wird gebrochen, denn der Inhalt ist alles andere als harmlos. Der Film zeigt Gewalt, Rassismus und Unterdrückung, die sich bis in die heutige Zeit ziehen.

Trump taucht darin auf, genauso wie der Ku-Klux-Klan. Es gibt Szenen, in denen schwarze Menschen gejagt oder an Autos gehängt werden. Diese drastischen Bilder werden durch die naive Ästhetik des Films umso eindringlicher. Walker schafft es, die Zuschauer zu fesseln und sie gleichzeitig mit unbequemen Wahrheiten zu konfrontieren.

Dieser Film ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern auch eine Mahnung. Er zeigt, wie wenig selbstverständlich Gleichberechtigung für schwarze Menschen auch heute noch ist. Das ist ein zentraler Punkt von The True Size of Africa. Es geht darum, die wahren Dimensionen Afrikas und seiner Geschichte zu verstehen – geografisch, kulturell, menschlich und historisch.

Verena Feldbausch: Das ist ein kraftvoller Schlusspunkt. Aber wir wollten doch noch kurz zur Erzhalle gehen. Können Sie uns dazu etwas sagen?

Dr. Ralf Beil: Natürlich, das ist ein wichtiger Teil der Ausstellung. In der Erzhalle finden wir die Arbeit von John Akomfrah. Für mich ist sie wie eine Summa oder eine Coda – ein musikalisches Finale, das alles zusammenfasst, was wir in der Ausstellung sehen und erleben können.

Akomfrah nutzt eine cinematografische Breite und Bildgewalt, die ihresgleichen sucht. Er thematisiert Migration, Klimawandel, Kolonialismus und die Schönheit und Vielfalt Afrikas. Es geht um Getreidefelder in Nordafrika, die Tierwelt, aber auch um die großen Fragen unserer Zeit. Migration ist dabei ein zentrales Thema.

Verena Feldbausch: Wie wird das Thema Migration visualisiert?

Dr. Ralf Beil: Immer wieder sieht man Menschen, die durch Wüstenlandschaften wandern. Das erinnert an die heutigen Massengräber der Wüsten, wo unzählige Migranten sterben, bevor sie überhaupt das Mittelmeer erreichen. Wir sprechen oft über Bootsunglücke, aber die Wüste selbst ist ein riesiges unsichtbares Massengrab.

Akomfrah zeigt uns, dass Afrika nicht nur ein Ort der Vergangenheit ist, sondern eine globale Frage, eine planetarische Herausforderung. Wenn Afrika scheitert, scheitert auch der Rest der Welt. Seine Arbeit ist eine Einladung, über unsere Verantwortung nachzudenken und wie wir die Welt gemeinsam gestalten können.

Verena Feldbausch: Das klingt wie eine ergreifende und umfassende Arbeit. Möchten Sie ein abschließendes Wort zu dieser Ausstellung sagen?

Dr. Ralf Beil: The True Size of Africa ist mehr als eine Kunstausstellung. Sie ist ein Augenöffner, eine Einladung zum Nachdenken, Fühlen und Handeln. Es geht darum, Kunst nicht nur als Augenweide zu erleben, sondern als Werkzeug, um die Welt besser zu verstehen und zu gestalten.

Verena Feldbausch: Vielen Dank, Herr Dr. Beil, für dieses spannende Gespräch und Ihre Einblicke. Ich freue mich auf die nächsten Projekte und Gespräche.

Dr. Ralf Beil: Vielen Dank, Frau Feldbausch, es war mir eine Freude.

Verena Feldbausch: Das war der erste Teil von art talk über die Ausstellung im Weltkulturerbe Völklinger Hütte. In der nächsten Folge spreche ich mit Prof. Dr. Christiane Solte-Gresser, die wesentlich an der Ausstellung mitgearbeitet hat.

Vielen Dank fürs Zuhören, und bis zum nächsten Mal! Eure Verena Feldbausch.

Der Beitrag #21 art talk – The True Size of Africa – Teil 1 erschien zuerst auf Art Trailer Verena Feldbausch.